As Tears Go By.

Un joven ve interrumpido su sueño por una llamada, es su tía, esta le dice que le volverá a llamar una vez que esté despierto, no pasan ni cinco minutos cuando el teléfono vuelve a sonar, es nuevamente ella, él le dice que qué es lo que quiere, le dice que su prima se quedará unos días con él porque va a hacerse unos estudios médicos a la ciudad, él sin más reniego acepta, cuando llega la prima, él le dice que si alguien lo llama le diga que él devolverá la llamada, y vuelve a dormir, parece que no hay nada en común entre ellos. Luego nos enteramos de dos cosas en la vida de Wah en los siguientes 20 minutos: que es un matón a sueldo, y que no le gusta hablar de sus rupturas amorosas. Los dos días que pasa con su prima Ngor lo hacen darse cuenta que puede tener otra vida diferente lejos de Hong Kong. Ella se va de regreso al lugar donde vive y trabaja, le deja una nota a Wah diciéndole que el día que quiera encontrar algo que ella a escondido simplemente la llame. Pasa el tiempo, Wah avanza en su carrera de criminal a pesar de tener que cargar con su temperamental mejor amigo Fly que no deja de meterse en problemas, Wah va a Lantau a buscar a su prima, el encuentro es seco, y la despedida se da rápido, pero como en el verdadero amor, las despedidas rápidas son una mentira, y ella regresa a donde llega el transbordador porque está segura que él regresará al escuchar el mensaje que le deja en su biper, el encuentro se da y Wah quiere formar una nueva vida al lado de Ngor. Pero la realidad lo alcanza cuando Fly, luego de que Wah hace todo lo posible para que lleve una vida honesta, se vuelve a meter en problemas. Wah regresa dos veces a la ciudad, la primera vez como una advertencia, la segunda como una sentencia final, quién iba a pensar que justo antes de su muerte el recuerdo que vendría a su cabeza, alguien que disfrutó de las mieles del falso éxito que te da una vida de crimen, fuera el primer beso que le dio a su prima.


¿Se puede con la primera película de un director predecir el gran futuro que le espera en el cine? planteo mejor la pregunta: ¿Se puede con la primera película de un director predecir el tipo de cine que hará en adelante? En el caso personal de Wong Kar-Wai yo diría que no, con As Tears Go By ni se podía predecir en el genio del cine que ahora es, ni se podría definir el cine como él lo concibe, pero hablando en retrospectiva, quizá todo ya estaba escrito desde este primer trabajo.

Luego de su trabajo como guionista para películas honkonesas más de la corriente llamada Cine B, en las que si bien escribía todo tipo de guiones, lo que más vendía en la etapa en que al trabajaba como guionista para In-Gear Film Production Company del productor y actor Alan Tang, era el cine de acción, películas de policías contra criminales, no fue sorpresa para nadie que la primera película del joven guionista fuera de este género y que In-Gear fuera la productora. Pero, ¿cómo a partir de una historia de un criminal ya se podía ver todo lo que Kar-Wai ondaría en el resto de su filmografía, al menos en sus largometrajes hasta hoy día? Ahora lo expongo.

Cabe decir que aun con el capital invertido por In-Gear en la película, (y que le resultó como perdida total) está lejos de tener los grandes presupuestos que Kar-Wai tendría en el resto de sus películas, tan así es que se nota una precariedad en el trato en ciertas escenas de acción. Pero aun así ya se nota un sello imprescindible en muchas de sus primeras películas como Chungking Express (obra maestra que también hace unos pocos días he podido ver y que además de ser una genialidad de estética y narrativa, es una clase magistral de como hacer buen cine con tan poco siempre y cuando se cuente con una gran historia) y Fallen Angels: las persecuciones caricaturizadas. Cual si viéramos alguna película de animé con planos secuencia segmentados, la recreación de esta técnica en actores fue algo que Kar-Wai fue perfeccionando cada vez más en cada uno de sus filmes y es un sello distintivo en la estética de muchas de sus primeras películas (como las ya mencionadas).

Otro sello distintivo que replicaría en otra de sus películas es la música, si bien aún en esta película no cuenta con las grandes composiciones de Umebayashi, su música tiene cierta atmósfera que cae justo en los tiempos que la trama dicta cambios de tono, además de que tiene esta esencia bohemia que a Kar-Wai lo ha perseguido desde toda la vida. Y con respecto a la música también tiene algo que en otra de sus películas más emblemáticas utilizaría, pues en Happy Together si bien la música de Chung y Piazzolla es una delicia, una canción es la que dicta como tal la trama y la que al final le da sentido a la película, la canción homónima de la banda The Turtles, pues un poco eso pasa en As Tears Go By con la canción "Take Me Breath Away" interpretada en hongkonés.

Si bien la estética aún no estaba tan depurada, ni la fotografía estaba cargo del extraordinario Doyle, la esencia narrativa, y el lado amoroso del director ya estaban, a pesar de ser una película del género que era, la historia que retrata sobre amores imposible e inconclusos (y que dicho sea de paso, lo convirtió en uno de mis directores de cine favoritos) que se verían en todos sus filmes posteriores, (llámese Deseando Amar, 2046, incluso The Grandmaster, aun sin ser la trama central, es de gran importancia el amor/desamor) ya estaba escrito desde un principio, si a algo quería rendirle tributo Kar-Wai con su cine, era al amor. Además vemos en esta película a una actriz (por demás formidable cabe aclarar en esta cinta) por demás importante en las primeras películas del hongkonés: Maggie Cheung.

Un joven hongkonés que siendo niño soñaba en su idioma en un país donde no lo entendían, se daba a conocer en el mundo del cine en el mismo Festival de Cannes (no en la selección oficial claro está) con una película a la cual muchos críticos de cine alabaron y vieron en ella (al igual que yo) a una especie de Mean Streets asiática (obra maestra de Martin Scorsese). Sin duda no es una película perfecta, pero nos pone en perspectiva de lo que el honkones sabía que quería hacer, y a donde quería llegar, que si lo logró, juzguen su filmografía y la influencia que a tenido en grandes directores de este siglo.

Top ten de Pedro Infante

Hace unos días que se celebró en México el Día Nacional del Cine Mexicano, me puse a pensar luego de comentar en una publicación mi película favorita, y a la postre mis actores favoritos mexicanos, quién es el actor icónico de nuestro cine, no los que yo considere mejores, o como ya lo dije, mis favoritos, y me di cuenta que no lo tuve que pensar mucho, el nombre me vino en el instante que formulé la pregunta, y seguramente ustedes, lo que son y conocen bien a México y su cine, estarán de acuerdo con migo que es Pedro Infante.

Por eso, luego de muchos meses planeando esta entrada me gustaría por fin compartirles sólo por mención y sin explicación alguna, o al menos no una muy prifunda, más bien, bien sintetizada, mis películas favoritas del ídolo mexicano. Sin más, comencemos.



El Mil Amores - Rogelio A. González - 1954
Si hablamos de Pedro Infante, y su actuación en personaje, esta sería mi película favorita.

No Desearás A La Mujer De Tu Hijo - Ismael Rodriguez - 1950
Esta la tengo en la lista más que nada por el cariño que tiene mi hermano por esta película, que es gracias a él que conozco lo mucho o poco que sé de la época de oro del cine mexicano. En esta escena se demuestra el nivel actoral no sólo de Pedro Infante, sino también del señor que tenía a su lado como co-protagonista.






Nosotros Los Pobres y Ustedes Los Ricos - Ismael Rodriguez - 1948
Estas las cuento como una sola, y si hablamos de película completa como tal, estas serían mis favoritas de Pedro Infante. Con la mancuerna por excelencia de actor/director de nuestro cine.

Cuando Los Valientes Lloran - Ismael Rodriguez - 1946
Acá empezaba a lograrse una mancuerna de actores que nos llenaría de suspiros, Pedro Infante y Blanca Estela Pavón.

Los Tres Huastecos - Ismael Rodriguez - 1948
Por si no fuera suficiente un Pedro Infante, acá tenemos a tres.

Vuelven Los García - Ismael Rodriguez - 1947
La prueba fiel de que si hay mejores segundas partes que las primeras. Con la gran Sara Garcia.

El Seminarista - Roberto Rodriguez - 1949
Con Silvia Derbez, Fernando Soto "Mantequilla", Katy Jurado, y La Tucita.

Angelitos Negros - Joselito Rodriguez - 1948

Las Mujeres De Mi General - Ismael Rodriguez - 1951
Con unos musicales formidables, y la encantadora y despampanante amada mia Lilia Prado, una gran película sobre amores y venganzas.

La Vida No Vale Nada - Rogelio A. González - 1955
Volviendo a ser dirigido por otros directores, luego de romper relaciones con la casa productora de los hermanos Rodriguez.

La Tercera Palabra - Julián Soler - 1956
Compartiendo créditos con otra actriz que fue muy importante en su carrera: la hermosa y guapa Marga Lopez.

Menciones Especiales - Cuidado Con El Amor - Dos Tipos de Cuidado - A Toda Maquina - Tizoc

Los Sueños de Akira Kurosawa.

Sueños, es el antepenúltimo proyecto en el que el legendario cineasta Akira Kurosawa trabajó, este tiene cierto conocimiento y reconocimiento en occidente, y en el mercado hollywoodense porque uno de sus productores, y uno de sus más declarados admiradores, es nada más y nada menos que Steven Spielberg (Martin Scorsese también tiene una colaboración bastante interesante).

La película, aunque en su totalidad se filmó y se produjo en Japón, esta fue financiada por el mercado americano, y esta es una compilación de ocho cortometrajes escritos y dirigidos por Kurosawa, en ellos, uno puede apreciar que son verídicamente ocho sueños que el cineasta tuvo en diferente etapas y épocas de su vida, incluso tienen cierto orden cronológico, ya que en los primeros dos el personaje principal de los mismos es un niño, y conforme van siguiendo los "sueños" se ve que el protagónico va creciendo. Incluso los temas, van teniendo cierta madurez, en el tema, no en el trato porque todos constan de una belleza descomunal. En ellos retrata, como seguro fue en cada etapa de su vida retratada, problemas, dudas y cuestionamientos que tenía Kurosawa y que seguramente la edad le fue dando el tiempo para sanar y resolver conjeturas; temas como el pasado, la guerra, el miedo a la muerte, a otra posible guerra, la influencia del arte, todo envuelto con un toque fantástico que es ha bien tratado con una depurada fotografía llena de colores vivos y otras técnicas que suman al lenguaje cinematográfico del que cualquiera quedaría fascinado, donde la linea entre la metáfora y el verdadero significado del sueño son fácilmente borradas. Mis favoritos, los primeros dos y el último.

Si no la conocen los invito a que la busquen y le den la oportunidad, les prometo que su belleza los va a hipnotizar. si no me creen, acá les comparto sólo un fotograma de cada uno de los cortometrajes.

Este es el reporte. Regresamos al estudio.

You Were Never Really Here.

You Were Never Really Here (o la muy mal llamada en español "Nunca Estarás a Salvo) es una película del año pasado de la directora de cine escocesa Lynne Ramsay, la cual se exhibió el año pasado en el Festival de Cannes y que cobró gran relevancia por la actuación de Joaquin Phoenix la cual lo hizo acreedor de la palma de oro al mejor actor. (Y cómo olvidar la reacción del actor al enterarse de que era el ganador) Pero que tal me pareció a mi está película en su conjunto, déjenme hablarles de ella, su trama, su contexto y su muy loable subtexto.




La película empieza con una secuencia inconexa de imágenes que uno más adelante dentro de la trama sabrá conectar, acto seguido vemos a Joe, un asesino a sueldo con un pasado tormentoso que no lo deja a pesar de lo que está haciendo en el momento, limpiar la escena del crimen, sale del lugar y luego de que tratan de asaltarlo y este hace pedazos al sujeto, va al aeropuerto para regresar a su casa con su madre. Luego del trabajo terminado, y recibida la paga, su contacto le dice que hay un trabajo grande que quiere un senador que trabaja para el gobernador de la ciudad de Nueva York, y este consiste en rescatar a su hija adolescente de una casa donde la prostituyen, entonces Joe con un estilo muy particular para el combate, el cual cabe resaltar que es implacable e infalible, la rescata, pero al llevarla al lugar donde tenia que entregársela a su padre, pero al ver las noticias en el televisor, Joe se da cuenta que se ha metido a un trabajo del cual no quedará del todo estable por sus memorias pasadas, y en el cual perderá más que una muela.

Para empezar creo que sería preciso resaltar el gran valor que dan más que nada dos elementos en particular a la película, y esas son la excelsa fotografía a cargo de Thomas Townend, llena de detalles, y no sólo detalles que están ahí a lo lejos, sino que enmarcan y resaltan la trama, son muy meticulosos y estilizados, y esta en conjunto con la magnánima música compuesta por Jonny Greenwood (quien se ha convertido en uno de mis compositores favoritos) la cual me parece suma pero de manera armónica, natural; no de manera engañosa o manipuladora, pues no aparecen sólo en los momentos tensos, como presagiando justo lo que ocurrirá después, sino que esta aparece y desaparece a su antojo, pero suma por si sola. Toda la primera parte la película se llena de detalles, y de flashback's de la historia pasada de Joe con lo que parece ser acciones de guerra, y sus demonios que comparte con su anciana madre por el maltrato de su padre del que nunca se habla pero en los recuerdos que tiene Joe muchos de sus elementos a la hora de hacer daño son los que utilizaba su padre, mostrándonos, más no enseñándonos, porque el cine no enseña a ser violento, sino que abre los ojos a comportamientos insanos, que todo, incluso la violencia se hereda, y siempre hay algo que la detona, como lo podemos ver en la relación entre Joe y Nina. Y la película se toma su tiempo para contarnos todo esto, pero de manera muy armónica, no se siente ni tensa, ni dura, ni forzada, es muy natural y nada exaltada, incluso en los que Joe utiliza la "Violencia Extrema" diría Alex, no es hasta que rescata a Nina que luego de ver las noticias se sabe que es lo que ocurrirá, y todo se vuelve caótico, histérico, por momentos con dosis de suspenso y psicodelia, el climax es intenso, pero no es eterno, y eso se agradece, porque después vuelve a su tono natural, armónico, y se encuentra una redención que al final yo casi pienso el final es hilarante, pero no es más que un sueño, y la película cierra de manera magistral. El final, o toda la parte final nos remonta a la tendencia en el cine del salvador redentor que al final es salvado por quien es rescatada, como lo es la premisa de Taxi Driver, Hombre en Llamas, o León de Luc Besson, y yo la pondría a la par de estas, incluso quizá superior en algunos aspectos, y la resalto por la originalidad, y que todo esto amalgama a la perfección en menos de 90 minutos, y eso es digno de aplaudirle a la directora, quien también adapta el guión. (Directora que por cierto tiene una pequeña gran joya que seguro muchos de ustedes conocerán llamada "Tenemos Que Hablar de Kevin")

Guiños a cine como el de Winding Refn, por su ambiente con luces brillantes sobre los fondos oscuros, o al de Hitchcock por su dosis de suspenso, incluso el homenaje que se hace a la obra de este de una manera no tan sutil sino todo lo contrario, muy directa, todo enmarcando a esta variante valiosamente remarcante de cine negro; también me parece muy valioso esa parte de mostrar siempre la ciudad a través de un carro en movimiento con la cámara sin control como la metáfora de lo caótico que es la vida de un asesino que se mueve en la oscuridad de la noche, la actuación de Joaquin Phoenix y esta doble personalidad por lo transtornado que está en la que es uno en la noche, y otro en el día cuando está con su madre (la escena en la que [aquí les voy a tener que hacer un spoiler que seguro ven venir] descubre a su madre muerta es tan triste que uno queda al borde de las lágrimas) el elemento desde un principio del agua como medio sanador. Uno no llega a comprender como actuaciones de esta envergadura que si bien no son del todo dramáticas, pero que si llevan una gran dosis de este elemento, no son consideradas para los Oscares, para mi esta actuación valía cuando menos la nominación, el premio eso lo dejo a la opinión personal de ustedes, pero esto pone en evidencia que los Oscares cada vez son más innecesarios desde mi punto de vista.

Una gran película que sin una gran historia, pero contada de una manera armónica y muy del tono de la directora, haciendo una obra de autor muy decente, nada predecible, y que luce a Joaquin Phoenix como el mejor actor en activo desde mi muy humilde punto de vista.

Este es el reporte. Regresamos al estudio.

La vida de Brian: la genial combinación entre Star Wars y la Pasión de Jesús creada por los Monty Python.

Hace unos días deambulando por el Youtube ya muy tarde de noche (de esas veces que te sientas frente a la computadora y tienes que escribir algo o acabar de escribir algo pero que sencillamente las palabras no salen) me topé con la crítica, o más que crítica, la opinión sobre esta película de la que quizá sea la crítica de cine que yo más respete y admire como lo es Fernanda Solorzano, (el video se los comparto por acá abajo) y este video de ella se debía a que la BBC, canal de televisión británico hizo una lista con de las 100 mejores comedias de todos los tiempos en base a la opinión de 253 críticos de todo el mundo, (por ahí me encontré a otros críticos que también admiro y conozco su trabajo como lo son Erick Estrada, Aurélie Dupire y el colombiano Juan Carlos Gonzalez) el cual haciendo un listado de su top 10 dentro del género, ya fuera en torno a lo romántico, lo absurdo, lo negro; la BBC haría el listado final, en fin; la cuestión es que esta es la película que Fernanda puso en el primer lugar de su lista, la cual quedó en el sexto lugar general, de modo que eso me hizo querer verla.

La película narra como bien lo dice el título la vida de Brian, de apellido Cohen, el cual nace con el infortunio de haber nacido el mismo día que Jesús a unos cuantos metros de donde él nace, lo cual hace que desde un principio de la película se le confunda con el mesías, desde el inicio la comicidad de la mano de Terry Jones interpretando a la madre de Brian, quien además es quien dirige la película, esta vez en solitario ya que en Los Caballeros de la Mesa Cuadrada, la que quizá tenga el inicio de créditos más gracioso de la historia, donde se evidencía el gusto de Jones de interpretar a mujeres mayores gruñonas, comparte la dirección con el otro Terry, y quien fuera quién más trascendió del grupo de los Monty Python, Gilliam. Entonces el joven Brian quien se enamora de una chica que forma parte del Frente Popular de Judea, hace que este se les una, en un plan en el que intentan raptar a la hija de Pilatos para hacer que este se lleve a los Romanos de Jerusalem, pero no entremos en muchos detalles de la trama, expongamos su valía como tal.

Cabe resaltar que la película todo el tiempo lleva un ritmo muy similar al de La Guerra de las Galaxias, el hecho de dos bandos tratando de controlar el orden, la música, los planes que hace que un bando quiera raptar algo para destruir al otro bando, es una recreación del universo creado por George Lucas, y parece que no, pero hay en cierto modo una burla hacía esta creación, pero no es despectiva como tal, es tan delgada la linea entre la mofa constructiva y la mofa despectiva, que sólo genios como lo eran los Monty Python podrían hacerlo. Otro punto es la sátira y la crítica de la película a varios puntos que tiene la pasión de Jesús, y la ideología de los judíos, como la escena en la que discuten lo que los romanos les han dado a su pueblo, y aunque esto dentro del contexto histórico podría ser reprochable, dado todo lo que han sufrido este pueblo a lo largo de su historia, hay que tener en cuenta que esto es una película, y esto es cine, sátira y comedia, de modo que esta clase de humor es para quien gusta de él, pero no tiene como objetivo hacer que la gente tenga cierta idea o preferencia por los acontecimientos conocidos, sean reales o no.

Entre algunos datos curioso tenemos el hecho de que la película fue financiada por mi beatle favorito George Harrison, luego de que una semana antes de comenzar el rodaje EMI decidió retirarse del proyecto al considerar al guión como blasfemo, pero Harrison al ser un fan del sexteto cómico decidió subirse al proyecto queriendo ver lo que estos genios tenían que decir al mundo en su tan polémico tercer largometraje en el cine, luego de que en los 60's la rompieran en la televisión británica. La película fue bastante bien recibida tanto por la crítica como por la taquilla, pero algunos sectores de la sociedad y de algunas religiones no la vieron con tan buenos ojos.

En fin, una película por demás divertida con algo más de contenido que no sólo busca entretenernos, la cual refleja nuestra idolatría por el sacrificio y el fanatismo como tal y nuestra incapacidad de salvar, que nos hace ver que la gente ve lo que quiere ver, y que por ideales que defienden hacen que una persona sea crucificada, aunque al final, siempre hay que ver el lado brillante de la vida. Pertinente será hacer dentro de poco un top 10 de mis comedias favoritas.

Este es el reporte, regresamos al estudio.

A Ghost Story.

Ahora que estuve en el Festival Internacional de Cine de Los Cabos pude ver una de las películas que yo mas ganas tenia de ver en este cierre de año, y que si bien de instante no me gustó tanto, o no es que no me haya gustado, sino que me molesté por un detalle, que días después lo comprendí y con el pensarla y pensarla fue tomando valor en mi cabeza, es que decidí escribirles sobre ella, ahora que esta semana es su estreno comercial en México, la película en cuestión es A Ghost Story.


//Aparte de esta película les iré comentando otros detalles sobre el festival y de otras películas que pude ver, así que espero no hacerlos mucho bolas con mi algo pronunciado texto//

A Ghost Story es la mas reciente película del joven director David Lowery, protagonizada por Rooney Mara y Casey Affleck, (actores que protagonizaron una de las películas de este director) quien dirigiera la película Pete's Dragon. Y sin asustarlos por mi fino lenguaje déjenme decirles porque creo que esta película es una puta joya.

La película trata sobre una joven pareja que decide mudarse de la casa en la que siempre han vivido, pero poco antes de hacer la mudanza el hombre muere en un accidente de transito. Su pareja ve el cuerpo de su esposo muerto y sin decir nada sale de la habitación, y acto seguido su espíritu se levanta representado como un fantasma de la manera mas burda que es representado: una sábana con un par de agujeros negros pintados como si fueran sus ojos. Y es así que lo vemos deambular desde el hospital hasta llegar a su casa, y ahí espera a que llegue su esposa, y ella llega y se va, llega y se va, y antes de irse de la casa para siempre, pues ella sigue adelante con su vida y sus planes de mudarse, que ella deja un pequeño mensaje enterrado en una de las paredes de la casa como acostumbraba a hacerlo desde niña cada vez que se mudaba (no quería hacer spoilers innecesarios, pero esto si tengo que decirlo para causarles interés en la historia) y el fantasma pasa toda una eternidad en la casa tratando de poder leer el mensaje, lo logra, eso les tocará a ustedes averiguarlo.

No quería hacer una sinopsis, pero seria como no decirles el por qué creo que esta es una de las mejores películas del año sin hacerlo.

De entrada creo que el formato en que se hizo la película es algo que suma, en realidad vemos la película casi en cuadrado, en el formato 1:33:1, muy parecido al 4:3, donde parece que estamos viendo una vieja película compuesta de viejas fotos, eso es algo que suma no solo a la historia, sino a la película y su peculiaridad, otra película que también fue de mis favoritas en el festival y que también gustó mucho por su "innovadora" y precaria -pero encantadora- forma de ser filmada fue Golden Exits de Alex Ross Perry -película que tiene muchas referencias al cine de Woody Allen en mas de un aspecto. este director (Ross Perry) es de lo mas querido en el festival junto a Richard Linklater y Xavier Dolan que de una vez les digo seguro será que en el próximo festival su nueva película será una de las Galas- al ser hecha en el formato de 16 mm. El cine independiente de autor pareciera que si de algo se caracteriza es precisamente en que el director toma todo el crédito de su trabajo, pues ya no solo se encarga de dirigir y escribir su película, sino que también hace la edición de la misma, en Columbus de Kogonada pasa lo mismo y me parece es muy efectivo eso, en The Florida Project de Sean Baker igual, que si bien no me gustó tanto como Columbus y A Ghost Story, si he aprendido a verle mas virtudes en la distancia que cuando la acabe de ver, como las magnificas actuaciones de todo el cast, sobre todo Dafoe y la niña (aunque la verdad sigo creyendo que lo mejor de esa película es el llanto de la niña al final -que ahí uno es capaz de comprender la catarsis y la finalidad de lo que quería decir Baker con su película, que era que una niña por muy dura que sea por como fue con una madre la cual tiene muchos problemas para poder criarbien una niña, al final de cuentas esa niña no deja de ser una niña, y es que si bien la película es una anécdota, lo cual no esta mal, a mi me parece no suma nada a lo que otras películas ya nos han mostrado del mismo tema- y la escena de Dafoe con los pájaros) pero si yo siento que a Baker le falló algo fue en la edición con ciertas escenas que son repetitivas y que en una primera aparición hubiéramos sabido lo que ocurría (sin hacer mucho spoiler, cuando la nena se baña en la bañera) si en vez de haber hecho una película de 1:51 hubiera hecho una película de, no sé; 1:40 como Columbus, quizá para mi hubiera sido otra cosa. Y perdón si les metí mucha información de otras películas que vi en el festival y que de las cuales no estamos hablando acá pero lo hice para ponerlos en contexto, pues otro de los grandes valores de Lowery en este trabajo es que logra hacer una película de 1:32 a la cual no le sobra ni le falta nada. (De hecho una de las películas mas cortas que vi en el festival junto con México-Alemana Opus Zero protagonizada por Willem Dafoe -el actor mas presente en películas del festival con tres apariciones en esta edición- y filmada en Real del Catorce San Luis Potosí, la cual no supera los 90 minutos) Otro valor quizá que no nos dice nada en cuanto a la historia, pero para los amantes de este cine netamente independiente que no necesita de millones para saber que puede hacerse cine mas con corazón que con dinero es el hecho de que esta película costó solamente 100 000 dlls, (si comparamos esto con alguna película de Marvel, me parece que no es ni el 10% del sueldo de alguno de sus actores estelares) y en su estreno solo en E.E.U.U. su recaudación fue de 2 000 000 dlls. (Que teniendo en cuenta que es de una productora muy pequeña, con muy pocas salas de exhibición, es un buen estreno) Un cast minimalista (como en Columbus, que en realidad se podría decir solo tiene solo ocho actores, y el par de protagónicos como sacados de una película de Linklater que aman las largas caminatas y platicas y odian los autos) que no hace mas que sumar intimidad y complicidad con el espectador, haciéndola aun mas emotiva. (si algo define este tipo de películas son las emociones que se narran en esos largos silencios y las miradas de los personajes, aunque algunos de ellos ni siquiera tengan ojos, como es el caso en esta película)

Una película que es triste, y que toca el tema de la muerte y el duelo como quizá nadie lo había hecho, al menos dentro del cine contemporáneo y norteamericano, pero que igual de triste es la película de amor del año para mi, pero es mas que eso, con cierta atmósfera de terror, el fantasma, aunque aparece en toda la película, me parece nunca roba escena, si bien es el protagonista, cuando esta solo él en escena, en realidad su presencia para a segundo plano, por ejemplo hay una escena donde el personaje de Mara (otro valor importante es que los personajes no tienen nombre, y si bien el nombre de los personajes siempre son importantes, uno no tiene tiempo de pensar en ello y la verdad importa un carajo mientras ves la película) días después del funeral recibe la visita de la mujer que les vendió la casa y deja un pastel en la mesa con una nota, "M" llega a casa y ve el pastel (en todo ese tiempo el fantasma está ahí observando todo) entonces ella se sienta en el suelo y empieza a comer el pastel o pay, y así pasa todo el tiempo esa escena que fácil habrá durado casi 10 minutos solo viendo eso, sin un movimiento de cámara ni nada, sin mas ruido que ella comiendo, (la mayor parte del tiempo en la película no hay diálogos, casi es una película sin habla) y supongo que para una persona que no esta acostumbrada a este tipo de cine esto puede ser muy pesado, incluso aburrido, pero me sorprendió el hecho de que ninguna persona se haya salido de la sala (me pasó con Columbus que 7 personas se salieron de la sala por lo lenta que era en su argumento, incluso dos personas se durmieron en la sala -lo sé porque se escuchaban roncando por segundos, por cierto; en muchas partes lo he mencionado pero acá no, y es que Columbus fue mi película favorita del festival) y esa escena simplemente fue hermosa por todo lo que la película nos había contado hasta entonces, nos supo poner perfectamente en contexto, nos supo decir lo que el personaje de "M" sentía mientras devoraba el pastel, y eso es todo gracias a la gran dirección de Lowery y el hecho de que el supiera exactamente lo que quería con este trabajo tan íntimo. Una película que toca como vemos nosotros la vida y la muerte, lo verdaderamente importante, lo que es el amor verdadero, nuestros encuentros y conexiones, incluso con nosotros mismos sin siquiera saberlo, como todo esta conectado.

El presentador de esta película (por cierto todos los presentadores de las películas del festival me parece muy acertados en sus comentarios, pero mas él) nos comentaba que Lowery en alguna entrevista había dicho que sus principales influencias para hacer esta película habían sido El Viaje de Chihiro de Hayao Miyazaki, Poltergeist de Tobe Hooper, y Post Tenebras Lux de Carlos Reygadas, y la verdad si se notan esas referencias.

El final es una joya, es un final abierto, y esa es la razón por la cual la película en un principio si bien no hizo que no me gustara, porque todo el trayecto y la historia es una belleza, con ese discurso existencial por parte de uno de los habitantes de la casa de "C", (el fantasma) si hizo que me enojara porque no lo entendí al principio, yo pensé que había sido porque no había puesto atención a algo primordial, y supe que había sido por mi, porque la película jamás claudicó, jamás tuvo un bajón, yo le echaba la culpa a mi falta de atención, probablemente por un grupo de jóvenes que estaban frente a mi a los cuales muchas veces organizadores del festival les llamaron la atención (jóvenes que en un principio se reían de la película y al final salieron debatiendo sobre ella, lo he dicho también en otras plataformas pero acá lo digo otra vez, eso es lo verdaderamente bello del festival, que gente que jamás ha visto este tipo de películas no se queden solo con el "que mala película" o el "Que película tan aburrida" y en vez de ello le busquen la explicación, que empiecen hablar al respecto de ella con otras personas) pero al pensarla y pensarla y al final caí en cuenta del porque ese final, no se los diré porque les arruinaría por completo la experiencia, solo les diré que es un final abierto y cada uno tendrá su lectura, y todas serán las correctas. (salvo que vean la explicación para el mismo por parte de su director, si no juegan con su imaginación y buscan una explicación racional, entonces no entiendo para que quieren el cine) Además mencionar el soundtrack preciosísimo (que ahora mismo les comparto) que encaja perfectamente en la historia, narra perfectamente lo que es esta bella película, que sin duda será una de las mejores películas del año (para algunos críticos ya es la mejor) y sin duda una película que el público que la pueda ver la recordara durante mucho tiempo, estamos ante una película de culto dentro de 20 o 30 años.

Sin duda alguna una de las películas mas importantes de año, y sin duda una de mis favoritas ya.

Este es el reporte, regresamos al estudio.

The Big Sick. (O Un Amor Inseparable) La comedia romántica del año?

Después de tanto cine es difícil no querer mas cine, así que me fui otra vez al cine, al mio, al que siempre voy, al que siempre iré, la pregunta era que ver. Thor Ragnarok ya no era una opción, después de todas las críticas que he leído, alguna de ellas decía: "Tan divertida como Iron Man, tan colorida como Guardianes De La Galaxia, tan explosiva como el Hulk de Ang Lee" (?), Coco, no es por mala onda ni nada, ni por ir en contra de la corriente (aunque me encante hacerlo) pero la verdad no quise verla porque como yo fui de los pocos que vio El Libro De La Vida no quería caer en hacer comparaciones de una con la otra, supongo y si la veré ya que salga el DVD y si es tan buena y enternecedora como todos dicen, no duraré en decírselos y escribir al respecto (incluso si llego a llorar, algunos de ustedes sabrán que soy un poco susceptible en algunas películas enternecedoras, incluso al punto de llorar. (Supongo algún día que no esté tan saturado de trabajo y cosas por escribir les haré esa lista de las películas que me han hecho llorar y que casi me han hecho llorar -El Principito, la versión más reciente; es una de las que casi me hace llorar-)

De modo que con las opciones agotadas, y en vista de que en mi cine aun no se estrena El Castillo De Cristal opté por entrar a ver que después de leer la recomendación de un bloggero colombiano (que fue el que hizo que quisiera ver en el Festival Internacional de Cine de Los Cabos la película A Ghost Story y que bueno que decidí hacerlo, película que también espero escribir en un día de estos, de hecho también ya tengo casi listo el texto de mis sitios web favoritos de cine, antes de terminar el mes seguro que lo publico) decidí ver la película The Big Sick, o como la llamaron en México: Un Amor Inseparable.

La película es protagonizada por Kumail Nanjiani y Zoe Kazan. (quien parece es la nueva reina de las comedias románticas, quien actuó en la muy mal lograda What If? Quien ocuparía el rey de las comedias románticas contemporáneas hasta ahora, supongo seria Sam Clafin, apareciendo en películas como la no tan bien lograda Love, Rosie; y la mejor lograda Me Before You) Y es que la película de inicio podría parecer que es una comedia romántica del montón, que anexando algunos temas actuales como lo son los Uber, el tan famoso y "trend topic" Stand Up Comedy, pero la verdad es que la película aborda el tema del amor desde un punto en que me parece jamás alguien lo había abordado.

Pongámonos en contexto, la cosa va de un pakistaní radicado en Estados Unidos que entre la comedia y ser chofer de Uber va su vida, mientras miente a sus padres con el hecho de que quiere ser abogado e ir a la escuela de derecho y que está en busca de una esposa, la cual tiene que ser una mujer pakistaní, que comparta su dios y sus tradiciones y su lugar de nacimiento, pero el no piensa en ello, y menos cuando una noche conoce en uno de sus actos a Emily, una hermosa chica blanca que quiere estudia su maestría en psicología y quiere ser terapeuta, a la cual trata de enseñarle sus películas favoritas a la par que tienen sexo, ninguno de los dos quiere algo serio, hasta que todo se hace serio. Pero un día cualquiera Emily descubre la pequeña caja de lata de Kumail y encuentra las fotos de sus expedientes, todas esas chicas que son sus prospectas a ser alguna de ellas su esposa, entonces le cuenta toda la verdad y él le dice que su cultura es así y que no puede perder a su familia por su relación, entonces después de una gran pelea que tienen deciden ponerle fin a su relación. Y entonces la cosa ya estaba decidida, Kumail ya no pensaba en Emily, pero una noche la amiga de Emily, lo llama después de que ha salido de uno de sus shows y se lleva a otra chica a su casa y le dice que qué está haciendo ahí, entonces Emily quiere irse pero los médicos no la dejan, empeora y los doctores piden el consentimiento de Kumail para que la pongan en coma mientras tratan de combatir la infección (o virus, aun no tienen muy claro lo que tiene Emily, de ahí precisamente que la película se llame The Big Sick, no entiendo los títulos de, bueno; creo que de eso ya les había escrito alguna vez) entonces los padres de Emily llegan de Carolina del Norte, los cuales están al tanto de todo lo ocurrido entre su hija y Kumail, y es así que entre sus propios problemas con sus padres, su pasión por la comedia, los padres de Emily, y ese sentimiento que sabe que siente por ella, pero el saber que no es correcto para sus costumbres, es que Kumail se da cuenta de que uno no sabe lo que tiene hasta que lo pierde.

No les contaré como tal toda la trama, aunque parezca que ya lo haya hecho. La película tiene cosas muy valiosas, una de ellas es que no es tan comedia como yo esperaría, al tratarse de un cómico uno podría esperar más comedia, pero no la hay tanto (creo que lo más cómico de todo es el tipo menos cómico de los amigos de Kumail) la película tiene más tintes a simplemente una historia romántica, en la cual la mayor parte del tiempo la protagonista ni siquiera está presente, no hay tantos clichés, no puede predescir la trama en ningún momento, porque me parece muy pocas películas del género se han planteado así, digo, el final en si es un cliché, no; la historia de amor donde cuando parece que no terminarán juntos, en realidad si terminan juntos, pero en realidad cuenta como cliché cuando la película esta basada en hechos reales, porque así es, la película es una semi-biografía del mismo actor protagonista sobre como conoció a su esposa Emily V. Gordon, quien escribe junto a él el guión, tienen ambos la capacidad de hacer de una anécdota personal, un maravilloso guión. La película la producen Amazon y FilmNation (los mismos que produjeron Last Flag Fliyng, lo más reciente de Linklater de la cual también pretendo escribirles) y es una película que vagamente me recordó a mi amada When Harry Met Sally, no sé por qué, (supongo por los diálogos tan bien escritos que tiene el guión) pero supongo que eso quiere decir que me gustó.

Una película que como ya lo dije, bien se pudo ir por la fácil y hacer comedia barata con temas como el racismo (sólo una vez se toca el tema en realidad, pero la escena cae en otra graciosa escena con la actriz Holly Hunter la cual está maravillosa como la mamá de Emily preocupada por todo y resentida con Kumail, el jamás confrontar o poner cara a cara a las dos familias me parece también algo genial, de hecho la familia de Kumail también tiene un peso protagónico muy importante y muchas situaciones graciosas también corren a cargo de ellos, especialmente por parte del hermano) la creencias culturales y religiosas, o ponerle todo el peso y hacerla precisamente pesada por la enfermedad de Emily, me parece el director (que es Michael Showalker, por cierto) le apuesta a realmente hacer algo auténtico y sale más que bien librado. Una plática de Kumail con el papá de Emily, Terry; interpretado también muy bien por Ray Romano en donde hablan sobre que al final sólo sabes quien es el amor de tu vida una vez la hayas engañado, es lo mejor de la película y me recordó también ligeramente a Woody Allen. La crítica la ha adorado precisamente por lo audaz en la forma de contar el relato, y el guión tan magníficamente elaborado, Rotten Tomatoes la tiene con un 98% e IMDb le tiene un 7.7 y los cines en México la tienen con la etiqueta de Garantia.

En fin, una película bella, auténtica, audaz, pero tampoco olviden que estamos hablando de una comedia romántica. Independiente, de bajo costo, (apenas 5 millones de dolares, y hasta ahorita en E.E.U.U. ya hizo casi 11 veces más lo que costó) sin un guión maquilado por y con una grande productora detrás, no es la típica comedia empalagosa, que pretende hacerte llorar, o llena de clichés, enternece por ratos, te hace carcajearte en otros, incluso llega a entristecerte, pero al final te saca una tremenda sonrisa. Una buena opción, si quieres ver algo diferente en este tan monopolizado género. No sólo en México sufrimos por eso.

Este es el reporte, regresamos al estudio.

No malinterpreten el poster (o el título que le hayan puesto en su país) sé que por si sólo cae en el chiché, al igual que la sinopsis, o el trailer, pero denle la oprtunidad, no se las vendo como la mejor comedia romántica del año, pero igual y si lo es.

La Carga.

Publicación escrita para el portal de Sudcalifornios.com

La Carga es un película mexicana dirigida, escrita y producida por el cineasta mexicano nacido en Guadalajara, Alan Jonsson Gavica, no se las voy a vender como la mejor película mexicana del año, porque todavía faltan varios meses para que termine el año (varios?) pero es una película bastante agradable y bien hecha, ambientada en la Nueva España del Siglo XVI. (esto de la ambientación y películas de época es algo que le gusta hacer a este director, ya había hecho algo años atrás en el 2008 con Morenita, El Escándalo -que si a mi me lo preguntan, no tan bien lograda como esta-) Con actuaciones realmente destacarles, sobretodo de sus actores estelares, (Horacio Garcia Rojas y Gerardo Taracena entran en el personaje magníficamente, la española Maria Valverde en su papel de Elisa de Ibarra -resultó ser ascendiente de mi familia materna- también muy destacable) el único tache que yo tal vez le pondría es en su música original, ya que en lapsos uno pareciera miraba una novela producida por alguna televisora mexicana, pero en otros lapsos es muy correcta, pero entendamos que en algo tenia que haber falla, de hecho si me pongo a pensar profundamente, creo que es en algo que el cine mexicano cogea, no podría mencionar yo una película mexicana, de últimos tiempos que tenga una buena música original, y las pocas que podría mencionar, es porque realmente o no tienen música, o tienen una selección muy corta, y/o no es música original, como quizá lo serian Güeros, Te Prometo Anarquía, Los Insólitos Peces Gatos (a la cual no paro de chulearla así haya pasado tanto de haberla visto, y no haber escrito aun nada sobre ella en el blog) y Mr. Pig. Fotografía destacable, le hacen honor a los lugares donde filmaron (el equipo de Scouting hizo bien su chamba) los encuadres, tomas, efectos visuales, una trama nada monótona, una persecución que muchas veces termina, pero que quien tiene que llevar la carga a su destino sabe que esa es su vida, llevar la carga, así muchos suyos tengan que ser sacrificados con tal de cumplir su tarea, su destino. Lo único malo para esta película desafortunadamente fue que se estrenó el mismo fin de semana que la comercial película mexicana Como Cortar a Tu Patán la cual seguro será un hitazo en taquilla aun así sea una película mala llena de clichés, de esas del montón dentro del cine mexicano, mientras que La Carga, la cual propone algo distinto y bien desarrollado, pasara a la historia desapercibida y quedará en el olvido. (A pesar de lo que la crítica diga, nada mas hay que ver lo que IMDb dice, a Como Cortar a Tu Patán le da un 5 y a La Carga le dan un 7.5) Un trabajo que con tanto amor hizo un hombre, el cual dedicó a sus padres, y no tendrá los reflectores que debería de tener, pero en fin, la realidad de nuestra industria cinematográfica.

Este es el reporte, regresamos al estudio.

N.W.A. Straight Outta Compton

Esta película es un claro ejemplo de que, aunque el tema de una película no sea tan de tu agrado, si la película es buena, y esta bien desarrollado, te hace por que te hace querer saber mas sobre la historia, y esta película del 2015 es una joya.

Dirigida por F. Gary Gray narra lo que fue el nacimiento, inicio, despegue y a la postre el declive del legendario grupo de rap y hip-hop N.W.A., la vida antes de la fama de cada uno de los miembros, como se fueron conocieron, los problemas que tenían en sus barrios por la discriminación racial, el nombre de la banda, la creación de su propio sello discográfico, los excesos de la fama, como fue el despegue de algunos de sus miembros después de la desintegración, y el rezago y los problemas de drogas de los otros, la película es una biografía muy puntual de todos los miembros y de aquellos años que fueron marcados por la música prohibida en el país norteamericano.

La película nos lleva por cada etapa puntualmente, no nos hace espacios de tiempo incongruentes, si pueden pasar probablemente años de un lapso a otro, pero sabe ponernos en contexto, incluso a los que no conocemos bien la historia o la influencia de este grupo, y eso uno como espectador se lo agradece al director, y a los responsables de llevar la historia al guión, porque créanlo o no, esto se hace gracias a un guión bien escrito.

Las actuaciones de los jóvenes que interpretan a cada miembro de los grupos (de los que resalta el hijo de Ice Cube interpretando a su padre) La película tuvo un buen recibimiento, y la verdad no es para menos, es de esas películas que te hacen querer replicar lo que acabas de ver, y con esto no me refiero a que te pones a rapear cuando la película acaba, o bueno, eso también jaja.

La música es correcta, la critica esta bien dirigida y correcta, la película aunque muy larga, es disfrutable, jamás se vuelve lenta o pesada, es bastante fluida, como las rimas de Ice Cube o Eazy E acompañada de los bits de Dr. Dre. (quien junto con Cube y la esposa de Eazy E producen la película y se la dedican a su fallecido amigo Eazy E)

Si esta película no la quisieron ver como yo en el cine por la temática del rap, créanme, aunque no queda de lado como tal el tema y el genero, la verdad la película es mucho mas, es muy dramática, como ya lo dije toma el problema de la discriminación muy bien, del mundo de la fama y los engaños, es una película que uno disfruta mucho y eso es sorprendente, hace que uno se haya arrepentido de no haberle dado la oportunidad en el cine.

Desde ya la pueden encontrar en Netflix.

Este es el reporte. Regresamos al estudio.

Frantz.

La película de la que les voy a escribir a continuación, la verdad es que tiene todos los elementos como para yo decir que es mi película favorita en lo que va del año.

La película en cuestión es la francesa-alemana Frantz del cineasta Frances Francois Ozon, el mismo que nos había traído ya al Tour de Cine Francés "Una Nueva Amiga", una comedia romántica la verdad bastante entretenida, aunque no muy memorable la verdad, y "En La Casa", una película dramática con aspectos en su trama que rayan en un suspenso bastante inquietante y tremendamente bien desarrollado, y que la verdad parece ser un director muy reconocido y querido en festivales por sus primeros trabajos, (incluso este año estuvo en Venecia con su mas reciente filme La Doble Amante, Incluso hace un año en el mismo festival estuvo compitiendo con Frantz)

Pero a mi me parece que con Frantz, Ozon llega a la cumbre de su lenguaje cinematográfico, o al menos de los últimos trabajos que venía presentando a últimos años, mas enfocado su cine a lo comercial como a lo artístico, porque seamos claros, no todas las películas de festival van encaminadas a lo que los estándares comerciales piden, pues para mi gusto con esta película Ozon puede presumir de tener una magnifica obra de arte que bien podría disfrutar cualquier persona que quiera ver una película diferente a lo que ve siempre en el cine.

La trama se desarrolla en un pequeño pueblo alemán llamado Quedlingburg, (gran parte de la película en realidad se habla en alemán) poco después de la Primera Guerra Mundial, en este lugar una chica llamada Anna lleva todos los días flores a la tumba de su difunto prometido llamado Frantz, el cual ni siquiera esta enterrado ahí. Una mañana, cuando empieza todo, nota que alguien mas ha dejado en la tumba rosas blancas, la joven pregunta al cuidador del cementerio y este le dice que las ha dejado un joven, por las monedas que este le da, los dos deducen que es un soldado francés, a lo cual el cuidador escupe. Y después de dos días, este joven se presenta en casa de los padres de Frantz, pero el papá no lo recibe con la mejor de las disposiciones, pues para el todos los soldados franceses son culpables de la muerte de su hijo, entonces este se va, pero Anna, con ayuda de la madre de Frantz, hace que el joven vuelva a la casa, y entonces es que escuchan su historia, y uno creería que la amistad que el decía tener con Frantz, en realidad es otra cosa, y si es otra cosa, pero no la que uno creería, créanme. Adrien, el francés, al decirle después a Anna la verdad poco antes de irse a París, se da cuenta que no era tan diferente a Frantz. Frantz, no es la película que uno esperaba ver, y eso créanme en verdad, lo digo en el mejor sentido de la palabra, para bien.

En una industria donde todo parece ya ser predecible, donde a veces uno piensa que en el cine comercial ya se han agotado los recursos y siempre es lo mismo, los franceses siempre traen aire fresco al cine y hacen que uno vuelva a enamorarse y tener esperanza en este arte. Para empezar la fotografía de la película en blanco y negro, en verdad mas que privilegiada y maravillosa, uno no hace mas que fascinarse con estas películas en este siglo, en ratos en color (la verdad no entendí muy bien el porque de aveces el color volvía a la película, o quizá si, pero prefiero que ustedes saquen sus conclusiones y lo descubran) una película de detalles, pero no minuciosos, no muy enfocados o de close-ups a la americana, como si los encontramos en Blade Runner 2049, no; estos detalles son un deleite, están en el sonido, en las miradas, detalles que no opacan ni sobresalen a la película, suman, aun sin darlos por hecho, o darles la importancia, la importancia es el conjunto al final. De las actuaciones no puedo decir que son mas que impecables, sobre todo la de Paula Beer, aunque también Pierre Niney esta mas que correcto, y también a destacar al actor Ernst Stötzner como el doctor Hans Hoffmeister, quien hace a un lado su odio por los franceses para acoger al joven amigo de su hijo que lo vuelve a la vida con su sola presencia y con hacer de nuevo tocar su violín, y además una escena que tiene en particular al hacer una crítica sobre quien mata en realidad a los hijos perdidos en la guerra, pero no quiero hacerles spoilers innecesarios. Y es que sin duda, aunque como ya lo dije, la industria hoy día parece, en algunos géneros, solo seguir el molde, las reglas, y los mismos clichés (los dramas y el género romántico son los que mas sufren en este aspecto) la tendencia hoy día es que al final los estelares no terminen juntos, pero incluso eso los franceses lo hacen con clase, con gracia, no caen en el cliché, aunque la situación en si sea un cliché, y eso es digno de reconocerle al director.

Otra cosa que sin duda alguna hay que darle su merito al director es que aunque la película casi dura dos horas, la película todo el tiempo es liviana disfrutable, aunque la trama transcurre lento, se toma su tiempo, es muy densa, no siente uno eso, algunas escenas son muy largas, con largas escenas de pláticas, diálogos, monólogos, silencios, pero en ningún momento uno siente forzado estos recursos, todo tiene una razón de ser, todo esta al servicio de la película, una muestra mas de que así la película sea una mera anécdota, si se sabe contar bien, puede llegar a ser una de las mejores películas del año.

Esta película nos trae como reflexión que a veces mentimos para traer paz y menos dolor a los que amamos, aun así no los hayamos conocido, o los conozcamos de toda la vida.

Y aunque como lo dije al principio, esta película tiene todos los elementos como para yo considerarla mi película favorita del año, blanco y negro, francesa, larga, silenciosa, densa, bien estructurada, sin escenas de sexo; la verdad es que yo dudo que este año llegue alguna película a sacar a Paterson de ese puesto de honor.

Este es el reporte. Regresamos al estudio.

La película tiene algunas algunas muy buenas frases a las cuales no hay que perderles de vista, y aunque no hay muchas escenas muy divertidas, por la historia como tal, hay una que si me saco una gran sonrisa.

Frantz es mi única herida

El Suicida de Manet, pintura que tiene gran relevancia en la película. Creo que se asocia con el hecho de que la muerte de un personaje de la película en realidad fue mas que nada un suicidio, por eso al final se ofrece el perdón.

Amantes de 5 a 7: Cine americano a la francesa bastante agradable.

Amantes de 5 a 7 es una película del año 2015 protagonizada por AntonYelchin y Bérénice Marlohe, completando el reparto Olivia Thirlby, Glenn Close, el gran actor Frank Langella y Lambert Wilson de quien hace poco hablamos en La Odisea.

La película esta escrita y dirigida por Victor Levin (su primera película después de dirigir varias cosas para televisión) y es una película de romántica que nos cuenta como la vida de Brian Bloom, un joven escritor neoyorquino, el cual parece su pasatiempo favorito es coleccionar las cartas de rechazo de editoriales las cuales no lo quieren publicar, cambia radicalmente su suerte cuando conoce a Arielle, una flamante y hermosa mujer francesa, la cual es algunos años mayor que él y que se encuentran por azares de la casualidad un día en la acera de una de las calles de Nueva York fumando, se acerca a ella y empiezan a platicar sobre "todo y nada" como me gusta llamar a mi a este tipo de situaciones, entonces Arielle le dice que si quiere volver a platicar con ella puede encontrarla en el mismo sitio el próximo viernes, entonces Brian por supuesto que la mira en el mismo sitio el viernes siguiente, se empiezan a conocer y la atracción entre los dos es evidente, entonces Arielle le propone visitar un museo la próxima vez que se vean, y mientras platican de "todo y nada" ella le dice que siente algo por él a pesar de que le confiesa que esta casada con un diplomático francés muy reconocido en la ciudad, entonces ella le propone que sean amantes, que se pueden ver todos los días de 5 a 7 sin excepción de horarios, a lo que Brian duda, pues él al ser educado por una pareja de judíos casados y fieles creyentes del matrimonio, ademas del hecho de vivir en E.U.A. donde esta mal visto el tema de los amantes, cosa que es muy distinta en Francia, no decide de inmediato, así que Arielle le dice que lo esperara cada viernes hasta que se decida a las afueras del hotel donde se conocieron y va a desayunar, entonces, después de tres viernes, Brian se decide a ir por ella, sin poder resistirse a los encantos de aquella bella francesa (sinceramente quien podría) y entonces el juego se vuelve en un completo aprender el uno del otro, ella le ayuda a él a creer en lo que escribe y a través de su marido, Valery, a quien le cae muy bien Brian, pues sabe que desde su llegada a la vida de Arielle ella es mucho mas feliz, y quien también tiene una joven amante de la edad de Brian llamada Jane la cual le ayuda a que su jefe lo publique y se convierte en su editora personal y amiga confidente, pero no nos adelantemos. Entonces Brian le ayuda a Arielle a descubrir cosas sobre ella y sus pequeños hijos y ciertas costumbres americanas en la cama de las cuales ella queda fascinada. Brian le presenta sus padres y es muy cómico el encuentro, aunque la mamá de Brian quien parecía padecería mas de la decisión de su hijo termina adorando a Arielle, haciendo que Brian se pregunte si hay ser en el mundo que se resista a los encantos de su sirena, pero no es hasta que Brian rompe las reglas y le declara amor a Arielle y le pide casarse con él (error de principiante) diciéndole que no solo quiere pasarla bien con ella dos horas y sentir placer en aquella habitación de hotel, sino pasar toda la vida cuidando de ella y de sus hijos, las cosas salen mal, aunque ella acepta su propuesta, de un principio, Brian jamás llegaría a ser el escritor que logra ser en la vida, si Arielle no le hubiera roto el corazón con todo el amor del mundo.

La película no se las voy a vender como una joya, porque no deja de ser una comedia romántica americana, pero la verdad tiene cosas y lapsos muy agradables, el par de actores franceses me parece le dan un plus a la película y están correctos y perfectos en sus papeles, uno les cree y están enteramente bien en sus actuaciones. Cómica a ratos, pero bien desarrollada esa comedia, (nada estúpida como en películas como Love Rosie de la cual pronto hablaré y no para bien les digo desde ahora) empática y bien llevada por el director, hay en partes, y por eso digo que es cine americano a la francesa agradable, que los encuadres y el manejo de la cámara da ciertos pestañeos a comedias románticas del país europeo, acompaña a estos lapsos una congruencia con las situaciones (ya sea dramáticas o no) que realmente nos hace ver que el director estudio y se clavó bien a la hora de escribir su guión para dejarlo pulido y sin duda se nota a leguas que le gusta el cine francés. La música también muy francesa hace que la película ensamble aun mas, también hace su parte para que las cosas en la película tengan una razón de ser, para que haya congruencia en el desarrollo de la historia y del relato. El reparto americano también bastante bien atinado, que les digo, una película entretenida, nada empalagosa ni pegajosa, ni tonta ni mediocre (Love Rosie, cof) y lo mas agradable de la película y por lo que uno agradece es que no es pretenciosa, no intenta hacernos cambiar nuestra postura si esta bien o no tener amantes, no hay lecciones de moral ni nada de eso, es solo contar una historia diferente de amor a través de esta situación de amantes con aprobación de la pareja bien contada, es una buena comedia romántica bastante equilibrada, ni mas comedia, ni mas romántica, y ni tan comedia, ni tan romántica, y me supongo esto se debe mucho a que el director la escribió, si hubiera sido escrita por alguien mas, o dirigida por alguien que no hizo la historia, probablemente hubiera caído en cliché tras cliché, y no estaríamos hablando tan bien de ella, una historia romántica desarrollada de manera lineal para bien. De modo que sin ser una joya, se las recomiendo si quieren ver una película en Netflix (donde la pueden encontrar) para estar con su pareja, si es que la tienen, y si no, pues también la pueden ver solos, seguro la van a disfrutar.

Parte del elenco, de izquierda a derecha:
Anton Yelchin (Brian) - Bérénice Marlohe (Arielle) - Olivia Thirlby (Jane)