Licorice pizza: el mismo amor, todas las veces que sea necesario. (o un PT Anderson mirando hacia atrás)

Dice el dicho que para que un amor sea perfecto debe ser inconcluso, pero algo es irrefutable: uno necesita en la vida esos amores que, aunque no duran toda la vida en el plano de pareja, suelen ser reales para siempre, le dan sentido a la vida, y a las cosas que vivimos, las cosas que amamos y que hacemos, y que nos van formando para ser las personas que somos. De eso y mucha nostalgia setentera va el más reciente, personal y sencillo filme del siempre espléndido director californiano PT Anderson.

La forma más compacta de sintetizar la trama de esta película es que vemos el inicio y el desarrollo de la relación entre Alana y Gary hasta que se hacen novios. Ella, una chica de 25 años que se cuestiona constantemente porque le gusta tanto andar entre Gary y sus adolescentes amigos siempre irreverentes y jugando entre el peligro, mientras trata de hacer cosas que realmente tengan un impacto en la vida, y Gary, un joven de 15 años que después de ser una estrella de la farándula hollywoodense, emprende en varios negocios con tal de estar con Alana, aunque sepa que es una chica inalcanzable, por lo cual no pierde el tiempo en tratar de ligar con chicas de su edad, cuando ambos caen en cuenta de lo que quieren, y dejan de lado las apariencias de lo que pretenden demostrar, es que caen en cuenta que están enamorados el uno del otro.

A diferencia de otras películas contemporáneas que a mi parecer, pretenden rendir homenaje a la vida, a la infancia, o a las vivencias de sus realizadores, como Cuarón con Roma, o Branagh con Belfast; PT no hace ninguna gala de la forma para que su película sea vista por la crítica como una aspirante a premios y reconocimientos (con Sorrentino es un tema diferente, ya que si recurre a la forma, pero es su narrativa de siempre, en cambio Cuarón y Branagh no usan su narrativa como en sus demás películas), acá vemos a una película en toda la extensión de las palabras todo corazón, de ahí que me parece la película ha sido tan abrazada por la crítica, pero muy poco atendida (o quizá esto lo decidió el propio Anderson) y tan fuera de foco de festivales y premiaciones. Es una película tan compacta que muestra con perfecta sencillez la anécdota, y que atiende de sobre manera a recoger con gran realismo a los personajes, y a su época, mostrándose auténtica a las cámaras como las bromas entre la pandilla de amigos de Gary.

La película es justamente comparada con la más reciente obra de Tarantino porque ambas logran retratar me parece de manera muy correcta a esa hollywood llena de estrellas consagradas por los estudios de cine, antes de que se revolucionara a la industria, sólo que la película de Tarantino lo expone desde su interior, el bello retrato que hace PT es desde los suburbios, y al igual que Tarantino, sólo lo hace parte del contexto, no es la obra de a exponer, aunque con Tarantino el contexto obviamente brilla más ya que los personajes principales forman parte de este mundo.

Hay paralelismos más que evidentes con la obra de PT, al menos con la obra de los principios de su carrera, esta es la forma en que aún más se siente no sólo la nostalgia del realizador, sino también su lado personal con la obra, algo que jamás había hecho en sus obras más serias. Podemos ver paralelismos sobre todo con Boogie Nights (los comerciales grabados al concejal Wachs) y Punch-Drunk Love (la carrera del encuentro entre Alana y Gary). Lo personal también viene en el cast, no sólo vemos a una familia en la vida real siendo una familia en la ficción, como lo es la familia de Alana; sino que también vemos a el debutante actor principal Cooper Hoffman siendo dirigido por el hombre que dirigió las que para mí son las mejores películas de su padre, el fallecido y espléndido actor PS Hoffman, con el que me parece hay una referencia directa con su personaje en Punch-Drunk Love y su tienda de muebles.

Pero si debemos de hablar de principales, me parece es pertinente hablar de la que para mí es la protagonista absoluta de Licorice Pizza, Alana Haim. La actuación de esta novel actriz me parece es un descubrimiento más que prometedor, su cara irradia una luz refrescante y rejuvenecedora en la industria, que me parece, no sólo saca el mejor lado de todos los actores que interactuan con ella en pantalla, sino que también crea a partir de su actuación una quimica con Cooper de la que uno muy dificilmente no puede quedarse prendado.

La música en las películas de PT siempre es un aspecto medular, pues no es un director que hace videoclips dentro de la película con piezas popularmente muy reconocidas, sino que las canciones elegidas siempre son envueltas en el mood y en el contexto de la trama de la obra, eso es algo que también referencía a sus primeras obras. Escuchar a The doors o a Nina Simone en la vida y las aventuras, ya sea juntos o separados de esta pareja que se debate entre el enojo y la complicidad, entre el odio y el amor, y que siempre después de una peléa van al rescate del otro, para volver a andar juntos ya sea caminando, corriendo, o emprendiendo otra aventura en forma de negocio, es simplemente hermosísimo.

Haciendo justicia a la película, debo de decir que es una película muy propia, muy hermosa, pero que no resalta mucho entre otras películas de los últimos dos años, no es la mejor de PT, pero seguro que es de sus películas más preciadas personalemnte hablando, y dicho sea de paso, a mi parecer es una de esas películas que tanto le hacen falta a nuestro cine hoy en día, sin moraleja escondida, sin discursos bardos o doble moral implícita; es una película con corazón, y hoy día más que nunca eso es lo que le hace falta al cine, y a los espectadores para volver a creer, y de paso, recordar lo que ha sido su vida, sus amores y sus viejos amigos, y lo que es la vida.

Once upon a time in Hollywood: un Tarantino maduro.

Hay un sin fin de cosas que hay que comentar acerca de más reciente película de Quentin Tarantino, muchas cosas de las que el director quiere que comentemos, otras de las que quizá no, y como para ciertas cosas hay que tomarles importancia, aunque pareciera no las tienen, y otras que en apariencia son importantes, en realidad no lo son tanto. Tuvo como primer público al Fesival de Cannes, donde recibió desde grandes ovaciones (aunque se sabe que tanto Cannes como Venecia al ser ya muy cercanos a la industria de Hollywood, esto ya no es tan importante, al grado que se dice que las mismas productoras de las películas, sobre todo norteamericanas; pagan para llenar las salas donde se proyectan sus películas y hacen que al final la gente dure minutos y minutos aplaudiendo), hasta el descontento de algunos críticos.

Hay que comenzar diciendo que esta es una película en la que salvo por el principio, no se siente a un jovial Tarantino buscando ser ese "enfant terrible" de los noventa, no vemos o no sentimos que estamos viendo la película que ese primer trailer nos prometió con un Manson más protagónico, pero eso no es tan importante si la película está bien; pero continuemos. Tarantino ahora se sabe maduro, se sabe un director respetado y consagrado dentro de la industria en Hollywood, con todo y la libertad creativa que lo ha regido desde sus máximas premisas hasta sus últimos filmes de mejor forma, manufactura y sobrades, y esto lo digo en el buen y en el mal sentido de la palabra.

La película no luce como una película de Tarantino, y todos los elementos que utiliza de su sello personal, salvo por la última media hora del filme, a mi parecer no están tan bien empleados, o no son tan claros. Podemos apreciar otros elementos venidos de ciertas influencias, como una interrupción muy a lo Woody Allen cuando dice el narrador porque uno de los protagonistas no maneja, o esos close-up's a detalles a mi parecer muy Paul Thomas Anderson. Los largos diálogos en esta película, (esto si ya de su sello personal) me parecen por momentos sobrados, pero en muy pocos momentos realmente, ya no cae tanto en estos excesos que a muchos molesta en el cine de Tarantino, lo dice alguien que en "Los Ocho Odiosos" defiende eso (no así el tiempo del último acto), y la forma tan abrupta de acabar con ciertas escenas, y recortar sobre ellas (muy a lo Ruizpalacios en Museo en la parte del bar y el camerino, si la han visto ustedes sabrán a lo que me refiero) es otra cosa que a mi parecer no funciona del todo y no se parece nada en la forma de narrar que tenía Tarantino con otras de sus películas en las que lo hacía más delicadamente como en una novela. Y que decir de su fetiche favorito: las tomas a los pies de sus personajes.

Pero hay muchas cosas que en el cine de Tarantino no habíamos visto antes, y que se reconocen porque no lo hace sólo para que se hable de eso como innovación, o por provocación, sino que lo hace porque sabe que es lo mejor para la película. Dentro de esas muchas cosas esta la fotografía de la que esta a cargo el gran Robert Richardson, es tan bueno su trabajo que la película no parece ser una película de Tarantino. Quizá la única cosa que no me gusta en este departamento son las tomas en picado, pero eso es a título personal. Las referencias cinematográficas (tanto las mencionadas y recomendadas a descubrir y analizar por parte de Tarantino antes del estreno de la película, como las que no) acá no se sienten como un afiche, un adorno, o un robo, para los que argumentan que el cine de Tarantino es a base de robos. Yo no lo pienso, pero sé que muchas personas si. Acá todo eso es justificado con la historia de la película, pero a todo esto: de qué va la película.


La película va básicamente de dos historias a la par: la primera, la relación de amistad entre Rick Dalton, (Leonardo DiCaprio, excelente) un actor en decadencia que de haber sido una estrella del cine western, pasa al olvido para hacer pilotos de series de televisión como el eterno villano prestando reputación y nombre para levantar la carrera de nuevos y apuestos actores en el auge de la televisión en Hollywood, y su doble de acción Cliff Booth. (Quién además funge también como narrador, interpretado magníficamente por un Brad Pitt verdaderamente extraordinario, quizá a mi gusto el mejor de la película) La segunda historia que nos cuenta es la de la actriz Sharon Tate (interpretada por Margot Robbie y caracterizada de una manera impecable, uno ve a Sharon en la figura de Robbie todo el tiempo, salvo quizá por las veces que Margot lleva el pelo por detrás de la oreja, pero a mi parecer eso ocurre sólo una vez), y lo que aconteció en aquel 1969 con su vida.


Los papeles secundarios están bien, pero no hay mucho que decir de ellos, y con esto me refiero al caso de Bruce Lee. Al Pacino con dos apariciones cortas me parece está estupendo, y más en la parte donde le explica a Rick Dalton lo que hacen las productoras de televisión con personajes como él. Como ya lo dije, todas las referencias al cine de los 60's y la influencia que tuvieron para la generación de jóvenes perturbados de esa época (otra de las cosas a destacar en realidad es todo lo referente a el diseño de producción, diseño de arte y vestuario, todo lo referente a la época retratada, desde los negocios que regían en Hollywood, las influencia mexicana en este lugar, los autos, los hippies) y las generaciones posteriores. Los Spaguetti-western, (sólo uno de los tantos tributos que se le hace al cine de Sergio Leone no sólo en el título de la película y como este sólo director en esa época le roba el protagonismo a Hollywood en un género que ellos inventaron) los actores y directores de ese entonces, el como Tarantino utilizó los diferentes formatos de la época para ver como se veían las películas de ese entonces, y como lo hace de una manera que funciona redondamente en pro de la historia, y que hablemos de eso y no de los formatos sólo por hablar, ahí se nota su madurez como director, y un lado nostálgico rindiendo tributo al cine con el que creció y con el que se formó en sus años de espectador mientras trabajaba en los extintos Blockbuster.

La figura de Rick Dalton es a mi parecer la de peso más fuerte en la historia en todo momento porque nos muestra la figura del trabajador del oficio del cine que luego de haber vivido su punto máximo y venir en una picada terrible, o de perder el rumbo, toma quizá la última oportunidad que se le presenta y la sabe aprovechar, vemos como el hombre quejumbroso, descuidado y decaído que mirábamos al principio, luego resurge al grado de que al final se gratifica al eterno perdedor de la manera en que él soñaba. Ese sueño que en un principio lo hizo salir de su primera depresión, estaba a una invitación de sus nuevos vecinos para que las cosas mejoraran, y ese final a lo Tarantino podríamos decir que es bonito, como en Kill Bill parte 2.

A mi honestamente la re-interpretación de la historia en el cine jamás me ha gustado, y menos venida por parte de Tarantino luego de la manera tan soberbia (para mal) como lo hizo en Bastardos Sin Gloria, pero he de decir que qué mejor lugar para hacerlo, que en el cine, y si se hace de una manera como Tarantino lo hizo, pues mejor.

Sólo menciono muy brevemente que me pareció muy chistoso ver la condición de tres actores en la película en particular: la primera es la de Maya Ray Thurman Hawke, viéndose salvada de esos veinte minutos finales (antes del final) muy tarantinescos, muc contrario a lo que le pasa a su mamá (Uma Thurman) en Kill Bill. El segundo es a Timothy Olyphant como el joven actor al que Rick Dalton le va a levantar la carrera; y a Emile Hirsch y la situación como el chico de al lado. Y por supuesto ver una vez más juntos, aunque sea al final, a DiCaprio y Robbie, uniendo las dos historias de la película hasta el final.

Finalizo diciendo que aunque para muchos esta podría ser una gran película, para mi ver una película de Tarantino me hace esperar mucho más que esto, necesitaba algo contundente que nos dijera a su manera que seguía siendo él, a mi parecer nos entrega una buena película, pero no siendo del todo él, o será que como él ya maduró, nosotros también lo hemos hecho, porque aunque los minutos finales, los más tarantinescos, se disfrutan inmensamente, y nos hacer reír y casi levantarnos del asiento de la emoción, nadie esperaba ver ni otra película con violencia desmedida como lo eran sus películas antes, ni una obra maestra como Pulp Fiction. Aunque buena, dudo que vaya a figurar entre mis películas favoritas, o las que yo consideraría como las mejores del año.

Los Años Azules: la casa en ruinas.

Los Años Azules es una película mexicana del 2017, ópera prima de la directora Sofía Gómez-Córdova, que narra el día a día de cinco jóvenes que viven en una casona descuidada de la ciudad de Guadalajara, en calidad de roomies, todos por algún motivo diferente. Vemos en cada uno de ellos, de distinta manera, cómo sobrellevan una clara crisis de identidad, la cual se manifiesta a ratos en gozo y alegría, a ratos frustración y tristeza.

Al igual que ellos, y algunos personajes que aparecen ocasionalmente en la órbita de esta casa, incluido al sexto inquilino, un gato que es testigo (y en muchas ocasión quizá, la mirada de lo que nosotros vemos), de cierta manera sirve como hilo conductor en la historia (muy parecido al gato de Amelie al que le gusta escuchar historias), nos vamos dando cuenta de cómo la casa en realidad funge como metáfora de lo que parece ser la vida desmoronándose (al igual que la casa) de estos personajes perdidos sin rumbo, pero que al final no son más que sólo aves de paso por ese acantilado en la ciudad, como todos en algún momento de nuestras vidas, cual papel tapiz oculto detrás de paredes desgastadas, o dibujos inmensos que nacen sobre estas.

Quizá la mayor virtud de esta película es cómo los personajes de la misma no están atados como tal unos de otros, al tener a cinco personajes principales la opción fácil o sencilla hubiera sido haber hecho una película coral y dar voz a cada uno en medida proporcionada, pero la directora no lo hace, y da a sus personajes total libertad al grado de que dos pueden ocupar largo rato en el desarrollo de su situación y pasar más de 15 minutos sin saber de alguno de los otros personajes.

Cada uno personifica un problema y eso de alguna manera hace que nos identifiquemos con alguno; la única cosa que comparten todos, además de pequeños momentos, quizá sería la juventud y la preocupación latente de ya no serlo tanto como para tener esa clase de crisis y problemas. El desarrollo de los personajes se da prácticamente a lo largo de la película y no hay una preocupación por acelerar deliberadamente su naturaleza, aunque esta situación no manejada a la perfección puede ser un arma de doble filo, como ocurre por momentos en esta película, ya lo dice el viejo dicho: "el que mucho abarca, poco aprieta".

Quizá lo que se podría reprochar en este departamento es que, aunque no están todos conectados todo el tiempo (lo cual reitero, está bien) la directora en cierto punto no les da la misma importancia, tanto así se nota que justo antes del final, en el clímax de la misma, el peso dramático recae sólo en dos personajes. Bastante bien ejecutado cabe resaltar, aunque la escena del llanto de uno de los personajes por la muerte de su padre no es ni remotamente tan buena al momento de conectar con el espectador, como la de Tom Cruise en Magnolia, pero esa ya es otra historia.

Con algunos detalles técnicos a mi parecer notorios, pero menores para el desarrollo de la historia, tanto en audio, enfoque y ensamble de secuencias; pero otras cosas que son dignas de resaltar como el diseño de producción y la paleta de colores con tonos oscuros y azules que remiten melancolía y tristeza que da perfectamente con el discurso que se quiere dar, (y no puedo dejar de mencionar ese principio que me pareció fantástico, y esa peculiar participación del director Marcelo Tobar).

Los Años Azules es una propuesta interesante para explorar esos conflictos y problemas que pueden venir con la edad al no tener bien definido el camino que queremos tomar, los miedos que vienen al no saber interactuar con nuestro entorno, y también un par de temas interesantes que podrían venir implícitamente en la película, como lo son el del desapego emocional con la familia al salir de casa, ese estar y no estar; y el de como vemos amenazantes a los más jóvenes por como empiezan a explorar y buscar su camino, cuando nosotros quizá no lo tenemos aún definido sin ser tan jóvenes, y como nuestros discursos hacia ellos se van mostrando muy parecidos a los de nuestros padres hacia nosotros.

Phantom Thread / El Hilo Fantasma: El sacrificio de amar a un artista y ser un artista.

Phantom Thread es la película más reciente del director y guionista norteamericano Paul Thomas Anderson, la tan sonada por el hecho de ser la última actuación del actor protagónico, pero hablemos sobre ella a detalle.

La película nos narra la vida de Reynolds Woodcock, un diseñador de vestidos muy distinguido por la alta sociedad en una Inglaterra de la década de los 50's, quien carga con una historia trágica en su familia la cual parece le pesa mucho. En un descanso que se toma de su ajetreada vida en la ciudad después de entregar una de sus obras se va a descansar a la casa de sus padres en el campo, una mañana va a almorzar al que parece ser un restaurante que frecuenta mucho; se encuentra con una muchacha llamada Alma, (esta escena me recordó mucho a una escena que también tiene Day Lewis en otra grandiosa película como lo es "La Insoportable Levedad del Ser") a la cual él recuerda, y ella lo recuerda a él, sin nunca dejarnos en claro de dónde, entonces él la invita a cenar, y después van a la casa donde él vive, la casa que era de su madre; entonces después de una escena muy peculiar y hermosa; ella le hace una advertencia, en la que le dice que con ella va a perder, pero seguro que él seguro ya lo sabía, quizá sin saberlo conscientemente y sin importarle lo que aquella sentencia conllevara, y él lo acepta. Después de la confesión él le pide que haga algo por él, en ese entonces ella asume que debe entregarse por completo a ese hombre al que ama aunque dañe en determinado momento a los dos, el cual antes que todo ama su trabajo, su obra, siempre poniendo en segundo plano a las personas, al amor, salvo que se sienta vulnerable, salvo que la persona este dispuesta a robar o a matar por verlo feliz, vemos lo que veremos alrededor de esta pareja, sus miedos, sus necesidades, sus demandas, la hermana de él, quien es su mano derecha y que pareciera lo domina, lo tiene atrapado, pero conforme vemos el desarrollo de la historia, vemos que es más bien lo contrario.

Si tuviera que definir en tres palabras la película, sin duda alguna la definiría como hermosa, sensible e íntima, y es que desde donde se le vea lo realizado por Anderson es hermoso, para empezar preciso sería decir que probablemente lo más hermoso de esta es la música, compuesta por Jonny Greenwood la cual prácticamente lleva el ritmo y el tono de la trama de toda la película, algo muy similar a lo que hace Zimmer con Dunkirk, quizá con menos potencia pero si con más calidez, y para mi eso cuenta más. El vestuario es otro gran valor, la fotografía no es algo que se tenga siquiera que distinguir en una película de P.T., pero por el trato de esta película hay que hacerlo, pues es una película de detalles, hay los eventuales close-ups que le encantan a P.T., pero ahora tienen un valor más sentimental. Paul Thomas nos da quizá su película más personal; muy íntima y llena de sensibilidad sobre lo que para él es el sacrificio al que se somete, algunas veces sin querer un creador, un artista por ver a su obra ser lo que es, y que esta sea respetada.

El elenco de la película es destacable, la valía de las últimas películas de Anderson para mi, o mejor dicho una de las grandes valías que tienen, es el hecho de que utilice muy pocos actores estelares, que sean caras poco conocidas salvo por los protagónicos. Aparte claro estaría hablar de los dos protagónicos en particular, los cuales son encantadores cuando están a cuadro, su amalgamamiento en escena es excelso, Vicky Krieps como Alma es deslumbrante, Daniel Day Lewis todo el tiempo ha demostrado que él está junto con otros muy pocos un peldaño arriba sobre el resto de los actores en el mundo, quizá sea el único actor americano en la actualidad al que yo consideraría a la par de Mastroianni y otros grandes de la historia del cine. Daniel Lewis llena a su personaje con este encanto inglés, con gran sensibilidad como carácter, con esa frustración de saberse como es y tener este duelo interno sobre ser un mortal o ser un artista, vemos como en momento puede ser muy distante o duro con la mujer que ama, pero en momentos de complicidad o soledad puede ser el más amoroso. Y como es costumbre en las películas de P.T. hay una escena por sí sola que vale tanto que sólo por esa escena uno pueda llamar a Anderson como uno de los mejores directores de nuestra época, y a su película en cuestión como una de las mejores del año, esta escena es la de la cena secreta.

Hay una frase que bien relata lo que era la relación y el sentir de Woodcock por Alma: "Bésame antes de que vuelva a enfermar", y esta a su vez me hace ver que el artista siempre busca a través de amor la auto destrucción, el amor destruye, transforma, pero se es feliz siendo destruido por algo que valga la pena. Sabina lo resumió diciendo: "porque amores que matan nunca mueren" Bukowski por su parte sentenció: "Encuentra lo que amas y deja que te mate".

Es una película que puede parecer lenta, que se toma su tiempo muchas veces para mostrarnos cosas, para contarnos cosas, que a veces no resultan en nada o no van a ninguna parte. (El comentario de Jennifer Lawrence sobre la película me pareció muy fuera de lugar, aunque como ya lo he mencionado en un sin fin de veces, cada quien se puede formular su propia opinión) Como ya lo mencioné al principio, es una película que encierra mucho misterio en el personaje protagónico, su fobia al amor, y su aprisionamiento en el arte, en su arte, en sus creaciones y los secretos y fantasmas que esconde en ellos, y muchas cosas no son respondidas, pero, ¿en realidad necesitamos todas las respuestas para poder apreciar algo hermoso o una historia muy personal? Yo creo que no, pero cada quien puede formarse su propia opinión. Una película lo vuelvo a reiterar hermosa, que sin llegar a ser una de sus mejores películas, es brillante, aunque muy lejos de su mejor película, por el simple hecho de que su mejor película es insuperable. El final puede resultar confuso para algunas personas, pero no deja de ser bellísimo.

Los mejores dialogos en la historia del cine.

Buenas escenas en el cine hay muchas, mejores escenas en la historia del cine, también, pero que tal esas escenas en particular que nos pueden dejar suspendidos y hacernos olvidarnos de todo mientras dos personajes duran minutos y minutos hablando y envolviéndonos en su mundo, su misterio y su realidad, y literalmente apoderándose de nuestra mente sin que podamos hacer nada, esas son las escenas que hacen que el séptimo arte valga la pena, y esas escenas son las que hacen que valga la pena la película mas larga del mundo si podemos encontrarnos con pedacitos de joyas como lo son estas escenas.

En esta ocasión acá les presento esos duelos actorales que hemos presenciado el el cine, algunos largos, otros no tan largos pero igual de poderosos, con esos diálogos en los que pareciera no sobra ni falta nada, acá se los dejo, no les retardo mas la magia.

P.D. Solo por último comentarles que el orden acá si tiene importancia, ya que los acomodare de menos a mas, todos son geniales pero por supuesto tengo mis favoritos. Otra cosa seria que las escenas que les compartiré algunas estarán subtituladas (que por supuesto y esto también ya lo saben, soy de los que defienden el hecho de que el cine se debe de ver en su idioma original) y otras no por lo cual les pido una disculpa pero al no haber encontrado material en Youtube, pero espero igual las disfruten, o al menos verlas por acá les haga querer ver las respectivas películas.




Boyhood
Corta pero efectiva, si esta en el puesto diez es porque no es tan importante como las otras nueve, pero no quería dejar de nombrarla, podría haber mencionado cualquier otra, pero no puedo dejar mi juvenil corazón de lado, me fascina esta película, y este final.



There Will Be Blood.
Daniel Day Lewis mostrándonos el porque es uno de los mejores actores en la historia del cine, entre los mejores cinco seguro, y Paul Dano mostrándonos que es lo mejor que su generación ha dado a la Tierra y al séptimo arte.



Amadeus.
Un toma y daca exquisito el que logra Milos Forman con su exquisita Amadeus.



Casablanca.
Una de mis películas favoritas tenia que aparecer en la lista, y como negar que esta escena es una de las mas grandes de la historia del cine (al menos en la historia del cine de romance)



Manhattan.
Esta película cuenta también con una de las mejores lineas finales en la historia del cine, la cual se me olvido incluir en la lista que hace poco tiempo hice, si hubiera sido de otro director no habría pasado nada, pero es un Woody Allen, este error no se me debe perdonar jamás.



Hunger.
Un pedazo de escena que no tiene madres, Steve Mcqueen hace historia con esto, 17 minutos de dialogo incesante y sin corte donde los dos protagonistas hablan de todo, una película de ideales, acá Fassbender es un campeón..



El Séptimo Sello.
Esta quizá, junto con la que sigue, seguro son las dos mas importantes y las mas recordadas en la historia de la cinematografía, aunque no mis numero uno.



El Padrino.



Bastardos sin Gloria.
Ya lo he expresado montones de veces, y aunque no me acuerdo si acá ya lo hice, en mis otras redes sociales cada vez que tengo la oportunidad lo expongo. Bastardos Sin Gloria es mi película menos favorita de Quentin Tarantino, el por qué; la verdad no sabría decirlo muy bien, quizá por la última escena, me pareció muy arrogante por parte de Tarantino el decir que este era su mejor trabajo; pero algo hay que reconocerle, la forma en que empieza esta película, es de dioses, ese dialogo entre Hans Landa y Perrier LaPadite (además de un cuadro donde muestra la cara de Lea Seydoux maravillosa, pero esa ya es otra cosa) es magnífica.





The Master.
Si esta película es tan grande y una de mis películas favoritas por excelencia, es por el constante desafío que presentan mi amado Phillip Seymour Hoffman (quien era un especialista en este tipo de escenas, nada mas hace falta ver Capote o Antes que el diablo sepa que has muerto para darse cuenta de ello) y mi querido Joaquin Phoenix. Podría nombrar montones de escenas de esta película en la cual los diálogos entre los dos son magníficos, incluso esta lista podría haber sido llenada con solo escenas de estos dos tremebundos actores, incluso en Taste Of Cinema la mejor escena de diálogos en la historia del cine -según ellos- es una de esta película, pero yo solo elegiré dos, y ninguna de las dos es la que eligió Taste Of Cinema.

Los mejores videoclips hechos por directores de cine.

Esta entrada, si bien no se la robe a mi colega blogero de Cuando el Arte Ataque, si fue inspirada por una entrada que el publicó hace ya algunos meses (y que se las comparto por aquí)

1.-Spike Jonze.- Sin duda mi favorito en cuanto se refiere a esto pues en realidad el nació primero como fotógrafo de bandas de rock, después empezó a hacer videoclips para las mejores bandas por allá de principios de los noventas principios de los 2000, (además de hacer cosas con los locos pero buena onda de Johnny Knoxville y cia. de Jackass) hasta que dio el salto con "Detrás de la mente de John Malkovich" (película por demás recomendable) así que acá les cuelo varios de los videoclips que ha hecho este capo.


Ademàs del video tambièn hizo el cortometraje del disco llamado "Scenes From The Suburbs"




2.-Sofia Coppola.- Ex-esposa de Jonze que sin duda algo le tuvo que aprender a Jonze (quizá como él le aprendió a ella algo en cuanto a dirección de películas se refiere) en el negocio este y después hizo su camino sola y que camino, nada mas a realizado la que para mi es una de las mejores películas mejor logradas de todos los tiempos, ni siquiera la menciono, tanto he hablado por acá de esta película que seguro ya saben de cual se trata.




3.-Martin Scorsese.- El todo poderoso señor Scorsese también ha hecho videoclips musicales (además de comerciales) y no le hizo a cualquier artista, trabajo con nada mas y nada menos que el rey del pop, por acá les dejo el video.




4.-Roman Coppola.- Hermano de Sofia, también su especialidad ha sido la grabación de videoclips para bandas, ya hizo su salto a la dirección con la película "Una mirada dentro de la mente de Charlie Swan III" con su primo Jason y Charlie Sheen y Bill Murray, pero sin duda su mejor trabajo lo ha logrado trabajando en la producción de las últimas 3 películas de Wes Anderson y la creación de la serie "Mozart in the Jungle". (dentro de poco les estaré hablando de la importancia que tiene la familia Coppola dentro del cine desde otro blog)




5.-Tim Burton.- Tim Burton también ha hecho lo suyo y con The Killers hizo uno de mis videos favoritos de la banda. Claro, al más puro estilo gótico que caracteriza al señor en cuestión.




6.-Michel Gondry.- le ha dirigido a Bjork, pero el que a mi me gusta un montón es el que le hace una de mis bandas favoritas, y una de mis canciones favoritas de la misma, Everlong.




7.-Gus Van Sant.- Director de películas como "El Indomable Will Hunting", o Paranoid Park", o "Milk", hace algunos años le hizo o los RHCP este buen video.





8.-David Fincher.- Un director que yo admiro con demasía (del cual les estoy preparando una entrada por cierto) no sólo ha hecho películas que han revolucionado para mi gusto la forma de hacer cine, de contarlo, de narrarlo en películas como "Se7en", o "Fight Club", o "La Chica del Dragón Tatuado", o "El Curioso Caso de Benjamin Buttom" o ahora la tan de moda "House Of Cards"; sus inicios lo vieron formarse haciendo precisamente haciendo videoclips para músicos, este de Maddona, quizá su más celebrado.




9.-Paul Thomas Anderson.- P.T. ya se ha metido a este mundo, y de que manera, "Day Dreaming" es una cosa alucinante. Háganse un favor y véanlo.




Regresamos al estudio....

Las -grandes- películas que no van de nada.

En ocasiones nos solemos topar en el mundo de la cinematografía con películas que no precisamente nos hablan de un tema en particular, o que no quieren llegar a ningún lado en realidad al contarnos una historia, simplemente dejar que la cámara nos vaya mostrando cosas y creando -o contando quizá sería el término apropiado- una historia sin ningún fin en particular más que entretenernos y hacernos pasar un buen rato sin caer en excesos tontos de las típicas comedias americanas sin un final estipulado como tal, -películas que llegan a entretenernos y divertirnos de verdad, sin hacernos reir a fuerzas- y en algunas de esas ocasiones llegarnos a toparnos con verdaderas obras maestras cuando de esto se trata. Pues bien en esta ocasión quiero hablarles de un par de películas de este tipo que fueron concebidas con algunos de mis directores de cine favoritos.

La primera película es Punch Drunk Love, este es el tercer largometraje filmado por Paul Thomas Anderson estrenado en el 2000 y protagonizado por Adam Sandler y Emily Watson junto con el tremendo Philip Seymour Hoffman. La película narra la vida de Barry, un joven empresario que una mañana cuando va a abrir su empresa se encuentra un armonio que es abandonado por una camioneta en la calle, este lo lleva a su local y pareciera empieza a dibujar su vida de música y fluorescentes colores, narra como este joven solitario incomprendido por sus siete hermanas que lo tachan de raro y loco, llama a una linea caliente sólo por la necesidad de hablar con alguien, y así como esta tan indecidido de su vida y todo un día conoce a Lina, otra alma solitaria que conoce porque deja su carro en el taller que esta junto a su oficina que después descubre que es compañera de su hermana, entonces ella lo invita a salir y le confiesa que había ido a ese lugar para conocerlo y que lo invitó a salir después de sólo ver una foto suya, entonces la chica de la linea caliente empieza a extorsionarlo pidiéndole dinero en nombre de su jefe y le dice que si no le envia el dinero mandara a sus hermanos a golpearlo, entonces mientras él trata de arreglar su asunto y comprar muchos pudines que tienen una promoción de millas gratis en vuelos de avión mientras más compres, él decide ir en busca de Lina a Hawaii para decirle que quiere estar con ella, entonces luego de que vuelven de viaje y son atacados por los hombres del hombre colchón, él se arma de valor y va y enfrenta a esa chica y su padrote, las cosas se arreglan sin recordar que había dejado a Lina en el hospital, cuando este vuelve y va y la busca a su departamento ella le pide que jamás haga eso, y él vuelve a tocar y sacar colores de la vida, sin saber en realidad que es lo que sigue.

La segunda película es "El Gran Lebowski" de los hermanos Coen, la película narra como "El Dude" Lebowski, como se hace llamar, después de que es confundido con el señor Lebowski, un anciano y paralítico millonario, un par de rufianes lo amedrentan en su casa y orinan en su tapete, es entonces que con la ayuda no pedida a su amigo y compañero de bolos Walter el cual está loco y obsesionado con la guerra y Tony al que nunca dejan hablar, pretenden ir con el señor Jeff Lebowski, el otro Jeff Lebowsky para que El Dude sea remunerado por el tapete que le echaron a perder, después de que el señor Lebowski lo corre de su casa argumentando que sólo es un vago holgazan que sólo quiere dinero para seguir fumando yerba, pero después el señor Lebowski se pone en contacto con él para que lo ayude a recuperar a su joven esposa, una actriz porno que al final resulta jamás estuvo secuestrada, y mientras El Dude y Cia. van entrando mas y mas profundo en esta misión que pareciera no tiene fin y se reboruja cada vez más, mientras todos creian que podían engañar a este pobre infeliz amante de la yerba, resuelve el misterio como un heroe de nuestros tiempos modernos mientras el foraneo de Texas que sólo sale dos veces en la película nos narra esta singular historia que al final no termina en nada, pero que sin duda es una de esas películas que divierten y uno no se cansa de ver, que te hacen pasar un agradable rato sin caer en esas escenas tontas con chistes malos que hacen reirte practicamente a fuerzas, el humor para los hermanos Coen es sutilidad e inteligencia de una manera simple, pero jamás tonta. (nada más hay que ver "Quémese después de leerse" para saber de lo que estoy hablando, como de tonterías puede ridiculizarse a una agencia tan importante en EUA como la CIA y hacer un humor negro y una comedia tan digerible sin llegar a fastidiar)

Como en la mayoria de sus películas, y más como solían ser sus primeros trabajos, en realidad no hay una linea palpable de tiempo o de lo que nos quieren decir P.T. Anderson y los hermanos Coen como en estas películas, pero quien dijo que una película tiene que tratarse especificamente de algo para que uno pueda disfrutar de una historia divertida y diferente, o como diría Godard "Toda película tiene un principio, un desarrolo y un final, pero nadie dijo que este especifico orden" y esto es lo que son estas películas, uno no sabe de donde va ni a donde va, pero esta es una peculiaridad más que hace que guste y que el cine de estos señores sea tan genuino y único y que guste demasiado.

Mis Directores de Cine Favoritos.

Esta vez les presento mi decálogo (o mis diez profetas cinéfilos -en ausencia de religión tengo cine-) de esos directores de cine que más sigo, o más amo, o que más películas se han colado a mis cintas predilectas dentro del verdadero mundo en cuanto al cine de arte se refiere. Sin más que decir aquí se las dejo.

                                                Acá cabe señalar que está enumerada del director que más me gusta hacia abajo

1.- Woody Allen.
Como mi colega bloggero JLO diría: "El director de los diálogos perfectos." Creo que para los recurrentes en mi blog no es secreto que este es por mucho mi director de cine favorito (si quieren leer todas las entradas que he escrito sobre el trabajo de este director acá las pueden encontrar) Es un director así como nos hace enamorarnos de la mujer imposible en uno de sus guiones, que al final no era tan imposible, nos hace creer que también somos ese idiota que deja al amor de su vida por dejar que el deseo, ese tremebundo sentimiento que hace que nos olvidemos de la desesperante verdad y realidad de que este mundo no sirve para nada nos arrastre por vivir.

 

Película Favorita - Annie Hall. Sin duda alguna (La mención honorífica acá se la daría a La Rosa Purpura del Cairo y Midnight In Paris, pero como dije que no daría menciones honoríficas, no sé porque las menciono :)

2.- Quentin Tarantino.
La sangre que vino a vitalizar y ponerle verdadera vida y acción al cine en los 90´s, a este director quizá le debamos (o quizá no tanto, ya que como diría también el colega JLO "Bien que nos cobran su cine" una de las revoluciones que haya tenido el cine en nuestro tiempo. Sólo espero poder ver pronto ya Tha Hateful Eight

Película Favorita - Pulp Fiction. Sinceramente no se puede mencionar otra (quien mencione otra no es un amante del cine de Tarantino)

3.- Stanley Kubrick.
Stanley Kubrick quizá sea (junto con Fellini y Bergman) el director de cine que más influencia crea sobre futuros directores de cine o sobre las personas que desean dedicarse a esta más que profesión, a este arte. Sus películas son temas de debate y de libros no sólo de cine, sus temáticas y su trabajo es tan universal que decir que uno ve sólo una película de Stanley Kubrick es un pecado, uno ve muchas más cosas, oye mucho más cosas, pero sobre todo reflexiona mucho más cosas cuando se adentra en la filmografía de este señor.

Película favorita: Naranja Mecánica (Dificil decisión también la de acá la verdad)


4.- Martin Scorsese.
El eterno Scorsese nos a brindado con su trabajo una de las filmografías quizá más completa, compleja y entera de todos los tiempos. Desde la influencia italo-americana que ha sufrido la historia de los E.U.A. hasta la corrupción en las personas, el deseo pasional, hasta la vida de un hombre como lo fue Jesus, o esas historias prohibidas de los personajes más excentricos que ha tenido la historia como Jordan Belford o Howard Hughes, Martin es sin duda uno de los directores que más títulos tiene en mi colección de películas.

 

Película Favorita - Casino. (Difícil, no; lo que le sigue para escoger mi película favorita entre la basta cantidad de películas que ha filmado este señor, pero la verdad, aunque no es su mejor película Casino es mi favorita por excelencia de Scorsese ya que aquí está plasmada toda su escuela, una película narrada en primera persona por sus dos personajes principales, un ex tramposo apostador, y un matón gangster italo-americano, quizá para la mayoría "Godfellas" debería estar encima de Casino pero algo raro me pasa con esta película que aun no logro entenderle)

5.- Christopher Nolan.
Si hablamos hoy en día de un director de cine que sea tan meticuloso en todo el proceso de la filmación, desde el guión hasta la música, desde la actuación correcta o la toma precisa o el equipo indicado, Sin duda alguna este sería Nolan, una delicia ver cada película hecha y escrita por este hombre.

  

Película Favorita - Inception. (Con mención honorífica para Memento)

6.- Paul Thomas Anderson.
Tonto sería hablar del amor que tengo también por el trabajo de este señor, quizá de sus películas son de las que más he escrito. P.T. es un director que retrata de una manera muy singular la realidad en sus películas, incluso en su lado oscuro (tanto aquí como en otros blogs y revistas)

 
Película Favorita - The Master. (Fue difícil la elección, pero al final esta ganó. Sinceramente hubiera sido un tonto de no haber escogido esta que por mucho es la mejor)

7.- Wes Anderson.
Sólo les comentaré que es un deleite visual ver el cine de este señor, además de las historias tan simpáticas y en teoría simples que nos expone su trabajo, pero créanme, nada de simple tiene el cine de Wes, quizá sea uno de los más complejos y entretenidos. (Ver una película de Wes si es entretenido, no las porquerías como lo que hace Marvel en películas como Deadpool)

Película Favorita - Moonrise Kingdom. (Más que ser mi película favorita para mí esta es su mejor película, aunque para muchos sea El Gran Hotel Budapest)



8.- Luis Buñuel.
Para mí Luis Buñuel lejos de estar en mi Top Ten este señor seguro está en el Top Ten mundial de los mejores directores de cine de todos los tiempos, nadie a manejado la comedia, el surrealismo y la intriga en el cine como él. Y nada más para darles una idea de tan genio que era que Dalí e Hitchcock se consideraban unos de sus más grandes admiradores.

 

Película Favorita - La Ilusión Viaja en Tranvía. (Guión co-escrito por José Revueltas)

9.- Ingmar Bergman.
Sin duda alguna este hombre podría ser el llamado mejor director de cine de todos los tiempos, su cine es tan íntimo (no sé si sea la palabra que todos describirían pero en mi perspectiva sería la más indicada en utilizar) que uno no puede no ser la misma persona cada vez que haya visto una obra de arte hecha por este señor. Con temas que tocan las entrañas mismas del alma en el ser humano, nos hace realmente percatarnos de una forma de surrealismo tan real que se percibe sólo en el cine y no en la vida (como la belleza que uno suele encontrar en fotografías viejas de la infancia en esa calle de piedras rodeado por amigos y primos que uno creía la peor calle del mundo, pero que años después los recuerdos parecieran enbellecerla y convertirla en la calle más hermosa que haya existido en el universo, o en nuestros sueños) Religión, soledad, infancia, romance, búsqueda, quizá la palabra que define al cine de Bergman será esta; búsqueda.

 

Película Favorita - Fresas Silvestres. (Acá pude haber escogido un par de películas más y no hubiera pasado nada, muy difícil la decisión aquí)

10.- Michel Gondry.
Que les digo, me caen bien las personas locas, y este hombre quizá sea de los que mejor me caen, y de los más locos directores de cine que el mundo tendrá la dicha de ver.

Película Favorita - Eterno Resplandor De Una Mente Sin Recuerdos. (donde colabora con el magnífico guionista Charlie Kaufman)

Bonus track:
La verdad quedé tan "picado" como dirían en mi tierra (regionalismo mexicano que se refiere a que alguien se quedó tan entretenido haciendo cierta cosa) con esta lista que la verdad sería muy egoista de mi parte sólo escoger un director de cine para ser uno más anexado, así que mejor he decidido hacer otro decálogo con los directores de cine que se me han quedado afuera acá, y que quizá no esten dentro de mis favoritos (o dentro de los diez primeros que llegaron a mi mente) pero que sin duda tienen un lugar bastante amplio en mi colección de películas.

The Master y el lado oscuro de P.T. Anderson.

"La única manera de librarse de la tentación es cayendo en ella".
Oscar Wilde

Pero nadie dijo que fuera tan fácil como eso....

Freud solía creer, y tener una teoría (aún hoy en día debatida y cuestionada al igual que su teoría de la sexualidad polimorfica en la infancia) de que todo trauma o problema psicológico, o incluso cualquier patología psicótica y problemas como la masturbación crónica, aislamiento y conductas antisociales o problemas epilépticos que eran reprimidos por no tener cura y que en los cuales los pacientes eran destinados a ser tratados como locos y recibir tratamientos con electroshock y drogas y a vivir en manicomios por el resto de su vida y que cualquier persona pudiera tener, podía tener su origen y podía deberse principalmente a algún trauma tenido en la infancia producto de algún abuso sexual y del cual nunca se habló y nunca se expuso, quizá recuerdos que las mismas victimas olvidaban y bloqueaban por el shock mismo del trauma, (de ahí la necesidad que nació por el psicoanálisis según Freud y cosa que en su tiempo fue muy atacado además de que se enfrentaba a cierto sector de la iglesia que tachaba de demonios a los que tenían estas conductas, tema que narran muy profundamente en el filme "Un Metodo Peligroso" de David Cronenberg). El mundo del cine nos ha mostrado ejemplos muy complejos de esta clase de temas, películas como "Shame" de Steve Mcqueen, o incluso la misma "El Último Tango en París" de Bernardo Bertolucci, algo hay de la represión de estos deseos en la adaptación que hace Stanley Kubrick con su emblemática "Naranja Mecánica" o "Matador" de el genial Pedro Almodovar (del cual les estaré también escribiendo dentro de poco) ejemplifican como, para olvidar o enterrar viejos traumas, sufrimientos y problemas, si bien no precisamente que sean de la infancia, sino cualquier otro trauma, se suele utilizar el sexo para llenar esos vacíos y olvidar por minutos, lo que somos y lo que hicimos para que todo nuestro mundo no hace tiempo atrás se derrumbara. Pero que pasa cuando, además de tener algún trauma, se le suma el hecho de reprimir necesidades tan elementales como la comunicación, el mismo sexo, cuando se sufre un trauma como se supone se vive en una guerra en la que tanta gente muere a manos de otra gente y se hacen cosas que uno jamás se atrevería a decir que haría hasta que uno tiene la necesidad de volver a convertirse en un animal. Lo más razonable y lo que quizá todos pensaríamos al instante sería que se necesitaría la ayuda de alguien, de la familia tal vez en un primer plano, pero si la familia no está y la religión no nos interesa, muchos dirán la bebida (que al igual que el sexo muchas veces agrava el problema, o lo acaba de curar). Pero quizá la verdadera y única respuesta sería que se necesitaría para salir de cualquier problema, y más de uno que involucra curar nuestra alma, sería la ayuda de un guía, a un maestro. Pero, ¿Y si el maestro tiene problemas más graves que los nuestros? ¿Si predica algo que en verdad sólo nació de un fraude o algo que él mismo inventó como todos lo asumen? ¿Estaríamos destinados a la salvación? ¿O a la autodestrucción?

Eso es lo que nos plantea P.T. Anderson en la que quizá sea su película más oscura, más celebrada, y la que para mi es su mejor joya (lo considero sólo por la realización y como se concibió el trabajo, porque sin duda su película emblema y con la que en verdad deja un legado a la historia del cine es con Magnolia, película de la que ya les he hablado y que les dejo el enlace por acá). No es un secreto la gran admiración que siento por el trabajo de P.T. (de mismo apellido que otro que también admiro de sobremanera y que también pronto les hablaré de su trabajo, Wes) pero con este filme si me llevó a lugares que pocas películas te pueden llevar, una película que en verdad te hace cuestionar cosas, que asume querer cambiar tu manera de pensar, que te hace meterte en la cabeza de cada uno de sus personajes. Muchos tachan al cine de P.T. (al menos en su faceta oscura, aunque también en sus otras películas como Punch-Drunk y Magnolia) de pretencioso y que quiere alcanzar temas muy complejos y plasmar las cosas como en la vieja Europa en una industria que sin duda lo artístico carece, pero en esta película si logra realmente cosas como hacerte cuestionar ciertas ideologías sobre ídolos falsos que en lugares pareciera no encajan y en otros lados son más que venerados, como ideas que al principio no parece que compartas, y que incluso taches de mentiras e invenciones de una mente sin duda dañada como la tuya, pareciera en verdad empiezan a ayudarte, para después cuestionarte si en verdad todo lo predicado por tal profeta falso en verdad es real, y es la salvación para todo mal del alma, o simplemente tu mente es tan débil para ser lavada y engañada. Para caer en cuenta al final que la cura de todo era simplemente, la necesidad de cosas y necesidades tan simples como la comunicación y no reprimir nuestros deseos e instintos por traumas pasados que uno creía haber dejado atrás, pero como bien ya no lo dijo una vez el mismo P.T. en uno de sus filmes: "Puede que nosotros hayamos acabado con el pasado, pero él no ha acabado aun con nosotros".

Multinominada (lo cual no nos debería de decir mucho, ya que otras películas con esta clase de tema, que si bien son alabadas en cierto modo por la critica más que por la academia por lo aventuradas y valientes, en realidad no tienen tanto sello por lo mismo salvo para los verdaderos cinéfilos) esta película encuentra en la mente maestra detrás del proyecto, en quien se basa la historia (Aparentemente mucho de la historia se basa en la vida de L. Ron Hubbard, fundador de la cienciología) su modo de realización (analógica 35mm y no digital), su fotografía en verdad mejor que magnífica, pero sobretodo en los tres monstruos que actúan en esta (Adams -las damas primero-, Phoenix, y el siempre recordado Hoffman) y en el "master" detrás de todo (Anderson) una perfección vista desde cualquier ángulo, que trae al enorme universo del cinema un filme más que si bien no es el típico cine que se hace en Hollywood (razón por la cual las grandes productoras lo desecharon en su momento) y no aporta mucho, creo que aporta demasiado para cuestionarnos propiedades y condiciones del ser humano aun a veces poco tratadas y comprendidas a partir de este universo, además de este tema tan controvertido, tabú y por que no decirlo delicado como el de las sectas y religiones, ¿en verdad son una cura? ¿o sólo son personas con un problema aún más grave que el de nosotros? ¿Es mejor reprimir nuestros instintos animales como el sexo y vivir controlados? ¿O es mejor dar la libertad a nuestras mentes para experimentar e incluso creer en las teorías más locas, teorias que las mismas religiones nos exponen, pero como algo obligatorio y no como una posibilidad en un universo del cual nadie entiende nada?

Lo más valioso de esta película sin duda es esto, te hace pensar, te hace cuestionar, y para mí, al menos para mi, es una de las cosas fundamentales del cine (al menos del buen cine de arte), el hacerte cuestionar, incluso tus propias ideas y lo que tú creías como bueno, o normal, o real.

"Este es el reporte, regresamos al estudio"

Me gustó el detalle de que saliera esta joven actriz como en "El Curioso Caso de Benjamin Button"
enamorada de un marinero que va a la Segunda Guerra Mundial