Árboles de la vida, Tiburcio Soteno

La flor, Mariano Llinás. 2018

La flor es una película argentina del año 2018, cuya principal premisa, importancia, o cosa que la hace notar, es el hecho de que es una película que tiene una duración de 14 horas. Si, tal y como lo leen acá, es una película que dura 14 horas, y que la verdad desconozco, si alguna ocasión, en algún lugar, a logrado ser proyectada completamente.

La escribo y comento muy brevemente por varios motivos, el primero, porque tengo muchos amigos blogueros y lectores argentinos de los cuales me gustaría saber si tenían entendimiento o idea de esta película. Varios de esos amigos son muy cinéfilos, algunos no tanto, pero quizá supieron sobre la misma, el punto es que es una película que a mí me parece en primer lugar muy valiente y loable, y en segundo lugar muy loable.

La película se divide prácticamente en seis partes, seis historias que en apariencia no tienen nada en común, salvo el hecho de ser protagonizadas por las mismas cuatro actrices (todas muy encantadoras, por cierto), y comento el hecho de que "en apariencia" no tienen nada que ver, porque en realidad todas las partes, salvo la quinta, que luego del cuarto episodio, uno se da cuenta del porque esa quinta parte que rompe un poco el molde, si están conectadas, y tratan sobre la misma cosa: una sociedad secreta integrada por estas cuatros musas.

Las cuatro primeras partes comienzan pero no tienen final, o terminan en una encrucijada, si así prefieren pensarlo, la quinta como ya lo mencioné, es una historia aparte; y la sexta parte no tiene comienzo, pero es el final perfecto para todos los capítulos, pues es una especie de liberación.

El primer episodio, en palabras del director, es una especie de película clase b de las que los norteamericanos sabían hacer con los ojos cerrados y hoy día ya no pueden hacer mas (salvo contadas excepciones, como la extraordinaria Under the silver lake), sobre una momia extraída en una excavación y que llega a hacer destrozos en un laboratorio. La segunda, un musical sobre una relación fallida entre dos estrellas de la música, un hombre en declive y una joven en ascenso, todo esto mientras se orquesta un ataque por parte de un grupo secreto de italianos. El tercero, que es el más extenso, y diverso, y grandioso, y que prácticamente contiene de todo, es una especie de thriller sobre asesinas y asesinos, hablado casi en su totalidad en francés, la cuarta parte, y para mí la más significativa, que al principio de la película, y en palabras del director, no sabe muy bien de qué va, es en realidad un poco la experiencia y la historia de como surge la idea en si de la película (en este cuarto episodio se hace referencia a la misma película con el nombre de "La araña"). El quinto capítulo, que al igual que el sexto, es muy corto, es un trabajo en blanco en negro influenciado por una película francesa sobre un día de campo, y yo me atrevería a decir que también bastante influenciado en Howard Hughes. Y el sexto es un trabajo un tanto influenciado en el cine mudo y una fotografía que yo encajaría incluso en el término de "estenopeica" por el tratamiento que se le da a la textura de la imagen por los filtros con los que se trabaja, la cual está inspirada en una pintura sobre unas mujeres cautivas por un grupo de salvajes en Argentina, o algo por el estilo.

Cuando yo terminé de ver la película, luego de un par de meses (vi las primeras dos partes y una parte del episodio tres, y luego dejé de verla varias semanas, por cuestiones de mudanza, y cuando la retomé ya no la dejé, pero en total se podría decir que las 14 horas las distribuí en 8 sesiones), decidí, y me dí cuenta que escribir sobre ella, o tratar de hacer un análisis para desglosar, analizar, y recomendar esta película, era imposible. Y no porque no lo merezca, o no valga la pena, sino todo lo contrario. Pero considero que para hablar sobre una obra tan importante, o mayor (esto me pasa últimamente mucho con los grandiosos documentales que he visto, y que me lleva mucho tiempo escribir sobre ellos, o tratar de escribir sobre ellos, y que muchas veces no consigo hacerlo) el texto o el análisis debe estar a la altura de la obra.

De modo que con esta base, sólo hago, con este texto, una invitación a que ustedes traten de buscarla, y verla en la medida de lo posible, es una obra completísima, que tiene de todo. Por mi parte yo acá les comparto, desde mi canal de Youtube, mis partes favoritas de la película, que no son las únicas, pero estas cuatro son las más. Hay partes en la película que son realmente magistrales, también las hay, como en toda obra, y más en obras de tanta duración, partes que decaen, que no son tan extraordinarias, o sublimes, incluso partes burdas, malas e incluso risorias (aunque algunas acá en la película cumplen la función que las escenas desfasadas en Museo), pero la película en lo general me parece una obra de arte, si no lo fuera, no habría sido la gran ganadora de BACIFI en su momento.

De modo que sin más, los invito en primera instancia, en ver estos fragmentos, y enseguida, a tratar de buscar la película, que seguro andará por la web. Que de igual manera, sino lograran conseguirla, cuestión de que me lo comentes y podemos resolver eso.

Visages Villages - Faces Places - Rostros y Lugares

Hay un denominador común en muchas de mis películas favoritas, y este es que en cada visita que hago a ellas por lo general siempre descubro algo nuevo, y no es porque tenga un problema de atención o algo parecido, sino porque si trama, su pulcra elaboración y todo lo que conlleva además sentimentalmente. (Llámese libros, películas, canciones, pinturas, todo lo que yo considero como esencial en mi vida en cuanto al arte es porque llego a ver algo mio vivido ahí plasmado)

Y si traigo este tema a exponer es porque justo la película de las que les empezaré a escribir es una película que precisamente eso me pasa, es la tercera vez que la veo ahora que quiero escribir sobre ella, (con esto no quiero decir que desde la primera vez no haya querido escribir sobre ella, es sólo que en una primera vista no sabía como abordarla, pero ahora incluso le he dado una lectura diferente a la primera vez que la vi) y me parece que es digno de escribir y dejar una pequeña huella en este blog del maravilloso documental, el cual se ha convertido irremediablemente en uno de mis favoritos de la vida y uno de los largometrajes que seguramente figurará entre mis diez favoritos al terminar el año.

Visages Villages nos lleva a recorrer junto al joven fotógrafo JR, el cual es conocido por sobre todo por tres cosas: 1) sus gafas oscuras, 2)sus fotografías en blanco y negro, y 3) lo que hace con ellas al imprimirlas en tamaño gigante y utilizarlas para hacer murales que ayuden a concientizar en el humano de alguna forma u otra. En este viaje en particular el invita como compañera de vagancia a nada mas y nada menos que la invaluable cineasta belga nacionalizada francesa Agnes Varda, de en ese momento 88 años de edad, entonces; ella con las inclemencias mismas de la edad, va perdiendo entre otras cosas su vista, entonces JR le propone que lo acompañe y el le ayudará a que el viaje sirva como un álbum de fotos digno de llevar en la memoria, entonces hacen el viaje, un viaje que empiezan en solitario y se acompañan en cierto punto, porque no se viaja igual a los 30 que a los 80. Agnes va poniendo los destinos, JR las ideas de las fotos, y aunque nunca se dice en si el propósito del viaje, ni el destino que resulta ser algo sorpresivo en doble partida, lo que si uno va entendiendo es que quien al final disfruta de esto, o a quien iba dedicado el viaje, era a la gente. Esa clase de gente real que bien puedes encontrar trabajando en una fabrica de sal que tiene alma de filósofo milenario, o en una mujer que se niega a dejar su casa para darle paso a la modernidad de un pueblo lleno de historia de hombres topo, o de una chica de nuestro siglo convertida en un personaje de Agnes.

Cuando vi la primera vez esta película, sabía que tarde o temprano escribiría sobre ella, pero no sabía como hacerlo, no me salían las palabras, lo único que había en mi mente era el título que tendría el texto: "Rostros y Lugares: Los artistas y la gente" y es que si algo tiene este documental es un lenguaje que no hace otra cosa más que profundizar, y a la vez exaltar el grande amor que tienen Agnes y JR por la gente común, ordinaria, por los lugares donde en realidad se desarrolla la vida, sin dramatismos, caracterizaciones y melodramas. Una fotografía va capturando el viaje, entre pueblos rústicos donde hay gente que conoce a Agnes, y campos donde ella vio e hizo mucho de lo que hacía cuando su vista proporcionaba y dirigía lo que hacía, y no los recuerdos. El recurso que tiene JR con su camioneta en forma de fotografía que además es su impresora, hace ver en la gente a través de su propio rostro la importancia de la identidad, la memoria, el pasado, la comunidad, el prevalecer. Y a su vez como esta relación entre dos personas tan distintas en exterior pero tan iguales en esencia van desarrollando esta relación conflictiva-amistosa que es entrañable verlos a cada momento, sus bromas, el apoyo de JR a Agnes cuando ella empieza con las nostalgias, el homenaje de este a ella, sus momentos dramatizados, y siempre rindiendo una muy fugaz especie de homenaje que a la época del cine francés que Varda y sus colegas lograron hacer escuela.

Y en la mayor parte de la película Agnes tiene un propósito que quiere lograr, hacer que el joven JR se logre quitar sus gafas para retratarlo como lo logró hacer con su amigo de la juventud JL Godard, al cual pretenden visitar al final del viaje, Agnes al menos así lo pretende, y le da la sorpresa a JR cuando van a verlo. Godard acepta recibirlos, pero al final no lo hace, dejando una huella tanto en el documental, como en el corazón de Varda, quien dice odiarlo, pero que reconoce que aún así lo quiere. Al final JR le da un regalo a Agnes, aunque ella no lo pueda ver, porque al final que son las fotografías sino más que impresiones en papel que al final la brisa del mar borran, las únicas fotografías que perduran son las de la memoria y el corazón, la de los años de vida, lo que el tiempo no puede borar, aunque al final el tiempo todo lo termine por borrar.

Los Sueños de Akira Kurosawa.

Sueños, es el antepenúltimo proyecto en el que el legendario cineasta Akira Kurosawa trabajó, este tiene cierto conocimiento y reconocimiento en occidente, y en el mercado hollywoodense porque uno de sus productores, y uno de sus más declarados admiradores, es nada más y nada menos que Steven Spielberg (Martin Scorsese también tiene una colaboración bastante interesante).

La película, aunque en su totalidad se filmó y se produjo en Japón, esta fue financiada por el mercado americano, y esta es una compilación de ocho cortometrajes escritos y dirigidos por Kurosawa, en ellos, uno puede apreciar que son verídicamente ocho sueños que el cineasta tuvo en diferente etapas y épocas de su vida, incluso tienen cierto orden cronológico, ya que en los primeros dos el personaje principal de los mismos es un niño, y conforme van siguiendo los "sueños" se ve que el protagónico va creciendo. Incluso los temas, van teniendo cierta madurez, en el tema, no en el trato porque todos constan de una belleza descomunal. En ellos retrata, como seguro fue en cada etapa de su vida retratada, problemas, dudas y cuestionamientos que tenía Kurosawa y que seguramente la edad le fue dando el tiempo para sanar y resolver conjeturas; temas como el pasado, la guerra, el miedo a la muerte, a otra posible guerra, la influencia del arte, todo envuelto con un toque fantástico que es ha bien tratado con una depurada fotografía llena de colores vivos y otras técnicas que suman al lenguaje cinematográfico del que cualquiera quedaría fascinado, donde la linea entre la metáfora y el verdadero significado del sueño son fácilmente borradas. Mis favoritos, los primeros dos y el último.

Si no la conocen los invito a que la busquen y le den la oportunidad, les prometo que su belleza los va a hipnotizar. si no me creen, acá les comparto sólo un fotograma de cada uno de los cortometrajes.

Este es el reporte. Regresamos al estudio.

Phantom Thread / El Hilo Fantasma: El sacrificio de amar a un artista y ser un artista.

Phantom Thread es la película más reciente del director y guionista norteamericano Paul Thomas Anderson, la tan sonada por el hecho de ser la última actuación del actor protagónico, pero hablemos sobre ella a detalle.

La película nos narra la vida de Reynolds Woodcock, un diseñador de vestidos muy distinguido por la alta sociedad en una Inglaterra de la década de los 50's, quien carga con una historia trágica en su familia la cual parece le pesa mucho. En un descanso que se toma de su ajetreada vida en la ciudad después de entregar una de sus obras se va a descansar a la casa de sus padres en el campo, una mañana va a almorzar al que parece ser un restaurante que frecuenta mucho; se encuentra con una muchacha llamada Alma, (esta escena me recordó mucho a una escena que también tiene Day Lewis en otra grandiosa película como lo es "La Insoportable Levedad del Ser") a la cual él recuerda, y ella lo recuerda a él, sin nunca dejarnos en claro de dónde, entonces él la invita a cenar, y después van a la casa donde él vive, la casa que era de su madre; entonces después de una escena muy peculiar y hermosa; ella le hace una advertencia, en la que le dice que con ella va a perder, pero seguro que él seguro ya lo sabía, quizá sin saberlo conscientemente y sin importarle lo que aquella sentencia conllevara, y él lo acepta. Después de la confesión él le pide que haga algo por él, en ese entonces ella asume que debe entregarse por completo a ese hombre al que ama aunque dañe en determinado momento a los dos, el cual antes que todo ama su trabajo, su obra, siempre poniendo en segundo plano a las personas, al amor, salvo que se sienta vulnerable, salvo que la persona este dispuesta a robar o a matar por verlo feliz, vemos lo que veremos alrededor de esta pareja, sus miedos, sus necesidades, sus demandas, la hermana de él, quien es su mano derecha y que pareciera lo domina, lo tiene atrapado, pero conforme vemos el desarrollo de la historia, vemos que es más bien lo contrario.

Si tuviera que definir en tres palabras la película, sin duda alguna la definiría como hermosa, sensible e íntima, y es que desde donde se le vea lo realizado por Anderson es hermoso, para empezar preciso sería decir que probablemente lo más hermoso de esta es la música, compuesta por Jonny Greenwood la cual prácticamente lleva el ritmo y el tono de la trama de toda la película, algo muy similar a lo que hace Zimmer con Dunkirk, quizá con menos potencia pero si con más calidez, y para mi eso cuenta más. El vestuario es otro gran valor, la fotografía no es algo que se tenga siquiera que distinguir en una película de P.T., pero por el trato de esta película hay que hacerlo, pues es una película de detalles, hay los eventuales close-ups que le encantan a P.T., pero ahora tienen un valor más sentimental. Paul Thomas nos da quizá su película más personal; muy íntima y llena de sensibilidad sobre lo que para él es el sacrificio al que se somete, algunas veces sin querer un creador, un artista por ver a su obra ser lo que es, y que esta sea respetada.

El elenco de la película es destacable, la valía de las últimas películas de Anderson para mi, o mejor dicho una de las grandes valías que tienen, es el hecho de que utilice muy pocos actores estelares, que sean caras poco conocidas salvo por los protagónicos. Aparte claro estaría hablar de los dos protagónicos en particular, los cuales son encantadores cuando están a cuadro, su amalgamamiento en escena es excelso, Vicky Krieps como Alma es deslumbrante, Daniel Day Lewis todo el tiempo ha demostrado que él está junto con otros muy pocos un peldaño arriba sobre el resto de los actores en el mundo, quizá sea el único actor americano en la actualidad al que yo consideraría a la par de Mastroianni y otros grandes de la historia del cine. Daniel Lewis llena a su personaje con este encanto inglés, con gran sensibilidad como carácter, con esa frustración de saberse como es y tener este duelo interno sobre ser un mortal o ser un artista, vemos como en momento puede ser muy distante o duro con la mujer que ama, pero en momentos de complicidad o soledad puede ser el más amoroso. Y como es costumbre en las películas de P.T. hay una escena por sí sola que vale tanto que sólo por esa escena uno pueda llamar a Anderson como uno de los mejores directores de nuestra época, y a su película en cuestión como una de las mejores del año, esta escena es la de la cena secreta.

Hay una frase que bien relata lo que era la relación y el sentir de Woodcock por Alma: "Bésame antes de que vuelva a enfermar", y esta a su vez me hace ver que el artista siempre busca a través de amor la auto destrucción, el amor destruye, transforma, pero se es feliz siendo destruido por algo que valga la pena. Sabina lo resumió diciendo: "porque amores que matan nunca mueren" Bukowski por su parte sentenció: "Encuentra lo que amas y deja que te mate".

Es una película que puede parecer lenta, que se toma su tiempo muchas veces para mostrarnos cosas, para contarnos cosas, que a veces no resultan en nada o no van a ninguna parte. (El comentario de Jennifer Lawrence sobre la película me pareció muy fuera de lugar, aunque como ya lo he mencionado en un sin fin de veces, cada quien se puede formular su propia opinión) Como ya lo mencioné al principio, es una película que encierra mucho misterio en el personaje protagónico, su fobia al amor, y su aprisionamiento en el arte, en su arte, en sus creaciones y los secretos y fantasmas que esconde en ellos, y muchas cosas no son respondidas, pero, ¿en realidad necesitamos todas las respuestas para poder apreciar algo hermoso o una historia muy personal? Yo creo que no, pero cada quien puede formarse su propia opinión. Una película lo vuelvo a reiterar hermosa, que sin llegar a ser una de sus mejores películas, es brillante, aunque muy lejos de su mejor película, por el simple hecho de que su mejor película es insuperable. El final puede resultar confuso para algunas personas, pero no deja de ser bellísimo.

Una Bella Luz Interior

Una Bella Luz Interior es la película más reciente de la directora francesa Claire Denis.

La película va de como la vida de una pintora llamada Isabel, recién divorciada, con casi cincuenta años, y que busca el amor verdadero en cualquier lugar que puede, intenta y se frustra de que éste no llegue a su vida como ella lo idealiza. Va y viene con su ex- esposo, se vuelve amante de un banquero que la ayuda a exponer su obra en una galería, se enamora de un joven actor indeciso con el cual no puede hablar, se junta con un hombre con el cual baila en un bar, intenta tener algo con el asistente de la dueña de la galería donde expone, pero el amor simplemente no llega, o al menos no el amor que la cultura pop y las películas francesas nos dicen que es.

La película es una propuesta muy interesante y diferente de como se puede hacer hoy día una comedia romántica, o si gustan llamarlo así, una comedia llena de humor oscuro anti-romántica, ya que mientras vemos a esta mujer tratar de encontrar el amor, en realidad lo que vemos es un completo fracaso tras fracaso de esa búsqueda, ya sea por valor propio, por auto sabotaje, o por lo que le dicen los demás a pesar de lo que ella pueda estar sintiendo.

La película se torna por muy largos periodos de tiempo muy lenta, con diálogos largos en los que en realidad es difícil a veces descifrar y seguir lo que quieren decir en verdad en la puesta en escena, aunque adaptada de una novela por la misma directora y Christine Angor, pareciera hicieron una obra de teatro y la filmaron.

Constantemente vemos close-ups y tomas muy cerradas en los rostros y facciones de los actores, más hacia nuestra protagonista, que honestamente les he de decir que si no fuera porque la protagonista es Juliette Binoche quizá si me hubieran molestado un poco. Y hablando justamente de esto un par de detalles, el primero es destacar la fotografía y el valor que yo considero aporta a la película y su historia y como hay reflejo de esta en la trama, ya que en un principio se torna muy oscura en los tonos que se manejan en escenografía y el diseño de producción, entonces cuando se ve a Isabel ilusionarse, o creer que por fin a encontrado eso que ella busca, la fotografía se torna más luminosa, y cuando vuelve a caer en desilusión, vuelve a ser todo el entorno grisáceo. La música de la película es bella, sutil y delicada, por momentos, y por la trama en si y como se desarrolla todo uno evocaría a alguna película de Woody Allen, y por eso yo le doy más valía todavía. En cuanto a las actuaciones todos tienen un desempeño bueno, pero más que formidable la protagonista que tanto en las situaciones cómicas, de desesperación, de tristeza, de frustración, de desesperanza, de auto flagelo, es más que excelso el trabajo de esta mujer a la que yo admiro tanto y que la veo como los buenos vinos, diría la coloquial frase.

Una película a la cual hay que tomarle tiempo y tenerle paciencia, si no disfrutas el cine así, o simplemente esperas ver la historia d amor convencional, o de desamor, quizá te aburra, o te enoje, o te desespere, o simplemente te acabes durmiendo en algunos de estos lapsos de diálogos largos. Interesante y diferente propuesta que yo he disfrutado mucho, que habla de como vive una mujer idealiza el amor y como a veces son diferentes las cosas en la vida real, y a veces como esperamos que siga siendo igual que antes, como a veces nos quedamos en cierta etapa y después ya no pasa nada, o parece que pasaron muchas cosas mientras estuvimos durante mucho tiempo en una relación. También vemos un poco, aunque en realidad no es tema central, como el hombre ve también el amor en diferentes edades y la verdadera importancia que le damos a la mujer en la vida amorosa, si como una compañera, o una acompañante, y se hace una crítica bastante fuerte me parece, y que bueno. Nos habla de como en la desesperación uno recurre a todo por encontrar el amor, aunque en realidad sea eso lo que busca uno, el amor, sentirnos amados siquiera por cortos lapsos, que a veces quisiéramos alargar, y no una pareja como tal, y no nos damos cuenta.

Sólo para terminar comentar un par de cosas, la primera es que sólo una vez en la película podemos ver a Juliette Binoche pintar, que dicho sea de paso en la vida real si pinta, y la segunda es que hacía mucho que no me tocaba que en una película toda la gente se quedara hasta terminar los créditos, pero eso se debe que mientras los créditos ruedan la película sigue, que es la parte donde vemos al personaje de Depardieu, pero no haré spoilers innecesarios o que arruinen su experiencia.

La Forma del Agua - The Shape of Water.

Si eres un amante del cine, y no estoy hablando de esos que van cada fin de semana con la familia a comer palomitas y comida y ver la comedia estrenada en turno (aunque también si tú ser uno de esos, también estarás mas que satisfecho con esta recomendación, lo prometo) estoy hablando de un amante del cine que bien puedes disfrutar de un clásico de Michael Curtiz, una película de arte de Lars Von Trier, un cine de autor como el de Francois Ozon, o incluso una buena comedia romántica de Woody Allen, te doy mi palabra, te va a fascinar la nueva película del mexicano Guillermo del Toro, La Forma del Agua.

Muy a su estilo, como es el cine de un autor, de un artista nato, nos entrega una película llena de magia, de monstruos, incluso una película brutal, pero en esta Del Toro nos abre su corazón grande y bello y nos regala una historia de amor en la que combinando tantos géneros como la fantasía, el romance, la comedia, el erotismo, el suspenso, eso es algo que sólo el buen cine puede hacerlo, nos regala un cuento, una poética historia de una princesa sin voz que encuentra en el agua su origen y a su príncipe azul, pero por sobre todas las cosas nos regala a los verdaderos amantes del cine algo que nosotros valoramos más que todo el dinero del mundo: Un película encantadora y conmovedora con un mensaje de amor profundo al cine mismo.

Y es que la película desde que nos muestra sus cartas a la vista nos revela tributos y ofrendas al cine, desde el hecho de que los protagónicos viven justo arriba de un cine, un cine al que la gente ya casi no iba (la película se sitúa en los tiempos de la Guerra Fría entre E.U.A. y la URSS en la década de los 60's) vemos a los protagonistas ver películas clásicas, musicales de los que producía Hollywood por montones en su época de brillo y resplandor en los 30's y 40's, y a la vez vemos este tributo (o al menos yo lo veo) al cine francés en cuanto a la ambientación, la música, (compuesta por el francés Alexandre Desplat) el protagónico, y quizá es por eso que me ha gustado tanto, no pude dejar de relacionarlo con Amelie de Pierre Jeunet, y mucho del cine de este director en particular con esta paleta de colores en tonos verde-azules, (además de la bella fotografía y ese otro homenaje en su criatura al clásico "El Monstruo de la Laguna Negra") pero jamás vi una especie de copia, por lo contrario, es tan original y puro y bello el personaje y el entorno de Guillermo en la película que únicamente uno lo ve como un homenaje al cine que seguro Del Toro ama. También hay mucho de influencias de cine italiano.

Ahora vayamos como tal a la trama, la cual la tocaré solo por la superficie para no hacerles ninguna clase de detalle relevante que les pueda arruinar la experiencia. La historia trata sobre la pequeña, bella e indefensa Elisa, una chica muda huérfana que vive sola, la cual está llena de cosas rutinarias que la hacen feliz, al lado de ella vive su vecino Giles, un viejo artista que junto con su compañera de trabajo Zelda son sus únicos amigos. Ellas trabajan en un laboratorio del gobierno en el que un día cualquiera llega un hombre llamado Richard Strickland que trae con él un "recurso" que es muy importante para el gobierno el cual estará por poco tiempo con ellos. Elisa, guiada por la curiosidad (o el destino quizá) descubre que el "recurso" no es más que una criatura marina con la cual entabla una relación en la cual ambos van a prendiendo la importancia de comunicarse. Su dependencia, o más que eso, su empatía hace que cuando el gobierno considera que la criatura es más valiosa diseccionada que respirando, Elisa con ayuda de sus amigos y un infiltrado soviético decide rescatar a la criatura amazónica, para al final descubrir su verdadera identidad.

Y es que por donde se le vea esta película es una maravilla, es una obra de un artista llena de amor en toda la extensión de la palabra, hablando desde las actuaciones se nota que Del Toro le impregnó su amor propio a los actores para que de la misma manera se viera el amor dentro de esta película, un amor puro y genuino, y con esto no quiero decir que la película sea solo amor y melosa, para empezar a mi me sorprendió el hecho de que la película se clasificara B15, lo cual creo yo es un gran acierto. Hay mucho humor en ella, hay mucho doble sentido, hay un sentimiento de inclusión que todo el tiempo se palpa, y no sólo lo hablo por el personaje de la criatura, como ya lo dije, es algo grandioso que Del Toro haya mezclado tantos género en esta película, algo que sólo las buenas película de verdad pueden hacer. Sally Hawkins es más que encantadora en su papel, te contagia un amor y un "no sé qué" que hace que cada emoción que ella siente, tú la sientas. Octavia Spencer, Richard Jenkins, y el gran Michael Shannon como antagónico, todos con personajes encantadores con los que te enganchas, (a excepción del personaje del coronel) y su actor fetiche: Doug Jones, quien se ha encargado de encarnar a mas de uno de esos seres tan monstruosos como fantásticos y hermosos que han nacido de la bella imaginación del director mexicano.

Quizá yo sólo mencionaría un par de cosas que no me gustaron tanto, y sin querer hacer crítica de eso, son como el hecho que en sólo un par de escenas la iluminación no está bien ejecutada y deja a un personaje en movimiento a oscuras, el cual no debía estar a oscuras, pero eso hasta en El Padrino I y II sucede, (películas como Cinema Paradiso nos han enseñado que si la historia está contada con mucho amor y respeto no importan los errores que esta pueda tener, aunque no sea una gran historia y sólo sea una anécdota) y el otro detalle es este en el que Elisa empieza a cantar y la película te lleva a recordar ya sea a una de estas películas de Fred Astaire, o a historia más reciente a La La Land, pero el momento no dura tanto tiempo, además de que está completamente justificado con la trama y el sentir de nuestra protagonista.

Pero en verdad, sé que digo esto muy a menudo, pero pocas veces yo disfruto tanto una película, y salgo literalmente caminando distinto y creyendo que el mundo es un lugar mejor cuando veo películas como esta, se me olvida los problemas que hay en el mundo, en nuestra sociedad, y a uno le entran unas inmensas ganas de recrear cosas hermosas para que la gente las vea y esta gente quiera crear igualmente cosas hermosas y así trasformar a este mundo en un lugar donde lo más importante sea crear arte y personas que valoren las cosas importantes como la inclusión de todos a pesar de nuestras diferencias de cualquier índole. Eso es La Forma del Agua, una película sobre la soledad cargada de un deseo, es una carta de amor a la inclusión de los diferentes, ese es el regalo de Del Toro para el cine que seguro lo inmortalizará. A mi la verdad, con todo lo que amo a Nolan y lo mucho que me gustó Dunkirk, la verdad deseo de todo corazón que al menos, como menos, Del Toro gane el Oscar a Mejor Director, ahora que si me preguntan lo que quisiera en verdad, quisiera que ganara mejor película y mejor guión original, aunque claro, aun me falta por ver Lady Bird y Tres Anuncios a las Afueras, dos películas que también se ven por demás extraordinarias, ya veremos entonces en próximas semanas si cambio de opinión pero no cabe duda que he visto en la segunda semana del año una de mis películas favoritas del 2018.

L'amant double.

L'amant double, o El Amante Doble es la película más reciente del realizador francés François Ozon, ese mismo que gracias al Tour de Cine Francés pudimos apreciar el año pasado Frantz, la película antecesora a esta.

Si bien no conozco todo el cine hecho por este director, con Frantz y Una Nueva Amiga su cine se mostraba muy íntimo y muy rico en cuanto a la narrativa fluida, con El Amante doble, esto no es la excepción, pero sin duda es la más provocativa de las tres.

Estrenada dentro de la selección oficial del Festival de Cannes del 2017 donde su recepción no fue tan hablada y celebrada como a otras cintas del festival nos habla de Chloé, una chica que sufre de dolor en el vientre el cual le impide de alguna manera sentirse feliz y ser una persona estable en todo aspecto de su vida, incluso en la relación con su madre, entonces su médico le dice que vea la posibilidad de tratar su problema con un terapeuta ya que puede venir esto de un problema psicológico al no tener ninguna enfermedad, es entonces que conoce al Paul Meyer, entonces ella no tarda mucho en tomar cariño al hombre que todo el tiempo la escucha sobre su idea de parecer estar viviendo por dos personas, y tampoco tarda en empezar a sentirse mejor y dejar de sentir ese dolor, entonces él la deja de tratar y se convierten en pareja. Al poco tiempo ella deja de sentir esta euforia de su nueva vida, y acompañada de su dolor en el vientre vienen problemas de insatisfacción sexual, entonces un día regresando de su trabajo ve a Paul afuera de un edificio en el centro de París hablando con una mujer, ella le confronta preguntándole que qué hacía ahí y porque no le contaba nada de su vida y por qué le mentía, entonces él le dice que probablemente lo confundió con alguien más, entonces ella va al edificio, y se da cuenta que en él hay un psiquiatra que lleva el primer apellido de Paul, el cual no le había revelado él hasta que ella se encuentra con un viejo pasaporte en una caja, entonces hace una cita para conocer al terapeuta, cuando llega al lugar, se encuentra con un gemelo, ese gemelo que es completamente todo lo contrario al original, mientras Paul es callado,luminoso y mesurado, Louis Delord es dominante, oscuro y ostentoso, entonces ella se somete a su tratamiento del cual Louis le promete saldrá curada y se enfrasca en un tórrido romance con él llevándola a la lujuria y a explotar toda esa represión sexual que tenía, como esa gemela que no podía ser con Paul, o al menos eso es lo que Chloé pensaba, o soñaba.

Honestamente he de decirles que la película es algo enredosa, y eso es lo único que diré malo de ella, si desgajamos por partes este exquisito filme que entrelaza el género erótico y de suspenso he de comenzar comentando que visual y estéticamente hablando Ozon hace de esta película un agasajo, jugando con pintura, arquitectura, fotografía fija o en movimiento, espejos, toma todo lo que hay en el entorno y en cada toma para jugar a su favor y es más que agradable eso para el espectador. Como toda película del género de suspenso que se haga respetar está cuenta con un score o banda sonora de una sola pieza musical, y fluye perfecto con esta, cae en los lapsos justos donde hay marcada una situación en la trama. Los protagónicos impecables, resaltando por mucho a Marine Vacth que me ha parecido su actuación una mezcla de actrices como Mia Farrow en El Bebé de Rosemary, Natalie Portman en El Cisne Negro, incluso tiene algo de Alicia Vikander, Rooney Mara y la propia Scarlett Johansson que a mi me ha dejado encantado. Y es que la historia fluye perfectamente, jamás decae el ritmo o el argumento en la trama, el único pero, como ya lo dije, es que es muy confusa, porque al final (trataré de no hacer un gran spoiler) uno comprende que en una gran parte de la película ella en realidad estaba soñando, pero entre estos lapsos largos de sueños creados por sus delirios y paranoia por su problema psicológico y del vientre, también hay largos lapsos de realidad que uno no logra percibir exactamente cuales son unos y cuales los otros, al menos no en una primera vez, pero la verdad tampoco uno se preocupa tanto porque como igual ya lo mencioné, hay muchos elementos exquisitos en la forma en que es concebida que hacen que uno la disfrute, al igual que las escenas de sexo que están hechas muy bien, nada grotescas o forzadas, y hablando de forzadas, lo único que si me cayó muy mal fue el final, me pareció de lo más bizarro, obviamente en el mal sentido de la palabra.

Es la primera vez que veo dos veces una película para hablar de ella, que si bien no la vi en realidad por segunda vez para escribir sobre ella, sino para rescatar un par de frases que me resultaron muy valiosas, si como comentario final sólo me gustaría decirles que si buscan una película de esas que te mantienen prácticamente al filo de la butaca, no te incomodan las escenas de sexo explicitas, esas escenas raras donde dos personas pueden estar una en frente de la otra sin decirse nada, y muy enredadas, esta es una muy buena opción para ti, y en una de esas verás una propuesta estéticamente de lo más valiosa que he visto en los últimos años.

"Quien desea sin actuar genera suciedad."

"Amar nunca salvó a nadie."

Only Lovers Left Alive. (Sin edición)

Los círculos, las almas gemelas, la música, la poesía; fuera de lo que es indispensable para hacer una película, estos elementos mencionados son de vital importancia y le encanta al director Jim Jarmusch emplear y lucir en sus películas.

Solo Los Amantes Sobreviven es una película fascinante en todos los sentidos, te atrapa, te embraga de una belleza difícil de describir, una película que te brinda un placer bárbaro.

Las referencias de Jarmusch son exquisitas, no solo sobre música, que son las que mas resaltan, sino también en cada arte, literatura, pintura, cine.

He de confesar que del cine de Jarmusch, esta era la única película que no tenia el deseo de ver, el por qué; porque era una película de vampiros, y esto era antes de conocer como tal el cine de Jarmusch, y es que si les soy honesto, todo lo que tenga que ver con vampiros no me gusta (salvo "Un tiro al aire y un beso al pecho") pero con el tiempo al conocer el cine de Jarmusch, me di cuenta que un detalle como ese es solo eso, un detalle, el cine de este autor es mucho mas que etiquetas, pero si hubiera que etiquetarlo forzosamente , creo que la etiqueta perfecta seria "Poético".

La historia de un par de amantes vampiros que viven separados a pesar del grande amor que se tienen, de ese amor que ya no existe en este siglo en el que tanto sufre Àdam quien es un músico nostálgico suicida amante de las guitarras extrañas y viejas, atrapados por memorias de mejores tiempos amantes de la música y la poesía, amantes el uno del otro por sobre todas las cosas.

Las actuaciones son en verdad mas que sobresalientes, decir quien esta mas correcto en papel de todos los estelares seria osado decidirlo, John Hurt (d.e.p.) fenomenal, Mia y Anton (d.e.p.) fantásticos, y ni que decir de Tilda y Tom quienes ensamblan perfectamente como pareja, realmente mas que dignas las actuaciones de ambos las cuales cautivan y enamoran.

La primera hora de la película es en serio perfecta para quienes admiramos las películas de Jarmusch, ya en la segunda hora con la aparición del papel de Mia para darle un giro y sacar de la zona cómoda a la película e inyectarle algo de trama, no esta mal, y esto hace que la película nos muestre otros conceptos llevados a la pantalla bastante interesantes.

La película en términos generales no va a ningún lugar, al menos no con nosotros porque a nuestros personajes si los hace moverse, viajar, a nosotros nos da su música, su poesía, su belleza, tanto la de ellos como las de su oscuro mundo tan encantador y excitante, no nos lleva a ningún lugar, solo nos muestra cosas como la vida misma, hay que disfrutar de las cosas que vemos, que escuchamos, que leemos, la vida es poesía en su estado mas puro, y Jarmusch al igual que Marlowe y Benedetti lo entiende mejor que nadie.

Aquí no hay ningún sube y baja, todo es una delicia llanura en la que te encuentras con música vieja en tu reproductor, plantas, animales, pensamientos que vienen a tu cabeza de charlas largas y sin sentido, sueños, poesía y de màs.

Ver Tangier de noche cuando llegan al aeropuerto, al igual que las ciudades en Night On Earth, es de lo mas hermoso.

La madre de todas.

Para mi la música en México tiene un antes y un después (y créanme que lo digo sin exagerar) cuando sale a la luz el talento de Natalia Lafourcade.

Quería escribir algo que abarcara un poco lo que era toda la trayectoria de esta mujer divina, pero la verdad lo que quiero hacer es escribir sobre su mas reciente trabajo discográfico.

Opté por ponerle por titulo a esta publicación "La madre de todas" porque para mi tiene mucho valor lo que esta mujer ha hecho dentro de la música, y quizá la mas importante, es que abrió el camino para muchas mujeres dentro del género.

Y con esto no quiero decir que las demás exponentes sean inferiores a ella, o que sean una copia, pero no es secreto y creo todos lo podemos apreciar que exponentes como Ximena Sariñana, Carla Morrison, Julieta Venegas (que si bien Julieta ya tenia antecedentes en la música en otra escena, al igual que Natalia, no es hasta que Natalia empieza como solista que también Julieta se subió a este barco de las baladas muy de la corriente de Natalia) y mas reciente Mon Laferte. (Que de todas quizá es la que mas alejada esta de la tendencia, pero sin duda también hay algo de su música y su transformación en la influencia de lo que ha hecho Lafourcade)

Y como lo vengo diciendo, con esto no quiero menospreciar el trabajo de estas interpretes, cantautoras y músicos excepcionales, porque todas tienen su sello, y de todas me gusta su trabajo, mas de una cancion de cada una esta guardada en la biblioteca musical de mi vieja laptop (que es donde me pongo a escribir cuando la corrida será larga y quiero mantenerme alejado de las tentaciones del Internet) pero no puedo dejar de ver esta influencia de la única Natalia Lafourrcade en cada una de ellas. (Que dicho sea de paso me parece a colaborado o se a presentado con todas, y con quien no pues esta mujer ha hecho duetos con El Canto Del Loco, Juan Gabriel, y muy recientemente con el grande Jorge Drexler, y etc. etc. etc.) Y es que fue la primera, la que abrió el canal, la que abrió la brecha.

Pero como lo dije, no quiero hablarles de toda su carrera, ya que su carrera habla por si sola, de lo que si les quiero hablar es de su mas reciente disco el cual me ha encantado y sin duda ya se ha convertido en lo que va del año en mi disco favorito junto con Lo Niego Todo de Joaquin Sabina, del cual también ya les estoy escribiendo. (Así de fuerte y bueno está)

El nombre del disco es Musas: Un Homenaje al Folclore Latinoamericano en las Manos de Los Macorinos. Si tuviera que resumirlo en pocas palabras, en un par de frases quizá lo describiría como un disco placentero, un largo bolero que uno no quisiera que terminara tan pronto. En este disco Natalia rescata mucho de sus raíces, pero no solo las de ella, las raíces de nuestros padres, incluso de nuestros abuelos, rescata esa música que todo amante de la música aprecia, una chica de música contemporánea viene y nos presenta después del tremebundo disco que fue Hasta La Raíz un disco en el que le rinde mas que nada tributo al bolero en pleno 2017, no sé ustedes pero eso es digno de aplaudirse. Rescata la música de las raíces de nuestra tierra, no solo de México, también de ese folclore y letra latinoamericana, porque no solo en la música se nota también en las letras, tanto las propias de Lafourcade como la elección de los temas que no son de su autoría como Son Amores, Te Vi Pasar, Que He Sacado con Quererte o Soy Lo Prohibido. Y ni que decir de Los Macorinos que para nada son el segundo termino en esta espectacular y magnifica fusión, los señores que tienen todas las tablas y toda esa esencia que hoy día un músico ya no tiene, tienen ese porte señorial de músico de "la vieja escuela". (Ya sabrán porque mi amor por su música, nada mas los señores se codearon con otra amada mía como lo es Chavela Vargas)

Ustedes no están para saberlo ni yo para contarlo pero este año ha sido para mi un año lleno de perdidas en todos los sentidos, gente que se ha ido en la distancia, gente que se ha ido de esta vida, gente muy querida y muy cercana para mi, y entre ese tumulto de perdidas llego también una ruptura amorosa, y pues bueno, este disco me ha ayudado montones para superar un poco todo esto.

Un disco por demás recomendable, acá se los dejo para que lo escuchen directo en Youtube.




Si tuviera que elegir mi canción favorita del disco, no podría ser otra que esa que involucra a el mar.

La Mujer.

Geográficamente, una catarata que nos atrae y nos asusta al contemplarla.

Astronòmicamente, un astro encantador.

Magnèticamente, una brújula que guía al hombre en su peregrinaje por el mundo.

Botánicamente, una hermosìsima planta que produce flor y espina.


1909

Cabo San Lucas. Fotografías y Canciones.

 Por lo general de cada viaje hay fotos que no publico no por Facebook ni por Instagram ni por ninguna otra plataforma, porque me gusta más compartirlas en mi blog, y por lo general ya se esta haciendo una costumbre cada vez más que me importa, sólo colar quizá una o dos fotos en mis otras redes sociales, pero todas las demás que más me gustan, pues dejarlas por acá que es un lugar al que le tengo más aprecio. Y en cuanto a las canciones, pues también sabrán que me encanta hacer playlist de cualquier cosa, y un playlist sobre esas canciones que escuché en determinados viajes, pues bueno; esas no pueden faltar por supuesto en este tanto mio como suyo blog de vivencias y una que otra confesión, les dejo el contenido pues, que lo disfruten tanto como yo al hacerlo.

Myself

Murder

La espalda de Dennis Quaid y su esposa

Algo de la fotografía artística que hacìa mientras iba caminando por las calle de San Lucas

Una mujer maravilla muy maravillosa

Un wolverine muy de la realeza

Paparazzo

La Dolce Vita

Yo de nuevo

Comida patrocinada por Burger King (que de patrocinio no tuvo un carajo)

Ilse Salas

Erick Estrada

Amat Escalante