Celle que vous croyez.

Película francesa del 2018 que no es hasta este 2020 que se estrena en salas comerciales de México, y que han llamado "No soy quien crees" (en España le han titulado Clara y Claire, como el libro escrito por Camille Laurens en el que se basa), dirigida por Safy Nebbou, protagonizada por la siempre interesante Juliette Binoche, la directora y actriz Nicole García, y el joven Francois Civil a quien pudimos ver en "Ce qui nous lie" y "Mon inconnue".

La película a grandes rasgos cuenta la vida de Claire, una mujer que ronda en los cincuenta y tantos años, maestra universitaria y divorciada que nos cuenta a través de sus terapias con su psicóloga Catherine, como cambió su vida a raíz de que creó un perfil falso en Facebook de una mujer mucho más joven para espiar a su amante ocasional haciéndose "amiga" de su mejor amigo, pero luego de empezar a platicar con Alex, y empiezan a entablar cierta conexión, es que Claire empieza a transformarse más en su alter ego, pues como ella misma lo dice: "no aparentaba tener 24 años, tenía 24 años" empiezan a compartir fotos, llamadas, sexo telefónico, fotos que tienen relevancia en la vida misma de Claire y que alguna vez ya le arrebataron mucho en la vida, como lo volverán a hacer cuando Alex le pide poder conocerla, es entonces que ella toma una decisión que repercute no sólo en su felicidad y su vida real, sino que también repercute drásticamente en la vida de Alex, hasta que al final, luego de una forma liberadora que sólo los escritores (como el propio personaje que interpreta la Binoche en la película "Les enfants du siecle") podemos entender: creando una realidad ficticia, un final alternativo, un escape para el remordimiento y la culpa por el daño ocasionado; ella se entera de una verdad gracias a su psicóloga que logra cobrar además una importancia muy significativa tanto en la vida de Claire como en la película, el círculo ya se había cerrado para Claire, pero Clara le debía un cierre digno a su historia con Alex, y en eso termina la película.

La película me resulta interesante por el tema que trata y su forma efectiva de hacerlo, por una parte, la forma en que se retrata la crisis que sostiene el personaje de Claire que por su ritmo agitado de vida, entre sus clases, sus hijos, sus terapias y medicamentos, en muy pocos momentos se le ve derrumbarse, a pesar de estar destrozada por su divorcio y la forma en que este se dio, y que la hizo creer hasta el momento en que empieza su relación con Alex, que era una mujer en la que por su edad ya nadie se podría fijar. Muestra la fragilidad emocional a la que nos sometemos cuando formamos relaciones basadas en estas redes sociales, lo vulnerables que nos volvemos y estamos de crear conexiones con personas que siendo reales, no lo son, y lo que se podría desatar de un juego inocente como el que juega Claire en el que se siente como en un sueño, sin considerar lo que la otra parte de la historia, la que contesta los mensajes y se ilusiona, podría sentir, pensar, o como podría reaccionar cuando no se tiene la respuesta deseada.

La película en el último acto al parecer se precipita y se siente muy forzado, al grado que se nos resuelven y dan muchas noticias de golpe, sin dejar que se den de manera armónica y el espectador se permita algo de de asombro sin permitir entrar incluso al juego del tratar de intuir lo que vendrá.

Aun con eso, si yo debo decir que, si por algo la película funciona perfectamente, a pesar de los problemas que pudiera tener narrativamente, es gracias a Juliette Binoche, si otra vez. No cabe duda que la Binoche está atravesando por el mejor momento de su carrera, la mujer para mí nunca ha tenido un descalabro, incluso en sus más burdas comedias románticas de Hollywood, la mujer está perfecta, en esta no es la excepción, y en últimas películas en las que interpreta personajes con problemas emocionales de mujeres de la edad que representa hoy día, les da una calidad histriónica sin restricción o pudor alguno, una autenticidad, y les dota de un valor muy único a cada uno, que nunca se siente que sea la misma actriz la que los está interpretando, más en preciso, podría mencionar esto por un papel en particular con el que tiene muchas similitudes Claire: el de Isabelle en la extraordinaria película "Un beau soleil intérieur" del 2017 de la imprescindible directora Claire Denis.

Un acercamiento bien interesante en como hoy día las redes sociales nos llevan a involucrarnos en diferentes sentidos con las personas a nuestro alrededor, para que las utilizamos, y si eso está bien, es una especie de confrontación, sin que suene como un sermón, y sirviéndose además de una historia me parece muy buena, aunque el final sea algo fallido, y que habría que analizar que tanto influyo la mano del director, o de la novela en que se basa. También interesante la lectura que le podamos dar desde el punto de vista de si lo que sentimos por una persona que conocemos sólo por mensajes de texto es real, y las formas liberadoras psicológicamente hablando el poder tener una personalidad virtual que sea quizá lo que en la vida real no nos atrevemos a ser y hacer.

Películas del Festival Internacional de Cine de Los Cabos.

*Cabe aclarar que las menciones en la lista se hacen por el orden en que las vimos, el listado de mis favoritas lo haré hasta el final del año con el recuento de lo que a mi parecer fue lo mejor del 2019 en el cine.


The Irishman.
Para los que amamos el cine de Martin Scorsese, The Irishman resulta ser una verdadera obra maestra. En las 3 horas 29 minutos que dura Scorsese hace gala de lo mejor de su cine, de los temas que a él siempre le han inquietado, haciendo un viaje por todos los estilos y recursos que ha utilizado del lenguaje cinematográfico en su cine, hace un repaso por muchas de sus grandes obras, y además reúne a un grupo de actores que al igual que él, fueron emblemáticos en aquella década de los 70's en el cine, para entenderlo como hoy día lo hacemos.
Ver a De Niro, Pesci, Pacino y Keitel, verdaderamente es un lujo, estamos ante un trabajo que quizá no se vuelva a repetir en la historia del cine, grandes genios artistas como estos cinco (contando por supuesto a Scorsese), no los volveremos a tener jamás. Keitel con una aparición muy corta pero eficiente, De Niro como el protagónico y que cabe destacar que luce con su personaje gris sin que sea el ser poderoso que en otras películas como Goodfellas o Casino se mostraba (y con ojos azules además), Pacino no podría estar mejor que nunca, este año firma sin lugar a dudas sus dos mejores actuaciones de la década, y a mi en lo personal me conmovió hasta el alma ver a Pesci volviendo a actuar sólo una vez más, con el director que se formó, y para mi sin duda es el mejor de todos, y será una grosería si no se le nomina a todos los premios que estén por venir.
La última parte de la película más de uno podríamos interpretarla como la parte más autobiográfica de Scorsese, en la que muestra su preocupación por el paso del tiempo en las personas y saber que no hay una eternidad en el oficio de los gangsters como en el de los cineastas. Uno agradece que Netflix haya dado todo lo que Scorsese necesitó para hacer esta película, la película vale cada centavo que costó hacerla, cada segundo que dura es indispensable, necesario; nada falta, nada sobra, es el cine que jamás debe dejarse de hacer. el cine que no debe morir.

La paloma y el lobo.
La película dirigida por Carlos Lenin, logra tocar el tema de la violencia en diferentes dimensiones sirviéndose de una relación en crisis entre dos jóvenes que se da a raíz de la huida de ellos dos de su lugar de origen.
La propuesta visual y metafórica que utiliza Lenin es digna de admirarse, ningún otro director mexicano lo había logrado a tal grado, desde el prólogo de la película Lenin en no más de tres escenas ya logra ponernos en la perspectiva de este par de personajes, aunque nunca se nos dice nada, sabemos que huyen por los problemas de violencias que aquejan a muchas regiones del país.
El como Lenin se vale de planos simétricos y la forma en que emplea tanto la luz y el sonido para representar la violencia sin que sea de una manera morbosa o explícita, crea en el espectador una sensación de angustia que permanece a lo largo de la película, además de las largas secuencias que presenta en muchas ocasiones. Si bien desde mi punto de vista estos valores no son siempre atinados y logran que el espectador se sienta perdido, y no angustiado como lo mencionaba el director, si es de reconocer el hecho de que el director hizo la película como él quiso, y que además todo está perfectamente justificado. La forma en que emplea el factor agua y fuego para establecer el vínculo entre lo que se deja y lo que hay, y el lazo entre la pareja, la normalización de la violencia en el lenguaje de los jóvenes, la forma en que los personajes que no se valen del drama para ser expresivos. La película siempre va de menos a más, y logra a través de una propuesta única, puntualizar la huida y el llanto de Lobo.

El deseo de Ana.
Emilio Santoyo logra a través de su ópera prima contar una historia de amor en un drama intimista muy mesurado y meticuloso que a mi parecer es una de las propuestas más interesantes y una de las mejores películas realizadas del festival.
Un trabajo que se centra de manera muy íntima y detallista, en la figura femenina de Ana y su hijo, cuya monótona vida viene a volcarse con la llegada de Juan, el hermano de Ana, a quien no ve en mucho tiempo, y que va desentrañando su historia, la de sus padres, y toda la lucha que libran por no querer estar juntos, aunque tengan la necesidad de estar juntos. Emilio le da un grado de importancia bien valioso a la naturalidad de la historia, y que además resulta interesante que su mirada sea capaz de mostrar este relato tan profundamente detallista, como se interna en la psicología del personaje de Ana y esto haga que la historia se vaya desarrolando a través de los impulsos de ella. En gran medida esto se debió a que el equipo de trabajo de la película estaba conformado en su mayoría por mujeres, como lo señaló el mismo director al entablar la plática con prensa y asistentes a la primera proyección de la película en México.
El ritmo de la película es perfecto, tiene un tono muy atinado, cuenta con una propuesta estética y visual que habla mucho a través de sus planos, encuadres, y los colores que se emplean. Todos estos factores hacen que la película desarrolle todo el asunto del deseo de nuestros personajes principales en la trama a lo largo de la historia de manera adecuada, con una fórmula muy sutil, pero contundente. La película se va narrando y nos va dando de a poco los detalles del pasado entre ambos personajes, y como se muestra sus conflictos pasados y los detalles que no se pierden para siempre, y su lucha por lo que sienten, uno no hace más que ver en un principio el rechazo ante el sentir, para después ver a los personajes buscar lo que verdaderamente los llena, su amor, sin que les importe lo que la mirada del espectador piense, sin el prejuicio o el escándalo que para bien, no propone el realizador, y cuya naturaleza particular de los personajes proviene de una necesidad de la co-guionista de la historia. Esta película me hizo recordar mucho a la extraordinaria película del director hongkonés Wong Kar Wai, Happy Together.
El tema del deseo es un tema que el director ya había tocado en su cortometraje El Perfecto Ausente, y justo el final de la película es un guiño directo al cortometraje mencionado, y como el color rojo siempre es un elemento que en un lenguaje muy poético, directo y que además de representar a la pasión, tiene un lazo sanguíneo directo con el deseo. Debo decir que ha sido mi película mexicana favorita del festival, y es esa clase películas que yo celebro y que defiendo y disfruto el hecho de poder escribir sobre ellas, porque es mediante la escritura sobre cine que puede llegar a provocar la curiosidad que alguien la quiera ver, y busque las maneras de verla en cuanto tenga la primera oportunidad.

Club Internacional Aguerridos.
Falso documental en blanco y negro que se sitúa a finales de los 80's principios de los 90's, dirigido por el director Leandro Córdova que nos presenta a un director "güero" que documenta las andanzas de un grupo de punk's que liderados por Franco, un viejo bohemio español que igual habla de política como de poesía cual si se tratara de algún personaje en una novela de Roberto Bolaño. Vemos entonces a este "director" filmar todo lo que hacen este grupo, desde robar, echar desmadre, ir a toquines, verlos masturbándose, drogándose, saltando desnudos frente a la cámara, y a la par vemos como este director va rebasando los limites y privilegios de los que goza para ser uno más de ellos.
La película se arriesga y lo hace de manera fenomenal, un gran atino para el tipo de película que quiere ser. Es divertidísima y cuenta con un ritmo y humor negro muy particular del que uno agradece por lo transgresor que puede llegar a ser. Me parece un trabajo único y que juega con detalles técnicos también muy arriesgado pero que el público puede entender perfectamente.
Una de las mejores propuestas a mi parecer de este año.

Marriage Story.
La película de Noah Baumbach muestra a mi parecer a un director más maduro, en un principio uno bien podría pensar que está viendo una película de Woody Allen, por ese toque melancólico, nostálgico, muy neoyorquino (de hecho la película de la premisa me parece tiene mucho de Annie Hall) pero conforme va avanzando la misma, vemos desarrollar la dolorosa batalla que enfrentan Nicole y Charlie en su divorcio luego de que ella, actriz de la compañía de teatro que tienen ambos, donde Charlie es el director, descubre que él se acuesta con su asistente y decide retomar su carrera de actriz en Hollywood, y el mayor conflicto reside en el tiempo que ambos quieren pasar con su pequeño hijo Henry.
Al ver una película más madura de Baumbach, indiscutiblemente se pierde mucho de lo atractivo que tenía su cine: la espontaneidad. Baumbach por momentos regodea mucho el discurso de su película y esto la hace innecesariamente larga, al grado de que si la historia no fuera como lo es, llegaría a cansar, pero para su fortuna tiene con varios puntos a su favor, uno de ellos es la comedia muy atinada, el otro y más importante: sus actores. Adam Driver y Scarlett Johansson hacen las que para mí son las mejores actuaciones del año, no exagero al decir esto. Hay una escena en particular en la que desgarra verlos, al grado de provocar el llanto en el espectador. Es magnífico ver como es su interacción a lo largo de la película y estremece en más de una ocasión, lo cual hace que disminuya en mucho la sensación que por momentos la película se sienta larga y aburrida. Laura Dern también está en un grandioso momento y la película es prueba de ello.
Sin ser a mi parecer una gran película, o la mejor propuesta de Baumbach en su filmografía, son las actuaciones de Johansson y Driver lo que hacen que valga la pena la experiencia de ver este intenso para bien, y largo para mal, ejercicio no tan bien definido del director, vamos, que Allen haría algo más efectivo en poco más de 90 minutos.
Destacar que el principio y el final de la película son encantadores.

Antigone.
Película canadiense que formó parte de la selección de Competencia Los Cabos es la película canadiense que más renombre tenía de las películas canadienses en el festival por varias razones. Una de ellas es el hecho de que es la película seleccionada por Canadá a contender por el premio Oscar a Mejor Película Extranjera, y otra es por los temas que trataba. La trama se basa en el griego de Antigona pero llevado a la modernidad y a la cuestión de los problemas raciales y de inmigración por la movilización de gente que vive en países de medio oriente en los que los azota la guerra, y todo lo que esto conlleva escenificado en la ciudad de Quebec.
La película tiene una narrativa mesurada y que no arriesga mucho, hace que los temas que muestra no sean demasiado fuertes o bruscos, aunque esto llegue a hacer que se le reste importancia o seriedad. Todos los temas que toca son muy importantes, además de tocar el tema de como hoy día las redes sociales influyen mucho en temas judiciales e impartición de justicia y de apoyo moral. La lucha de esta chica por hacer lo mejor por su familia, por el amor a su familia viva y no viva, y verse enfrentada a la realidad de las reglas de la ley, es muy interesante, además que en muchos puntos y momentos la película tiene un gran atino en el manejo de ciertas escenas y su representación, como el hecho en que la chica entrega su amor al chico que ama. La actriz protagónica Nahuma Ricci hace un papel realmente impresionante, la punta del iceberg en su actuación es la escena donde su hermano por el que ella se sacrifica, regresa.
Una propuesta si bien no arriesgada ni muy relevante a los temas que toca, y que no profundiza para hacerla pesada, o llevar el tema a un límite que no le haya permitido llegar a lugares o públicos que los realizadores no hubieran querido, es un acercamiento para aquellos que no conocemos el cine canadiense tan a fondo, salvo por lo hecho por Villeneuve y uno o dos directores más.

La fiera y la fiesta.
Película co-producida por México, República Dominicana y Argentina, dirigida por Luisa Amelia Guzmán e Israel Cárdenas. (También director de fotografía) La película es un homenaje declarado al director dominicano Jean Louis Jorge que se integra de las personas que lo conocieron en vida y que fueron muy importantes para él. Vera, personaje interpretado por Geraldine Chaplin, encuentra un guion escrito por el director, y decide que lo va a filmar, rodeándose de la gente que conocía a Jorge, empieza la filmación que parece estar maldita por la misma presencia del director, y así vemos el pretexto perfecto para ver en este ejercicio sobre la temporalidad de la vida, el cine dentro del cine, y todas las referencias a una filmografía que desafortunadamente sino fuera por fragmentos que el tiempo y la isla permitieron existir, el director habría desaparecido al igual que su vida en el año 2000 cuando fue asesinado.
Además la película además de ser muy atractiva por la actuación de Geraldine Chaplin, en la película también aparecen el actor alemán Udo Kier, y el recién finado Luis Ospina, que también la película fue dedicada a su persona.

Honey Boy.
Película está basada en la historia autobiográfica de Shia LaBeouf, sobre la relación con su padre cuando Shia siendo niño empezó en el mundo de la actuación, y el problema con el alcohol y las drogas de su padre y cómo este de cierta manera lo llevo a él a sumergirse en ese mundo. La historia escrita por el actor como terapia de su rehabilitación muestra precisamente esta etapa de Otis, alterego de Labeouf; (con las destacadas actuaciones de Noah Jupe siendo un niño de 10 años, y Lucas Hedges siendo un joven mayor) que luego de un accidente de coche termina en rehabilitación, y estando en terapia pasa de un estado de total negación y enojo al no querer ver lo que pasó y realmente fue su niñez, la que vemos en flashbacks entrelazando su estadía en el presente y su vida siendo un pequeño famoso que paga a su padre para que lo cuide.
La película es dirigida por la directora israelí-estadounidense, y la película tiene mucho de la forma en que hoy día el cine indie norteamericano se narra: fotografía estilizada con un predominio de luces de colores brillantes, narrada con cámara en mano la mayor parte del tiempo, y es bastante acertado en sus baja ambición. La película funciona sin ser una gran propuesta, (por momentos me ha hecho recordar a películas como Skate Kitchen o Mid90s) y por supuesto destacar la gran actuación del propio Shia que interpreta a su padre, y a Lucas Hedges que lo vimos en dos películas del festival y que está convertido en un extraordinario actor y que seguro dará muy gratos momentos en un futuro y su carrera sigue así.

La Vérité.
La incursión e inmersión de Koreeda al cine desde la perspectiva de la figura de el actor y el guionista, y con la relación entre una madre y su hija, me ha dejado con un buen sabor de boca, aunque indudablemente no crea el efecto que crea con sus grandes obras.
La Vérité retrata el encuentro entre Fabienne y Lumir, madre e hija respectivamente, que se enfrentan luego de que Lumir descubre en el libro autobiográfico de su madre que narra la historia completamente diferente a como ella la recuerda, además de luchar por una figura ausente importante para las dos, y que vuelve en la figura de la actriz protagónica de la película en la que participa Fabienne y que por azares del destino Lumir tiene que ayudar como su asistente, es en este acercamiento que muchas cosas van a empezar a salir para las dos, desde el darse cuenta que no siempre las cosas se recuerdan tan como son, y que siempre se puede volver a dar un paseo familiar, como lo hacen las familias japonesas.
Al ser la primera película de Koreeda fuera de Japón, no hablada en su idioma, ni actuada por personajes y una cultura que no es la de él, era claro que el efecto de esta película no podría ser tan contundente como en sus anteriores, y por este motivo Koreeda hace bien y narra su película y nos muestra esta familia multicultural con sus costumbres propias, Hawk está correcto, vemos a Binoche con esa luz y brillo propio que jamás se verá opacado, pero es Catherine Deneuve quien se lleva la película con una actuación magnífica. Vemos muchos guiños al cine de Koreeda, como los fundidos en negro cuando se cambia de una situación a otra, la sutil música que aparece cuando quiere, pero que jamás estorba ni estropea el discurso, y ese final que a mi siempre me ha maravillado, aunque ya lo haya visto una infinidad de veces en Koreeda. Vemos algunos golpes sutiles de emociones y verdades que se destapan, pero no llegan a ser tan contundentes como nos tiene acostumbrados.
Quizá no figure entre los conteos de lo mejor del año, pero aplaudir la valentía de Koreeda de hacer algo distinto, y que sin ser como ya lo mencioné, lo mejor de su cine, no deja de hacer que yo salga maravillado de ver lo que hace.
Además recalcar que es la primera película que veo como tal en la pantalla grande del director nipón, y mi amor por él no deja de estar ahí.

Jojo Rabbit.
Al comenzar la película debo confesar que no me esperaba mucho de esta película, entre el hecho que el estilo, la estética y la paleta de colores me hacían creer que estaba viendo una película de Wes Anderson, y la comedia que al principio me parecía tonta, simple en el mal sentido, y sin tono; conforme la película fue avanzando fue tomando forma con la historia de este niño llamado Jojo (interpretado por Roman Griffin) cuyo mejor amigo es un muy peculiar y bizarro Adolf Hitler imaginario, que lo que más le ilusiona en el mundo ser un nazi y que luego de no atreverse a matar a un conejo (lo que hace que lo empiecen a llamar Jojo Rabbit), un accidente que lo deja con una marca y que lo hace estar en casa, descubre un secreto escondido por su madre una niña judía (Thomasin McKenzie) que lo hace aprender que los judíos no tienen cuernos, y que se puede enamorar de una chica tan linda como ella.
Taika Waititi lleva esta comedia a terrenos insospechados en el mundo de la sátira y la comedia negra, pero a la vez crea una fábula infantil apta para todas las edades que muestra de manera bien estructurada valores como la amistad, el amor, la aceptación y el apoyo a lo que verdaderamente importa: las personas. En muchos momentos de la película Waititi juega con géneros y en ningún sentido esto se siente forzado, utilizado de mala forma, o burdo.
Waititi interpretando a un Hitler imaginario sarcástico, sádico y comiquísimo, Scarlett Johansson como la mamá encantadora y con una escena en donde muestra que sin duda alguna es una extraordinaria actriz, y Sam Rockwell es un jefe, además de decir que me resulta encantador el personaje de Yorki, interpretado por Archie Yates.
Tiene uno de los mejores finales del año.

About Endlessness.
La película de Roy Andersson tiene todo para ser mencionada con justicia como una de las mejores películas del año, y justifican perfectamente su premio a mejor director del pasado festival de Venecia.
Fragmentos y momentos de la vida que son narrados por una voz, cual poeta que recita la más bella poesía, lo vemos pronunciar las palabras mágicas: yo veo.
Momentos que no necesitan más que un sólo plano, con una atmósfera y una estética que hace sentir una inquietud y una belleza como si se viera una pintura que de repente cobra vida, además de los personajes que deambulan en estas, unos que repiten, otros que no, como la vida misma, muestran las preocupaciones del hombre en el mundo, y los grandes problemas de nuestros tiempos (abordados por momentos con un humor muy particular y peculiar), al mismo tiempo que vemos en estos rostros sin mucha proyección, o sin ser muy expresivas, son el expresionismo en su estado más puro, una puesta que pareciera minimalista pero que lleva detrás un diseño de producción y de arte meticulosos, y que muestran la naturaleza de las personas en los países nórdicos, al grado que quizá parecería muy crítico al mostrarlos en muchas ocasiones como si fueran unos fantasmas. No hay mucho que hablar de la película porque no hay mucho que decir, no se pueden expresar con muchas palabras este tipo de películas, sólo diré que es justo el cine que yo amo ver, el cine del que Bresson hace ya muchos años nos había dicho que se tenía que hacer bajo una única regla: menos es más. Y del que seguro estaría orgulloso.

Family Romance, LLC
La nueva película de Herzog confirma que a este hombre no lo limita nada cuando de hacer cine se trata.
De manera muy sencilla a través de una compañía japonesa que renta personas y emociones para hacer feliz a las personas, Herzog hace un estudio que raya entre la ficción y el documental, de las relaciones humanas y nuestra necesidad de contacto humano, incluso cuando se nos dificulta tenerlo, o creemos que nos engañamos y nos mentimos cuando creemos que hay ciertas conexiones que no se pueden negar, aunque no haya lazo sanguíneo, el humano necesita un refugio, aunque este haya sido comprado, y sea más real de lo que parezca.
Una película que logra conmover y que a pesar de las limitaciones y precariedad de la producción, Herzog una vez más pone en dicho el director tan importante que resulta ser para este arte.

Waves.
Una de las películas que representaban a lo mejor del cine norteamericano del cierre del año era Waves. Es una película sensorial que se vale mucho de la estética y el manejo visual de la cámara y la presencia de luces de colores y la música que acompaña la mayor parte del tiempo. Vemos la historia de dos hermanos que por la presión o no presión que ejercen sus padres sobre ellos, sus vidas dan un vuelco de 180 grados.
La película por momentos se siente inspiracional, por momentos se siente como un sermón o una película de divulgación religiosa, pero juega un papel más importante las emociones que se viven y se superan en familia.
Tuve serios problemas con la primera parte de la película, valorando los valores técnicos y lo que involucra lo mencionado al principio (así como el diseño de producción y todo lo referente al sonido, que en verdad es una maravilla), la película no tiene propuesta alguna a mi parecer narrativamente hablando. La historia, además de ser una historia que ya hemos visto una infinidad de veces, es muy predecible, pero si contamos que esto se debe, o se justifica por el hecho de que entrelaza la historia con la segunda parte, hay un equilibrio y al final la película sale bien librada. La segunda parte realmente es un desarrollo que sin dejar de proponer visual y musicalmente lo que ya venía haciendo, logra complementarse con la historia que da a luz a una persona que vive un duelo desde lejos y con un complejo de culpa que no es hasta el final que se da cuenta que las olas y vienen de un golpe y que van arrasando con todo y hagan que las cosas cambien y a veces se destruyan, pero que al final traen calma, algo nuevo a la orilla de la playa, y una nueva oportunidad.

Las horas del verano.

L'heure d'été es una película del año 2008 dirigida por el cineasta francés Olivier Assayas. Ganadora de múltiples premios alrededor del mundo en distintos festivales como Mejor Película Extranjera o Premio Fipresci.

La película en breves palabras expone y trata como luego de que la matriarca de una familia, la cual era la sobrina del artista Paul Berthier y la encargada de preservar la obra de su tío con el cual tenía un vínculo más que cercano muere, decide dejar al mayor de sus hijos, el único que vive en Francia, como el encargado de todo lo que pasará con la obra y la casa, ella le dice que done y venda todo, pero se lo dice con el deseo de querer que todo quede como está, él quiere que todo quede como está, para que sus hijos disfruten de la casa y en el futuro ellos decidan que hacer con todo, pero sus dos hermano, un empresario que vive en China y su hermana diseñadora radicada en Nueva York, optan por vender todo.

La película es un claro discurso del como padres deciden relegar responsabilidades a los hijos en asuntos que ellos tenían que decidir, y como estos asuntos hacen y crean conflictos en la vida de los hijos. El tema del artista y el arte hace al discurso un tanto burgués, pero en realidad no hace menos en el valor del filme. (Además que es bien justificado al saber que la película es producida por el museo de Orsay)

La película todo el tiempo tiene un ritmo bien mesurado, relajado y uno se siente en una reunión familiar, uno no se siente cansado de este ritmo, todo lo contrario; y uno no espera ser sobresaltado en cualquier momento, incluso las emociones que hay, porque por supuesto que las hay, son contenidas; vemos a nuestros personajes en cierta manera esconderse cuando muestran una emoción, los vemos morderse los labios y chuparse los dientes. Mi único problema con la película es la división que no se explota tanto en la relación entre los hijos y los nietos de la matriarca, y ese final honestamente innecesario o no del todo profundo, pero un problema menor al fin y al cabo.

Aún con esto, la película es buena y muy completa, de una sencillez y mesura de la que uno se siente parte, y no se siente en ningún momento la necesidad de expresiones dramáticas de gratis o absurda; pero aclaremos: tampoco estamos viendo un Bresson o un Dreyer (o lo que es equivalente: una obra maestra), pero quizá si estemos viendo algo muy parecido a un Rohmer o a un Ozu. Y para finalizar, la película es una clara influencia para lo que quiso hacer Dolan con su Sólo es el fin del mundo, pero visto desde la figura de quien se queda, y obviamente mucho más inferior al trabajo de Assayas.

Micro-críticas: Julio. (V)

La compilación de las micro-críticas que les comparto ahora es de muchas de las películas que vi en el mes que acaba de terminar, a diferencia del grupo de micro-críticas que publiqué anterior a estas, en las que escribí sobre películas y cortometrajes mexicanos que ya había visto desde antes pero que por "x o y" circunstancia no había escrito antes y que acá se acomodaron a la perfección con los documentales que en últimas fechas he visto.

Antes ya había comentado que quizá este sea el año en que más documentales he visto, y el mes pasado quizá sea el mes en que más películas he visto en lo que va del año, de modo que esta sólo es la parte de esas películas de las que me pareció pertinente escribir algo aunque fuera brevemente, de las otras o escribo algo más elaborado, o me gustaron tanto que no quiero escribir sobre ellas aun (luego eso me pasa) o no vale la pena ni siquiera mencionarlas. Disfruten la lectura entonces.



Broken Flowers.
He de reconocer que todo lo que yo he visto de Jarmusch me ha fascinado, y que no ha sido nada difícil para mi entenderlo y caer en el encanto de la trama de sus filmes desde el minuto uno, pero con esta si me costó un poco caer en su juego.

Los primeros 20 minutos de la película sentía que la película no sólo no iba de nada, sino que había una parsimonia fuera de lo común en el cine de Jarmusch, pero llegado cierto punto la película empieza su juego, te mete en este, y ya no te suelta.

La película bien podría llamarse "Las pláticas entre Sherlock Holmes y Don Juan de Marco". Y todo el argumento de la película viene a raíz de que el maduro Don Johnston, un hombre que se creó una fama de mujeriego y que es muy rico por cuestiones de computadoras, cuando es dejado por su novia en turno, recibe una carta en la que le hacen saber que años atrás tuvo un hijo y que éste va en su búsqueda. Don le cuenta a su amigo y vecino Winston, un hombre que está obsesionado (por así decirlo) con las novelas de misterio y le dice que le haga una lista de las mujeres con las que estuvo 20 años atrás, Don en un principio no quiere hacer eso, si en un pasado no le importó, por qué debería de importarle ahora, pero aún así hace caso a su amigo y este le hace el itinerario para buscar a las mujeres de la lista. En cada una de las visitas, Don se irá dando cuenta, con quienes si pudo seguir estando pero él no quiso, y con quienes ya no podía seguir, aunque él así lo hubiera querido, al final, de regreso a su casa, ve todas las señales que le pudieron indicar que todas las mujeres pudieron haber sido la mujer que le escribió la carta, o que todo fue una broma de su ex novia o su amigo para que hiciera algo con su vida, o que todo había sido lo que él había querido ver, al grado de ver en todo chico que se encuentra en la calle la figura de un hijo que quizá jamás existió, lo que si es evidente para el espectador con ese gran final, es el hecho de que el hombre necesitada aferrarse a algo, para seguir viviendo y salir de su bache emocional que lo hacía estar en una perpetua depresión.

Un Bill Murray extraordinario que hace total homenaje a un Buster Keaton y es tan inexpresivo a pesar de los muchos problemas y situaciones que se le atraviesan en el viaje, un personaje que hace entrada perfecta al mundo de los personajes de Jarmusch.


El Planeta Salvaje.
Película francesa de animación de 1973 dirigida por René Laloux, que en su momento rompió paradigmas y sorprendió a propios y extraños en el Festival de Cannes donde se exhibió.

La película que cuenta con una técnica característica que consiste en una animación hecha de recortes, la película que si bien podría considerarse para adultos, toca temas bien profundos e importantes como la discriminación racial, (un tema muy en boga por allá de los años 70's) y una crítica sobre como el hombre puede tener conductas tóxicas tanto hacia otros seres vivos a los que somete, lastima y oprime, y una vista incluso hasta apocalíptica de que es lo que pasaría con nuestro planeta en caso de darse un conflicto bélico de gran magnitud.

Otra lectura que se pudo sacar luego de la proyección en la que vi esta película donde dialogamos al respecto, es el hecho de esta civilización que son los Draags que se creen superiores a los "Oms" y que no creen que estos puedan organizarse y derrotarlos, pero que luego de tanta opresión encuentran la forma de derrotarlos en su entorno. Es una metáfora a lo que bien pudo haber pasado en Vietnam pocos años antes del estreno de la película, haciendo una vez más crítica a los gobiernos de países desarrollados que cree que puede oprimir a naciones que no permiten que se les robe sus riquezas.

Una de las grandes animaciones en la historia del séptimo arte, (y con una duración de menos de 90 minutos) y una de las películas de culto francesas más queridas y alabadas por los cinéfilos de mencionada década.


Perfect Blue.
La que para mi es la obra cumbre del director japonés Satoshi Kon que mezcla el thriller psicológico con el anime.

La película va sobre una chica que estando en la cima de la fama siendo una pop star decide dejar ese mundo para convertirse en una actriz seria donde romperá la imagen que antes solía tener. La chica no tiene que lidiar sólo con su conciencia, la cual en un principio la hace cuestionarse si en verdad quiere eso, pues ella sólo había soñado con ser una cantante, y empieza a cuestionarse si no lo hace sólo para complacer a su agente y empieza a cuestionarse aun más este hecho cuando ve que a sus compañeras las cobija el éxito a raíz de su salida. Pero también está el hecho de que alguien roba su identidad para hacer una página de internet donde dice que ella sigue siendo la misma y quien mancha su imagen es una impostora, y hace que la ataquen no sólo sus pensamientos y una intriga perpetua, sino fanáticos obsesionados y quien había orquestado todo para que ella no dejara de ser la chica que todos deseaban ser.

Con Perfect Blue, Satoshi Kon hace a mi parecer, la clase de película que bien podría definirse como película de impacto, algo como lo que hace Villeneuve o Nolan, que si bien avanzada la trama hasta cierto punto, uno puede deducir de que va y como terminará todo, el valor en estas son el hecho de cómo te lo va a mostrar, ahí radica su valía y vaya que si esta es extraordinaria en este aspecto.


Sunset Blvd.
Una de las grandes obras que filmó Billy Wilder en la década de los 50's. Es un ejercicio en el que Wilder refleja su ironía en cuanto a la vida que vive el guionista en Hollywood, guionista que no deja de contar historias ni siquiera muerto, cómo el pobre diablo sin suerte un día le cae del cielo todo lo que ha querido, pero que sin saber lo que sacrifica en el acto, o sacrificará luego de aquella huida que lo lleva a la casa y a seguir el capricho de una vieja estrella del cine mudo que se empeña a no morir en el olvido de la fama.

Además de la riqueza en el guion escrito por el propio Wilder con cada situación desarrollada con cadencia y perfeccionismo, el trabajo de Wilder funge a su vez como un espléndido homenaje no sólo a la industria de hacer películas, sino a su historia en todos sus órganos.


Personajes.
Peculiar película de 1975 del muy admirado mio Kieslowski que hiciera para la televisión polaca antes de su debut en la pantalla grande con La cicatriz. (Blizna - 1976)

La película como bien lo dice su título, habla, trata y muestra a esos personajes que hacen que la magia del teatro haga efecto, desde los actores, los utileros, los escenógrafos, hasta los que hacen el vestuario, y todo va siendo mostrado y narrado a través del seguimiento a Romek, un joven idealista y amante del arte que entra a trabajar en la compañía nacional de teatro por el cierre de la escuela de artes, es en este lugar donde se le presenta la oportunidad de formar su propio grupo de teatro como una forma de protesta ante el prepotencia de los llamados "artistas" que no saben nada, y los que que trabajan en el teatro en cualquiera de sus departamentos y que estaban en la escuela, pero para hacerlo tiene que traicionar a su amigo.

Dentro de la linea crítica que siempre mantuvo Kieslowski a la política en su país, y sobre los ideales que la vida pretende que uno rompa, sin mostrar nada de las otras influencias que después exploraría en sus trabajos más celebrados, me resultó interesante esta puesta en escena que en sus 67 minutos nos muestra el mundo que se desarrolla tras bambalinas de una manera directa y diferente.


Respire.
La ópera prima como directora de la reconocida actriz Melanie Laurent la hacen ser a mi parecer una de las voces más genuinas del cine francés contemporáneo.

En su película retrata la relación entre dos chicas que de cierta manera encuentran refugio de los tormentos que viven en su casa, pero estos tarde o temprano empiezan a salir a flote en su personalidad luego de un viaje y un encuentro que tienen, como el reflejo de lo que toda la vida han absorbido, a pesar de que en un principio de la película no lo muestran, o parece no afectarles. tiene un desenlace contundente (a lo Villeneuve) y pone en tela de juicio que tanto influyen las relaciones y problemas de los padres.

La película cuenta con un ritmo bien equilibrado, tiene dinamismo cuando así se le demanda y es mesurada cuando lo necesita, la fotografía es muy correcta y tiene ciertas tomas y planos en los que si bien en ocasiones uno creería que no enriquecen en nada a la trama a pesar de lo bien que se ven, no molestan en absoluto, y hay algunos que si son más que justificados y uno agradece que se tomen ciertos riesgos en esta clase de narración visual que no hacen más que comprobar con que efectividad dirige Melanie.

(Como lo es el plano de una de las chicas en la que en una toma picada se ve una avioneta atravesar el cielo mientras el sonido del motor de esta ensordece y absorbe sus pensamientos y los demás ruidos que pudiera haber)

Una pieza digna de considerar y darle visibilidad.


Evangelion.
La verdad es que al ver la trilogía de películas de la creación de Hideaki Anno me dejaron en un estado de completa confusión, al grado de no saber si me gustó o no me gustó. Lo que si sé es que no me dejó para nada indiferente.

Lejos de los planteamientos filosóficos y religiosos que expone, y que a mi parecer se quedan inconclusos (supongo que, o se perdieron en su adaptación de la serie, o vendrán todos a resolverse en la muy esperada por los fanáticos, cuarta entrega) la lectura que yo más distinguí con fuerza, y es con la que me quedo, o que se desarrolla de manera correcta, es muy similar a la premisa que plantea la película de Respira, y es esta en la de cómo los adultos oprimen a los jóvenes hasta llevarlos al grado de proyectar sus sentimientos y emociones de manera tan violenta que infringen en el curso de la vida de los demás, y como todos los humanos hacen creer cuando no son tan mayores que comprenden y ayudan a los jóvenes para alentarlos a seguir su camino, cuando en realidad no lo hacen, y cuando son mayores son el reflejo de los mayores que estuvieron antes de ellos.


High Life.
La odisea espacial de la prolífica directora Claire Denis es un viaje conceptual por el espacio con elementos más que notorios de todas las películas que ustedes me puedan mencionar sobre la odisea espacial, que fungen como base y homenaje a su vez en un discurso sobre la sexualidad, la procreación, el sentido de existencia y la supervivencia en un mundo que ya no es sostenible por sus habitantes, a su vez que en cierto punto de la travesía todos esos demonios turban a la tripulación de la nave haciendo que cada uno a su manera se revelen por no aguantar el fin de la misión y lo que hacen con ellos en esta, hasta que al final los últimos dos tripulantes mucho tiempo después de haber empezado la misión, avancen.

Como ya lo mencioné, la obra de Denis se siente muy influenciada por películas como 2001, Solaris, e incluso por Interstellar, pero tiene una psicología que es muy inquietante en el desarrollo de sus personajes y cómo estos a pesar de que su naturaleza en La Tierra los llevó a tener su sitio en la nave, todos son sometidos por la doctora que los dejaba desahogar sus impulsos por medio de placer, cosa que beneficiaba a la doctora para sus verdaderos fines más que profesionales, personales. Cómo cada uno expone su sentir y su búsqueda de liberación o paz, dependiendo de lo que pensaran que encontrarían en dicha travesía peligrosa.

Las actuaciones del reparto completo son de alabanza, un Robert Pattinson cada día más extraordinario, (me sorprendió mucho leer que Denis cuando estaba empezando a gestar el proyecto, ella veía en su papel protagónico a nada más y nada menos que P.S. Hoffman, y que cuando se dio su muerte le entristeció mucho la idea de que ya no pudiera tener al actor perfecto para la película) una Juliette Binoche que repite con la directora luego de la muy elogiada y extraordinaria película Una Bella Luz Interior, y así todos los demás actores.

Sin duda una película que para los que disfrutan del cine contemplativo y con un grado de misterio, será una gran propuesta, por lo pronto una segura en la lista de mis películas favoritas del año, por todo su discurso, lo que representa, y a las grandes películas a las que hace referencia y en las que de alguna manera se siente cierta influencia.


Mid90s.
Ópera prima como director del muy reconocido actor Jonah Hill en la que explora la vida del skateboarding en la década de los 90's a través de la figura de un muy joven llamado Stevie de 13 años que viniendo de una familia algo disfuncional en la que la mamá ha atravesado por muchos problemas desde su juventud, un hermano con el que su relación no es buena, y plasma la crisis de este chico en el mundo de los vicios de la juventud.

Hill explora de una manera muy elocuente, en la que no hace ni exceso, ni muestra el lado crudo como otras del género, pero tampoco hace su discurso blandengue de esta época y el sentir de este chico. Otro plus de la película es que no abusa del recurso cada vez más prostituido en el cine de la "nostalgic-movie", hay elementos que nos sitúan en este época como tal, pero igual no nos vende nada, y uno puede situar esta historia en cualquier tiempo, y reflejar incluso pasajes de nuestra propia historia en la película, incluso aunque no hayamos formado parte del movimiento del skate, porque en la película este es sólo un elemento conductor, no es un elemento protagónico, el elemento protagónico es la crisis de orientación, de la edad del despertar, elementos como el bromance que al final muestra una lección bien fundamental de la verdadera amistad, y la figura del hermano protector y que vivió la peor parte de la historia con los padres que el hermano menor no conoce del todo; son también factores muy fuertes.

Sabia decisión de Hill no incursionar con una película chistosa con la que pudiera vender, sino que iniciara su camino con una historia de él, en la que no se fue por la fácil estando en el reparto (aunque si cuenta con un reparto envidiable, sólo por mencionar, con el joven y estupendo actor Lucas Hedges y la extraordinaria Katherine Waterston) que no se parece en nada en lo que él inició, o a cualquier cosa en la que haya actuado. (Como la horrorosa actuación en la horrorosa película Lobo de Wall Street, lo siento, lo tenía que decir)

Micro-críticas (II)

Enemy.

Tuvieron que pasar más de tres años para que me pudiera animar a volver a ver esta película de Dennis Villeneuve que tantas cosas movió en mi interior, como casi todo lo que ha hecho el canadiense.

Una obra llena de enigma, misterio, perfección; que si acaso existe otro mundo, seguramente José Saramago está más que feliz porque se haya hecho una película que retratara tan fielmente su novela.

La hora y media que dura la película (otra prueba más de que se puede hacer una película perfecta en 90 minutos o menos, además del cast minimalista con el que cuenta) en la que uno se somete a los juegos y enredos del director con una perspicacia descomunal, uno se involucra aunque no quiera, uno quiere saber que es lo que está viendo, si a la misma persona teniendo alucinaciones, si son extractos del pasado y presente de esa persona sin que se nos diga deliberadamente salvo con las habituales "mijagas de pan" que los directores como Villeneuve o Nolan dejan dentro de la trama para hacernos conectar todo en una segunda, o tercera, o cuarta visualización y nos digamos: "por supuesto, ahí estaba todo"; y si en realidad son dos personas a la vez, y qué es lo que representa al final de cuentas la esposa.

No digo más, Enemy es una película que no importa cuantas veces la veas, siempre te hará estremecer.



La Flauta Mágica.

Ingmar Bergman decide ya siendo considerado el gran maestro de cine que es, hacer una película para la televisión sueca de la ópera homónima compuesta por Mozart, y tal es su impacto y su calidad que ese mismo año, contra los planes para los que se tenía destinados a la cinta, se estrena en cines de los paises escandinavos, pero vayámonos por partes, ¿qué hace de esta película una extraordinaria puesta en escena para el cine y el teatro?

Ingmar Bergman atina en empezar la película como se empezaría la ópera en el teatro, primero viene la obertura, miestras esta se da, y seguido a esta, vemos algo que muy parecidamente vimos en la segunda parte de la cinta Sola en la Playa de Noche (de la que escribí un poco en el pasado texto de micro-críticas, el que pueden consultar justo aquí) Bergman nos hace vernos a nosotros mismos, vemos los rostros e impresiones de los espectadores antes de empezar la obra, (en donde incluso lo podemos ver a él) su vista se centra principalmente en una pequeña de pelo rubio. (Supongo como preambulo y referencia de que lo que vamos a ver es como si se viera una especie de magia a través de la mirada inocente, como lo es la de la niñez, algo que no sería la primera vez que Bergman no hace notar, son muchas la películas del sueco en las que nos somete a la vista o las vivencias propias de él en la niñez).

Acto seguido toda la trama se da exactamente como en la ópera, como en una obra de teatro, sólo que visto desde un lugar privilegiado, la vemos desde el escenario, no desde fuera de este, en primera persona, vemos la magia del teatro en toda su esencia desde la comodidad y la intimidad que nos brinda el cine. Todo transcurre justo como en una obra, incluso el entretiempo (en el cual vemos justamente lo que hacen los actores en este tiempo [también podemos ver una presencia extraña la cual no sabría como catalogar]) y justo el final es como se da en una obra de teatro.

Este ejercicio de Bergman resulta muy interesante, valioso, y me parece, aun que hay muchos intentos de acercar a ambas disciplinas, teatro y cine, en un amalgamiento funcional, nadie lo ha logrado como lo hizo Bergman, al menos hasta donde yo he descubierto dentro del cine.



Hiroshima Mon Amour.

¿Cómo recordamos al amor de nuestra vida 14 años después de haberlo perdido?

Quizá esta sea la interrogante que define y marca la trama de esta fundamental obra cinematográfica, que bien podría definirse como un pilar más que imprescindible en la historia del cine.

La película tiene un inicio más que trepidante con una serie de imágenes que bien uno podría catalogar en un principio a la película como parte de esas películas experimentales que entrelazan narración de una charla que sin saber cual es su procedencia, importancia, y fin, resaltan y a la vez concuerdan con una serie de imágenes reales de Hiroshima luego de aquel fatídico 6 de agosto de 1945. Luego de esta extraordinaria introducción del filme, conocemos a los seres de los que provienen estas palabras, una actriz francesa que trabaja en una película sobre la guerra, pero que habla de la paz mundial en Hiroshima, y un arquitecto japonés fue militar, con el que luego de pasar la noche, y hablar sobre un amor que tuvo 14 años atrás en plena guerra, en su natal Nevers (sobrenombre que al final le pone su amante japonés). Es luego de varios encuentros que tienen en menos de 24 horas que vemos como a ella le afectó aquel romance con el soldado alemán, y como este revive en la figura de un hombre completamente distinto, pero que la hace revivir de alguna manera en su más íntimo ser.

Alan Resnais hace con esta película una de las obras más celebradas y memorables de la Nueva Ola Francesa. Una película que cuenta con matices no sólo experimentales como ya lo hemos mencionados, sino dramáticos, narrativos y visuales que es uno de esos trabajos que hacen que una o dos escenas de su trama se te queden grabadas en el subconsciente y en el colectivo de imágenes que sólo el buen cine te pueden crear en el recuerdo. (Para mi quizá la escena más fuerte de esta, sin contar por completo por supuesto toda la introducción, es la escena donde la niña en Nevers se despide de su amigo alemán)

Emmanuelle Riva y Eiji Okada son más que extraordinarios en escena, una prueba más de que menos es más, cuando se sabe lo que se quiere decir, que si los franceses sabrán de eso.



Las Puertas de la Eternidad.

La última película realizada por el director de la celebrfadísima "La escafandra y la mariposa", y también pintor Julian Schnabel sobre la vida del pintor Vincent van Gogh, bien podría ser llamada con toda justicia una de las mejores películas de los últimos dos años, pero vayámonos por partes, a que viene este comentario mio tan impertinente, ahora se los explico.

Schnabel hace a bien retratar a van Gogh desde una perspectiva tan diferente al pintor holandes, que nadie jamás lo había hecho, cual es esta perspectiva: la real. Y cómo se define esta perspectiva, retratando al mismo tiempo al artista, al hombre, y aún más importante: al enfermo en sus últimos días de vida, algo que nadie más había hecho.

Primero hablemos de las diferentes formas que Schnabel emplea para retratar su película visualmente. Vemos en las tomas empleadas una liberación de lenguaje, un desprendimiento y una visión tan poco ortodoxa que al principio sin saber si te molesta o no, no te hace quitar la vista de la pantalla. Luego al ver como es que se va desarrollando todo, una vez que Schnabel nos muestra sus intenciones, y nos muestra al van Gogh que quiere que conozcamos, no al artista consagrado, o el artista que poco era comprendido en su época (algo que otros trabajos ya nos habían mostrado) el director nos muestra el por qué era una especie de excluido y rechazado. Nos muestra su mirada, sus miedos, sus demonios; pero también somos testigos de su liberación y de su conexión con la naturaleza, (en este tratado la edición juega un papel más que primordial, y es de una manufactura impecable) y lo vemos de una manera tan real, porque es como si viéramos a Vincent realmente, y esto es gracias al más que extraordinario trabajo del estupendo actor Willem Dafoe.

Dafoe no se conforma con darnos un Vincent que hable sólo el lenguaje de la película (la película al ser mayormente una producción norteamericana, se tenía que hablar en inglés, pero aún así vemos pequeños diálogos en francés) nos muestra realmente el retrato de una persona que padece de sus facultades mentales, una persona que realmente la pasaba mal cuando no podía pintar, pero la película no sólo va de él, mucha importancia tiene su hermano, la única persona en el mundo que realmente creía ciegamente en el talento de su hermano como artista y que sabía que tarde o temprano sería reconocido, a pesar de lo que van Gogh dijera sobre ser un artista para las personas del futuro. Theo van Gogh refleja la otra linea argumental de la película que es desarrollada de una manera magnífica, la de la real hermandad, la de los lazos que hacen a los hombres hermanos, es una muestra extraordinaria de lo que pasa de igual manera, pero planteado en diferente circunstancia en Camille Claudel 1915. (tal era la conección entre Vincent y Theo que fueron enterrados juntos). Hay muchas cosas en esta película, y todas son abordadas con la importancia adecuada, que esto no se logra si no es por el magnífico guion escrito por Schnabel y por el extraordinario Jean-Claude Carriére, que nada más hay que ver la etapa francesa de Buñuel para darse cuenta del extraordinario guionista que es.

A mi me da mucha pena que hoy día a Dafoe, como el gran actor que es desde hace ya más de 20 años, no se le reconozca como tal por la industria de su país, que el reconocimiento y prestigio en Europa y los amantes del séptimo arte como tal, ya lo tiene desde hace años. (Para ser claros y andar sin rodeos: aún no me puedo creer que no se le haya dado el oscar a mejor actor y en su lugar se lo hayan dado a una nula actuación de un tipo que ni siquiera cantó en su película) Mi parte favorita no es una sino varias, y esta es donde Schnabel nos ponía en la cámara la mirada dañada de van Gogh, (desde luego reconocer el trabajo en la fotografía de Benoit Delhomme) y ni que decir de la música de Tatiana Lisovskaya. Sublime, por supuesto es una película que estará en el conteo final de mis películas favoritas del año. También resulta curioso que la idea de esta película se diera a raíz de unos dibujos que hizo Vincent y que fueron descubiertos hace apenas pocos años.



Extraños en el paraíso.

Para hablar de esta película seré sincero y breve con ustedes: película que yo veo de Jim Jarmusch, ya sea nueva, o que vaya descubriendo, es película que me maravilla, que disfruto, que me fascina, que me vuelve loco, pero creo que de todo lo que he visto del hombre canoso oriundo del estado de Ohio, esta se ha convertido en mi película favorita.

Es inevitable ver la clara referencia del cine francés sobre Jarmusch en esta película (y con justa razón, para quien mo lo sepa, Jarmusch se decide a la realización de cine luego de una estancia en París cuando estudiaba Literatura Inglesa en Columbia [su intención era ser escritor y poeta]). Pero déjenme hablarles de la película, lo haré tan brevemente que ni siquiera notarán mis palabras.

La película comprende una serie de cortas escenas que claramente se hilan y empiezan con la visita que recibe Willie, un hombre que vive en Nueva York y que pareciera ser más un vago que cualquier otra cosa, al que le gusta sólo jugar y apostar, por parte de su prima que viene de Hungría llamada Eva. Al principio su relación es un poco complicada, (alguien más recordó a As Tears go By de Wong Kar-Wai) en la que no hablan mucho, y si lo hacen es para estar en desacuerdo, entonces aparece un tercer personaje: Eddie, quien es el complice de andanzas de Willie, entonces este trata de integrar a Eva al grupo (en apariencia este queda prendado de ella, pero jamás se define como tal esta situación) pero Willie no termina por acceder. Es cuando Eva se va con su tía, que Willie se arrepiente de no haber pasado más tiempo con ella, entonces tiempo después de su partida, y luego de una buena noche en el juego, convence a Eddie de ir a visitarla a Cleveland, para posteriormente llevarla de vacaciones a Miami, en donde un final inesperado se dará.

La cinta, como todas las de Jarmusch, nos muestran a personajes que muestran ni más ni menos que reacciones y emociones reales, nada se siente sobrepuesto, exagerado o sobreactuado, hay gritos y exaltos donde debe de haberlos, no más. La banda sonora de la película integrada por una sola canción, la ostentosa I Put a Spell on You interpretada por Jay Hawkins es más que sublime y perfecta para la sensación de vacío y soledad en nuestro trio de personajes, que sólo una vez se ve acompañado por la adorable tía de Willie y Eva (una de las actrices no profesionales que aparecen en las películas de Jarmusch). La peculiar fotografía, el modo en que retrata los barrios bajos de Nueva York, (cual postal vieja que nos hace recordar estas casonas viejas de ladrillo con carteles de lámina viejos anunciando a las marcas de refrescos que se veían aún en los primeros años de los 90's por las calles que haciendo un esfuerzo podemos recordarlos también en blanco y negro) y el montaje extraordinario de la cinta. Otra prueba más de lo que se puede hacer con muy poco, en menos de 90 minutos, este era el Jarmusch joven con su segunda película apenas. Cómo pasa el tiempo en los buenos directores de cine. Aaunque siendo claros, Jarmusch siempre ha tenido el pelo blanco.



La Librería.

Película del 2017, la última estrenada por Isabel Coixet; (digo estrenada porque ya tiene lista su última, llamada "Elisa y Marcela", que seguramente tendrá su estreno en alguno de los festivales europeos en próximos meses) es una película que en apariencia sólo sería disfrutable para los amantes de los libros y la literatura, y en una primera instancia pareciera que así es, si uno se deja engañar por la primera parte de la película, si uno no deja que la cosa avance más allá; pero si se le da la oportunidad, uno pronto se da cuenta que la película es mucho más, es una película que tiene un gran desarrollo y que es congruente con su discurso, el discurso de la directora, y con la vida misma, pero detallemos más.

Isabel Coixet es una directora que jamás le ha gustado vendernos cuentos de hadas, historias con finales felices y ese tipo de cosas; si bien no es una directora autoral (como quizá si lo sea más Lucrecia Martel) es una directora que en todas sus películas nos ha mostrado la parte más frágil del ser humano, las, más que pruebas, condiciones con las que tiene que vivir en la vida, condiciones que al final tienen sus consecuencias, o más que eso, se desenlace final irremediable. (Por cuenta propia, podría mencionar "Mi Vida sin Mi", "La Vida Secreta de las Palabras" y "Nadie Quiere la Noche", esta última con la extraordinaria y amada mía Juliette Binoche)

En esta película nos muestra como Florence Green, una mujer joven que perdió a su marido en la Segunda Guerra Mundial, 14 años atrás (alguien más pensó en "Hiroshima Mon Amour") llega al pueblo inglés pesquero de Hardborough, donde compra una casona vieja y decide poner una librería, en recuerdo a su marido (pues fue justo en una librería dónde se conocieron) y su avidez a la lectura, pero aún no la ha abierto cuando ya empieza a tener problemas con su decisión, y el problema viene por parte de Violet Gamart, la mujer más poderosa del pueblo, quien busca hacerse de la casa para hacer un centro de artes para alimentar su propio placer ególatra. Y así como esta mujer encontrará aliados a base de sus influencias para llegar a su cometido, Florence también encuentra fieles adeptos a su causa, aún sin ser adeptos a la lectura, y sin ser hostigados por Florence para que lo sean. Entre sus aliados encontrará a Edmund Brundish, un hombre solitario que vive en una mansión a las afueras del pueblo, el cual nunca sale de este lugar, una relación que empieza de manera epistolar, luego toma una especie de conexión incluso más fuerte que el amor. Al final la película termina como debe de terminar, con el fuerte e influyente aplastando o desplazando al débil luego de hacerle perder una vez más algo que amaba, pero indudablemente dejando huella en el alma de las personas que siguen el camino en esta vida, de la única manera que puedes tocar el alma de dicho ser.

La película tiene un ritmo y una sensibilidad que es imposible no caer a sus pies. Como ya lo dije, en un principio, el discurso que se da por parte de la narradora acerca de los libros, y lo que son estos para Florence y el señor Brundish, hacer que un lector de cabecera como su servidor la disfrute, no más, pero ya en el segundo acto, el ver en la trama el conflicto y su desarrollo van haciendo que uno sienta la mano bien educada de la directora más que experimentada. Hay cosas bien valiosas que a mi parecer está a bien recalcar y celebrarle a la Coixet, como el proyectar y exponer el recuerdo del marido difunto de Florence de manera borrosa, que luego esto se reafirmaría con el discurso de ella diciendo que aún puede recordar la voz de su marido leyéndole poemas, [pero no su rostro]. Tiene algunos errores en la edición de ciertas escenas y secuencias que hay que ser muy quisquilloso para darse cuenta de ellas, pero como lo digo, hay que ser muy detallista para descubrirlas. (Como la escena en la playa, y las tomas magistralmente tomadas básicamente a la nada para enlazar ciertas escenas no tienen propuesta alguna, pero tampoco molestan en lo absoluto). Por lo general está bien llevada, y aunque algunos acercamientos y primeros planos a mi me llegaron a causar cierto ruido, la verdad es que la película en lo general es atinada.

La música en general es encantadora, no es tan dominante y presente, y es bellísima, las actuaciones son buenas. Emily Mortimer es una actriz que a mi me gusta mucho, (la recuerdo en particular en trabajos como "La Isla Siniestra", "Hugo" y Match Point") y si bien este no es su mejor papel a mi parecer, si es un encanto verla en pantalla. Billy Nighy siendo Billy Nighy es un deleite.

El final de la película tiene mucho de los finales de sus películas, aunque no sea una autora nata.

Clouds of Sils Maria.

La verdad previo a ver esta película yo no conocía nada de Olivier Assayas, pero siempre quise ver esta película desde que supe de su estreno y de cuando Juliette Binoche vino a México a presentar la película. El caso es que hasta hace unos días pude ver la película y hay un sin fin de cosas que puedo comentar sobre ella.

Para empezar comentar como utilizan la figura del actor y el enfoque que le puede dar a cada personaje a través de su edad, o como el personaje a pesar de la edad no cambia su perspectiva, como caemos en el error o el vicio de criticar a las personas desde una perspectiva de altanería por nuestra edad, las relaciones que se dan entre dependiente y co-dependiente, y como se utiliza una historia ficticia para reflejar una historia real entre dos mujeres en la película, y como una desaparece sin dejar rastro.

Antes de seguir y sin hacer ninguna revelación pertinente de la trama, creo que habría que resaltar la clara influencia que tuvo Assayas para escribir esta historia, y sin lugar a dudas esta es Persona de Ingmar Bergman, (y también a la claramente influenciada de la cinta de Bergman, Mulholland Drive de David Lynch) donde dos mujeres, con sus claras diferencias son el complemento la una de la otra, las diferencias las unifican en un mismo ser, una aprovechándose de la otra, para un fin en particular o crear algo, o sentir algo, como en Persona, (y en Mulholland Drive) con el fin de la actriz crear un personaje, en esta película de Assayas en particular, el de una mujer en los cuarentas luego de un gran éxito, quien vive una etapa emocional muy difícil y que se ve rodeada de suicidios, como ese personaje que encarnará y que tanto odia.

No sólo la trama está atrapada en una historia ficticia, también el verdadero título de la película, la historia encarnará la protagonista en la película, es la que Binoche interpreta en esta película, quizá no lo parezca pero es una jugada muy bárbara del director, muy arriesgada, pero atinada y bien lograda, nos lleva a donde el director quería. Vemos lo que queremos ver, y no vemos lo que queremos ver, y algunas cosas que vemos no son ciertas, y las que no vemos son muy relevantes en la trama. Un sin fin de lecturas que se le pueden dar a esta gran película, pero no quiero marearlos ni volverlos locos, una gran interpretación de Binoche (como siempre) y una Kristen Stewart que sorprende. (Aún con su fruncido de labios. Por cierto, que gran carrera han logrado hacer ella y Pattinson luego de ese tropezón en Hollywood con la saga de Crepúsculo, lástima que el resto del elenco no pueda decir lo mismo)

Sin lugar a dudas esta película los dejará pensando un montón. Mucho mejor que ver cualquier serie que ustedes me digan, se los firmo.

Películas que espero ver en el 2019.

El año pasado hice una pequeña lista de las películas que quería ver en el año que recién comenzaba, la lista era corta y constaba de cinco títulos que eran los de mayor interés para mi, (la mayoría con una mirada muy feminista, por cierto) luego mencionaba alrededor de otras diez películas en un segundo plano ya no tan importante.

(De aquella lista que pueden leer pinchando aquí sólo dos no vi: Good Time y La Cordillera, además una que volveré a incluir en esta lista)

Este año hago lo mismo al compartirles las películas que en realidad espero poder ver este 2019, en verdad importantes más lo que el año nos vaya dando de sorpresas. Además cabe destacar que la selección de películas de este año son en su mayoría de producciones fuera del gran brazo maquilador llamado Hollywood, cintas europeas, asiáticas y mexicanas, son las que conforman lo que espero ver con ansias este 2019, sin más, comencemos.



The Shoplifters
La primera película en la lista es la más reciente acreedora a la Palma de Oro de Cannes, pero no sólo por ser la gran ganadora de Cannes es que está en mi lista, sino por el director de la cinta: Hirokasu Kore-eda. Quizá el director asiático en activo más respetado dentro el circuito de festivales y críticos, (quizá no el mas, pero si el que tiene más tiempo) y que en sus últimos proyectos parece ganarse el respeto del público en general, más que nada el americano; reconocimiento que a mi parecer se lo venían debiendo desde hace mucho tiempo.




Burning
Otro filme asiático del director Lee Chang-dong en el que adapta un texto de Hakuri Murakami (que en próximos días se los trascribiré aquí en el blog) sobre una historia que muchos la describen de bella, eretea, dolorosa, peculiar. Si es tan genial como el texto se los digo que con toda autoridad está en el sitio que más de una lista especializada en cine ha hecho de lo mejor del 2018.




La Casa que Jack Construyó
Que cinéfilo no tiene en su lista de películas a querer ver la más reciente producción de un director de cine como Lars Von Trier. La casa que Jack construyó parece que muchos especialistas de cine la retratan como una especie de juego del mismo Von Trier en el que trata de explicar la naturaleza del artista (o el autor) sirviendose de la figura de un asesino serial, y justificando un poco todo lo que pasa en el camino del artista para terminar haciendo lo que hace. Sólo trascribo un poco de lo que he leído, ya que la mire seguro me darán muchas ganas de escribir, espero que el que escriba para entonces sea yo y no el personaje en el que el artista quiere que nos convirtamos.




Lazaro Feliz
La verdad es que de esta película he leído muy poco, he visto menos (me explico, ni siquiera he visto el trailer, pero sé que es una película italiana) pero el simple hecho de que esté en el puesto número uno de la lista de las mejores películas del 2018 del sitio A.S.B. Virtual Info hace que esta película la quiera ver si o si, ya que es un sitio que suele mencionar películas muy completas, y que no discrimina ningún tipo de cine ya sea por su nacionalidad, tamaño de producción y demás cosas.




Cold War
La más reciente película del director de la polaca Ida llega con la que muchos llamaron en el pasado festival de Cannes "la reina sin corona" llega este drama histórico en blanco y negro sobre amores conflictivos e imposibles. Desde esa premisa a mi ya me han ganado, y espero en unos cuantos días ya que vaya bajando mi lista de películas pendientes por ver por fin chutármela.




Tres Caras
Esta película fue una de las que no pude ver en el pasado festival de cine de Los Cabos, y que por la recomendación de un amigo que es un apasionado y un gran conocedor de cine es que me he dado a la tarea de verla, y de paso asomarme a la filmografía del director iraní Fajar Panahi.




Si la calle Beale pudiera hablar?
La nueva película del director Barry Jenkins también figuró en algunas listas dentro de lo mejor del año pasado, pero fue raro ver que la temporada de premios no la tomó mucho en cuenta, quizá por aquello de lo "políticamente correcto" o por lo polémica que es la cinta. Lo que sea de cada quien a mi parecer tiene muy buena pinta, mucho mejor que la no tan valiosa a mi parecer Moonlight.




Nuestro Tiempo
Esta es la película que repite de la lista del año pasado y que muchos sitios no la venían prometiendo desde hace dos años por fin llegó a cartelera el año pasado, pero a las latitudes de su servidor, nomás no llega. Pero siempre están esos medios alternativos que nos hacen encontrarnos con gente que ama ese cine diferente, o sino de plano en la comodidad de nuestra casa.




La Camarista
Si una película mexicana este año yo puedo decir que espero ver es esta.
La gran ganadora del Festival de Cine de Morelia, además de otros premios que ha ido recibiendo en otros festivale donde se ha exhibido, la ópera prima de Lila Aviles (a quien de hace años conozco y que además he seguido su trabajo fuera del ámbito cinematográfico) parece ser un giro de tuerca en lo que respecta a las historias que empiezan a contar las mujeres realizadoras sobre mujeres, que dicho sea de paso habla también de empleadas domesticas como Roma, así que a esperar poder echarle el ojo encima.




Vision
La nueva película de la directora nipona Naomi Kawase que a mi el año pasado me dejó maravillado con su película Mogari no mori del 2007, me hace esperar su más reciente película por partida doble, pues si bien espero poder ver su más reciente trabajo como realizadora, también puedo decir que una lista de películas por querer ver cada año sin que esta tenga una película de Juliette Binoche, es una lista inconclusa, así que por este motivo es que esta película es doblemente esperada por su servidor.

Películas favoritas no estrenadas en 2017 y 2018

Este año pude ver 112 películas no estrenadas que no había visto, esto sumado a las 26 veces que fui al cine (no vayan a pensar que soy un maniático que anoto todo y lleva lo cuenta de las películas que veo, es que por la cuenta de IMDb que tengo es fácil saber que películas vi. Quizá si sea medio maniático pero no de esos) además de las películas que re-visito de mi modesta colección personal. De modo que entre tanto buen cine visto es lógico que haya encontrado ciertas joyas que incluso se han colado a mi top 30 de mis películas favoritas de la vida y de todos los tiempos.

Acá les traigo un listado de las diez películas favoritas que vi este año, no estrenadas en este año, sin más; comencemos.



1.- Los Amantes del Puente Nuevo.

Era imposible que esta película no estuviera encabezando esta lista, incluso; colándose a la lista de mis treinta películas favoritas de la vida. Podría mencionar un sin fin de razones por las cuales es mi favorita en esta lista pero sólo diré una: Juliette Binoche.



2.-Animales Nocturnos.
La segunda película de Tom Ford es una de las películas más impactantes, hipnóticas y perfectas de los últimos años. Estelarizada por dos par de actores que a mi parecer están muy infravalorados, nos trae una historia llena de intriga, suspenso, un thriller como pocos, muy a la Mulholland Drive, como un Lynch en todo su esplendor.


3.-La Tarea.
Esta película mexicana de Jaime Humberto Hermosillo ha sido también de las grandes películas que he visto en este año, una película experimental que nos da un montón de lecciones de como hacer nuevo cine y buen cine.


4.-Mogari no mori.
Descubrir esta película de la directora japonesa Naomi Kawase es otro gran placer que tuve este año, una película hermosísima sobre empatía, amistad, unión donde uno no creería que se podría dar, la cura a nuestros dolores del alma. Gran, gran película.

No podría estar mas entusiasmado por ver su película más reciente en la que hace mancuerna con Juliette Binoche.


5.-Canoa.
Descubrir Canoa a mis 29 años e impactarme como jamás creí me impactaría una película, es algo que puedo considerar un regalo del cine. Poderosa historia que lo deja a uno temblando de coraje, de saber que esto fue real, aunque lo que veamos no sea real.


6.-Toni Erdmann.
Una película que yo tenía como tres años queriendo ver, desde que estuvo en Cannes, y la verdad aunque larga, es una joya, una lección de moral y para los que tienen relaciones difíciles con sus padres y las crisis que se generan la edad y la convivencia, podría darles un montón de provecho. Una película muy alemana en muchos aspectos.


7.-Tokyo Story.
La gran joya de Yasujiro Ozu ha sido otro de los grandes descubrimientos que he hecho ese año. fuente de inspiración a directores como Fellini, Allen o el mismo Cuarón; una película que narra la cotidianidad de una pareja de ancianos que viven solos a la sombra de la gran vida que han hecho sus hijos quienes viven en la gran ciudad de Tokio, mientras ellos siguen en su aldea alejada de todo bullicio. La relación que se da entre el señor y su nuera viuda luego del fallecimiento de su esposo en la guerra, nos hace comprender que para crear vínculos, hay que saber lo que es perder a un ser querido.


8.-Cosi Come Sei.
Película italiana de producción española que nos trae a un Marcello Mastroianni maduro pero igual de soberbio. No les hablaré mucho sobre ella. Es una verdadera joya.


9.-La Doble Vida de Verónica.
Película de Kieslowski en la que uno puede encontrar los temas que lo han hecho tan trascendente en el cine: La causalidad y la melancolía. Les dejo en este enlace algo que hace poco escribí sobre ella.


10.-Distance/Afterlife.
Este par de películas me han hecho confirmar el porque Hirokasu Kore-eda es uno de mis directores favoritos de cine.


Bonus Track: Sobreviviendo a la vida.
Esta película checa no podía dejar de mencionarla porque me parece de las mejores películas que he visto en años. Tuve la oportunidad de verla en uno de los cineclubes que frecuento y lejos de la innovación que presenta narrativa y visualmente la película, la forma metafórica que utilizan para plantear un tema muy importante en nuestra vida, me parece de una genialidad impresionante. Si usted es psicólogo, o le gusta eso de la interpretación de la mente y los sueños, esta película le va a fascinar, se lo firmo.

Diane Kruger

Mi top 5 de Juliette Binoche.

Azul.



La Insoportable Levedad del Ser.



Los Amantes del Puente.



Damage.



El Paciente Inglés.