Micro-críticas: Cine mexicano. (IV)

Azul Intangible.

Primer largometraje documental de la directora Erendira Valle que a modo de especie de road-movie, pero en el mar sobre un barco llamado sand-man, va documentando y recopilando imágenes y sonidos de los grandes gigantes de nuestros océanos, por la preocupación propia de la directora y su equipo por la problemática que ya a principios de esta década era bastante preocupante en nuestros océanos y el riesgo que corrían las especies que vivían en este por la contaminación, muchos de estos animales en peligro de extinción muy latente.

Con una narración hecha por la propia directora en la que se nota cierto matiz personal, que desde un principio hace hincapié en la importancia que tienen los mares y océanos para la estabilidad ambiental en las ciudades, y más importante, la marca personal que pueden crear en la persona de uno, este documental además de los atributos sonoros y narrativos que puede tener, es un claro ejemplo que menos es más, pero que si esta premisa no se efectúa eficientemente, puede ser un arma de doble filo, Erendira Valle lo comprende perfectamente, y al estar segura de lo que quiere decir y plasmar en su documento, hace que todo lo que vemos sea maravilloso y rico no sólo visualmente, sale bien librada y crea un documental extraordinario. Un documental del cual hace mucho tiempo tenía ganas de escribir.


Oso Polar.

Laureado largometraje del director Marcelo Tobar que ganó muchos premios en numerosos festivales y que llamó la atención, y la sigue llamando por haber sido hecho con teléfonos celulares iphone, es una película en la que convergen muchos conceptos que buscan unir fragmentos de la vida de una persona, y justificar conductas que en nuestra niñez y nuestra adolescencia pueden parecer normales, pero que en realidad son tóxicas y que uno no sabe de que manera pueden repercutir en las personas sobre las que descargamos este veneno que no es heredado ya sea por una mala educación, el reflejo de las conductas de nuestros padres, pero que responde a la premisa de que si "todos somos verdugos de alguien", tarde o temprano todos pagamos.

Otro efectivo road-movie de manera nada convencional en su concepción, no por la forma en que está filmado, o no sólo por eso, sino por la narrativa con la que cuenta; estalla, revive y trata de exponer la naturaleza de sus personajes opresivos y oprimidos por sus pecados del pasado y su nada privilegiado presente, justificar el hecho del abuso que gestaban sobre la figura de nuestro protagónico, Heriberto, quien pareciera ve todo en la distancia como juegos de niños, por la nostalgia que le crea esto, y los demás golpes que la vida le dio, pero no todo es lo que parece al final, unos se eximen de su pasado  con solo pedir perdón por los errores, otros si que deben pagar por no curar sus viejas manías de burlarse del otro por no poder curar sus propios demonios.


La hora de la siesta.

Documental del 2014 de la directora sonorense Carolina Platt, en el cual narra la vida de las familias de 2 de los 49 niños que murieron en la guardería ABC en Sonora en el año 2009 a raíz de dicho accidente, como su vida se transforma de tal grado de no volver a ser como era antes a ese día.

Dentro de las cosas valiosas en el trabajo de Carolina Platt es que enfoca toda su atención, trato y discurso a la vida de estas dos familias, la primera, es de un papá que pierde a su niña y cómo luego de estar en la lucha por buscar justicia este encuentra en la figura de su hijastra el deseo de ser otra vez el papá de una niña, y como se siente un duelo en él por no desplazar el recuerdo de lo que perdió aquél fatídico día. La segunda familia, se enfoca en la figura de la madre que luego de la perdida de su pequeño cae en una depresión muy fuerte de la cual tiene que someterse a muchas terapias y estadías en centro de ayuda para superar el trauma, y como esto también afecta e involucra sus otros dos hijos y su pareja, que es quien toma el papel de la mamá en esos momentos.

La directora hace un poema con su documental visualmente hablando, no vuelve nunca el discurso de este en un panfleto común de denuncia contra culpables, sino que hace de la manera más sutil y emotiva, que uno entienda lo de una manera real lo que las familias de quien pierde a un ser querido en un evento como este a causa de la negligencia de los responsables que todos conocemos, sufren.

Documental más que imprescindible para quien quiere conocer los alcances del documental como formación cultural, para quien piensa que los documentales no son necesarios, para quien quiera ver la realidad a detalle, ver esas cosas a las que deberíamos de poner atención.


Lupe bajo el sol.

Película que si bien es una ficción, tiene ciertos tintes de documental que no se puede sacar de encima su director, el hasta ese momento documentalista Rodrigo Reyes. En este hace una exploración a la vida y rutina de un jornalero migrante que ya a su avanzada edad empieza a sentir los estragos de su salud física y mental por la vida rutinaria que se lleva en soledad.

Lo interesante y realmente valioso de esta película es el hecho de que su director hace a bien explorar el fenómeno de la migración desde una figura que al menos yo no recuerdo haber visto empleada: cuando el migrante se vuelve muy mayor, como esto le imposibilita de a poco hacerse cargo por si solo, como se va abandonando de a poco a los malos hábitos alimenticios, a pesar de la preocupación propia por su vida. Lo más fácil hubiera sido que el director al ser una ficción hubiera utilizado recursos para enriquecer su trama, pero es claro que el quiere recrear el efecto que tiene la soledad en un migrante de esa edad (el proyecto al principio buscaba ser un documental, pero por cuestión que raya más en lo personal del director, esta se modificó, además de que también un producto original se agradece, y no amañado por trucos para hacer de su trama mas interesante o "entretenida").

Todo mundo tenemos o hemos tenido un familiar inmigrante en el vecino país del norte, ya sea con papeles o indocumentado, y ahora recuerdo un texto que hace unos años compartí en el blog escrito por Christian Sida (que les dejo aquí) sobre el como las personas que viven indocumentadas en Estados Unidos, ya sea por la soledad, por la discriminación, por las largas jornadas de trabajos, o terminan muertos, o terminan presos, o terminan siendo drogadictos, al cabo que dejan a su familia sola en México, sin ser de aquí ni de allá, y esta película es un extraordinario ejercicio para preguntarnos: ¿y qué pasa cuando esa persona que antes vivía y estaba tan bien allá, un día ya no puede valerse por si sola y quiere regresar?


La casa triste.

Cortometraje de animación de la directora Sofia Carrillo del año 2013 realizado por la técnica de stop motion y que me parece es algo que al menos yo no había visto empleado tan magníficamente en el cine mexicano.

La historia que relata es la de una familia (considero es la historia de su familia) desde sus abuelos en 1927, y todo lo que tuvieron que pasar ellos y sus hijos.

Además de la manufactura impecable como ya lo he mencionado de la técnica de animación con la que plasma su historia, elementos como la música, como utiliza los juguetes para imprimirles con su estática expresión, un valor narrativo y emocional diferentemente tratado como todo el mundo lo conoce, es uno de esos proyectos que deberían de mostrarse incluso en escuelas. Un extraordinario trabajo al cual no es difícil encontrarle atributos y tomarle cariño.


Los reyes del pueblo que no existe.

Largometraje documental de la directora Betzabé García que documenta la vida de las tres últimas familias (y un burro que luego tiene cierto protagonismo) que viven en uno de los pueblos que fueron inundados por el cauce de la presa Picachos en el estado de Sinaloa, de donde sacaron a las familias del lugar para reubicarlas en lugares donde no cuentan con los servicios básicos para vivir. Además del hecho de que tienen que vivir atrapados la mayoría del año en la que no pueden salir del lugar sino es con lancha, tienen que sortear con problemas como la inseguridad que se vive en esta zona del país al quedar abandonados. Una familia que no se quiere ir porque en ese lugar tienen su patrimonio, como lo es su tortillería, además de una promesa que hicieron de cuidar la capilla del lugar, la otra son un par de ancianos y su hijo que no se pueden ir, y la otra una pareja también de señores mayores que dicen tener en ese lugar todo lo que necesitan para vivir ahí hasta el día de su muerte.

El valor visual que tiene este trabajo es extraordinario, pocos documentales he visto con una técnica tan limpia en su fotografía, y la narrativa es impecable.

Desde ya es uno de mis documentales mexicanos favoritos, y más directos en su crítica. Interesante complementar la vista de este documental con el corto Unsilenced - Atilano.


Intimidades de Shakespeare y Victor Hugo.

Extraordinario documental de la directora Yulene Olaizola en la que cuenta la relación que tuvo su abuela con un peculiar joven que vivió en su casa durante 8 años. Al principio el documental lleva cierto ritmo y forma en el que parece nos narran la vida de un joven con cierto talento nato, pero conforme avanza la trama el discurso del mismo se va transformando de manera muy impecable llevándonos a un punto en el que tanto el documental como ninguno de los personajes de la vida real que vemos retratados, (al menos los protagónicos) son los que en un principio pensábamos. Un documental que aborda cuestiones sobre el pasado que no queremos revelar, un interrogador que no cuestiona, pero que muestra como lo que el otro jamás confiesa, el otro deduce. Una edición magnífica, que de alguna manera juega con la narrativa del documental, y que es un claro ejercicio y ejemplo que se puede contar una historia de manera original y diferente, incluso con las deficiencias que pudieran presentarse por no tener el equipo más sofisticado de realización.


La nuca desnuda de Olivia.

Cortometraje de ficción de la cineasta duranguense Deniss Barreto que desde una perspectiva muy femenina, pero de naturalidad desbordante, nos muestra un coming-of-age de una adolescente que siente cierta atracción sin saber de que tipo por su vecina mayor que ella, pero también muy joven llamada Olivia. Una tarde Olivia la invita a caminar junto a ella, es estando junto a ella, adentrándose un poco más cerca de su mundo o la visión que hasta entonces ella tenía sobre la chica a la que no dejaba de mirar, que se produce cierto despertar en ella, un despertar que se alimenta de silencios que son llenados por nuestro propio despertar y pensamientos, o los recuerdos que pueden ser evocados por nuestros recuerdos de esa época de juventud.

Una muestra de como en un lapso de diez minutos uno puede ver cierta exploración a la naturaleza de las relaciones entre dos personas indiferentemente del sexo que estas sean, un cortometraje lleno de detalles que desbordan y que se sienten muy naturales en su entorno y elemento.

Trabajo con el que tuvo una de sus primeras proyecciones con público nada más y nada menos que en el Festival Internacional de Cine de Morelia, Deniss quizá sea de las promesas jóvenes en Durango que mediante un lenguaje muy propio, y una linea argumental que me hace evocar a los trabajos de la extraordinaria Sofia Coppola, logra plasmar una esencia en sus trabajos que no hacen más que enaltecer la figura femenina como ya lo dije, de manera natural y no llevando el discurso a una zona forzada, o políticamente correcta.

Disco De Oro de Little Jesus.

Disco De Oro es el material discográfico más reciente de los oriundos de la Ciudad de México: Little Jesus.

Muy alejado del estilo musical de sus dos anteriores trabajos discográficos, o quizá no tanto, denotan cierta evolución en su música, con el mayor empleo de sintetizadores y no todo enfocado en el poder de las guitarras eléctricas, y las letras tienen algo de trabajo en conjunto con las melodías más depurado, se siente que hay un esfuerzo en encontrar las palabras correctas, y no con eso trato de decir que en los pasados no se notara un trabajo en las letras, es más que en los discos pasados había algo en las canciones que uno hacía creer que eran canciones con las que tenían mucho tiempo, se sentía que eran canciones que conocían muy bien, que las habían trabajado por años, en este nuevo disco, se siente todo muy nuevo, pero no por eso se siente como un trabajo apresurado.

Hasta la primera mitad del año en curso puedo decir que este es mi disco favorito (aún no puedo decir que de todo el año, faltan varios meses, y con estos el nuevo disco de The Lumineers, el cual espero con muchas ansias) a pesar que desde mi perspectiva no es un disco perfecto, me explico.

Hay un montón de razones que para mi lo hacen un disco entrañable, más allá de las otrariedades que ya mencioné en cuanto a sus trabajos anteriores (que en entrevistas los Little hacen entre ver, y no es que sea un secreto ni nada, todos sus materiales hasta ahora, La Trilogía del Alien como muchos la llaman, se conectan de alguna manera, más allá de lo del alien) para empezar las referencias obvias que hace a cosas de los noventa son clave para que todos los que siendo niños o jóvenes en los 80's y 90's lo sintamos cercano, nuestro; desde la música, referencias musicales, sus videoclips, sus referencias cinematográficas, y lo que ha mi más poderosamente me ha llamado la atención: como mezclando andanzas personales de los integrantes de la banda, hacen un paralelismo con las aventuras narradas en el libro Los Detectives Salvajes de Roberto Bolaño, un libro que empecé a leer luego de la publicación del segundo sencillo del disco Fuera de Lugar, que hacen referencias muy sutiles a situaciones, la identidad de los dos personajes principales de la novela, y sus viajes, como lo es en canciones como la ya mencionada, Gracias Por Nada, En Otro Planeta, Los Ángeles California, y Un Plan Espectacular. La nostalgia de la juventud y nuestras tardes con los amigos son más remitidas en sus videoclips que en las canciones, bien claro está en los tres publicados hasta el momento: Los Años Maravillosos, Fuera de Lugar (quien no recuerda esas retas de futból en los llaneros en el interior) y Disco de Oro, pero una de las canciones más nostalgia remite es la llamada Ahí Te Ves, aparte de la de Los Años Maravillosos en su letra, de la cual ya escribí algo por acá. Las referencias cinematográficas de la banda se hacen presentes no sólo en las letras de varias de las canciones, sino también en los títulos de algunas: Duro de Matar, Cine de Permanencia Voluntaria, y Volver al Futuro, que tocado el tema de esta canción pasamos a la parte no tan buena del disco.

Como ya lo dije, si por una parte, el disco denota una evolución en cuanto al rock puro que manejaron sobretodo en su primer material con influencias post-punk y de rock clásico, en este con la integración de los sintetizadores, y la clara intención de alcanzar más público y acceder al mercado de masas al que someten todas las grandes productoras de música a sus firmantes, con esta "evolución" vino un retroceso, o más que un retroceso, la inclusión de los Jesus a la hoy llamada música urbana. Canciones como Disco de Oro, y la antes mencionada Volver al Futuro, si bien hay algo en la letra de estas que une de cierta manera su argumento a ciertas lineas de las otras canciones del disco, la música raya más allá de lo permitido a mi parecer de saber si estás en una calidad a la par del material completo, o de las demás canciones, o acorde a lo que es el disco, o no; se arriesgaron, a mi parecer no salen tan bien librados, para algunos otros tal vez si, pero igual es algo que se entiende, y se respeta.

Otra peculiaridad son las referencias que se hacen a las iniciales del nombre DDO, que hacen referencias a frases como: dedo, denominación de origen, días de ocio, dos de oreja, etc.

Para terminar menciono referencias musicales de los Jesus en el material, por un lado están las obvias como a Radiohead, o a su grupo cercano de amigos en el indie-rock mexicano, como la que hacen a Los Románticos de Zacatecas, no sólo en sus videos, sino también en sus canciones.

Y haciendo referencia y homenaje al recién fallecido maestro Armando Ramírez me despido diciendo: "échenle una oída a la nueva sangre del indie-rock-contemporáneo mexica, pues total, que tanto es, tantitiiiito".

Dolor y gloria.

 Antes de empezar a escribir el análisis de esta película pensaba en posibles nombres para el mismo, pero se me habían ocurrido tantos, y muy buenos, que al final desistí y opté por poner sólo el título de la película, que cabe aclarar que quizá sea el mejor film de Almodóvar en lo que va de la década.

No profundizaré mucho en la trama de la película porque considero que, además de que es una película que en muchas partes aun no se estrena, y probablemente no vaya a tener estreno comercial por el problema que tienen los complejos de distribución en México, y que constantemente hemos venido recalcando; sin lugar a dudas muchos de los que lean este texto querrán verla sin que se les revele algo sobre la trama ya que la puedan ver en algún espacio alternativo, o en algún canal de streaming. Además, considero que esta película se tiene que ver sin saber nada, con el gozo de verla y entrar en su juego, porque como dijo un buen amigo, es de esas películas que a uno le reafirman el amor por la cinefília.

Lo que es evidente y que todo mundo sabe de la trama de la película, es que va sobre un director de cine que se encuentra en una especie de retiro o bloqueo por los males que lo aquejan tanto física como emocionalmente, pero luego de que va desenterrando y sanando algunas relaciones de su pasado, en torno a su trabajo, a su vida personal, a su infancia, algunas de manera poco ortodoxas, el director encuentra una vez más el sentido de la vida y la fortaleza para hacer lo que más ama, lo único que sabe hacer, que es escribir y filmar.

Otra cosa que es evidente a los ojos de cualquier espectador que conozca un poco o mucho de la filmografía e historia de Almodóvar, es que seguramente es su trabajo más personal y sin lugar a dudas tiene muchos matices de autobiográficos. Cuestiones como sus películas, su amor y acercamiento al arte más que al cine en particular, sus actores, (es increíble ver a Cecilia Roth al principio de la cinta, justo después de ese increíble inicio) sus relaciones, sus primeros trabajos, sus viajes, su ciudad; están presentes, a la par de la ficción que figura alrededor del director, como el como sus experiencias y las personas que lo marcaron van formando lo que escribe, y lo que escribe a su vez va formando lo que él vive ahora, lo cual nos puede hablar un poco de como el creador de alguna manera debe experimentar lo que está creando. Antonio Banderas representando al alter ego de Almodóvar sin lugar a dudas firma su mejor actuación en muchísimo tiempo, y le da un gran parecido tanto en el peinado como en su personalidad. Otra cuestión personal que está muy presente y en la que se mueve mucho la trama de la película, es la relación que tenía con su madre, y como este la piensa y la recrea, en la cual no profundizaré para no arruinarles la experiencia al verla, pero que si es muy significativa, y en verdad que agasajo es ver a Penélope Cruz actuar en las películas de Almodóvar. La forma en como a raíz de detalles de su vida en el presente, ya sea estando lúcido, o en sus sueños, el personaje del director rememora los recuerdos de su infancia, (pasajes claramente influenciados por el neorrealismo italiano) es excelsa. Entre las pocas cosas que luego mientras la veía me producían un poco de ruido, era como había huecos muy grandes en el argumento de su infancia, y como estas cosas no se presentaban de manera cronológica, pero a medida que la película avanza uno se da cuenta que simplemente hay una razón para ello, es lo que tiene que estar, ni más, ni menos. Y la que quizá me hacía aún más ruido era el color de los ojos de su madre, pero al final todo está perfectamente justificado, se nos da un giro de tuerca que no hace más que hacernos comprender y confirmar el gran director que es Almodóvar, y que de alguna manera si uno pusiera atención a todos los detalles que nos da la película, desde el inicio ya se podía leer. Ese final es de esos finales que no muy fácilmente se olvidan.

Otra cosa que es casi orgásmica para el que disfruta las películas de Almodóvar, es la escenografía y todo lo referente al diseño de producción, la paleta de colores siempre tan distintiva en Almodóvar, ¡vamos! Que es que no hay un director en el cine que utilice el color rojo tan increíblemente como lo hace Almodóvar, comentábamos los asistentes de la proyección en la que tuvimos el justo y placer de asistir. (Quizá Kar-Wai sea el que quizá le compita en eso, pero en el cine de Almodóvar es más constante en todas sus películas, en Kar-Wai no es en todas sus películas)

La música de igual manera es un agasajo, a cargo del siempre leal Alberto Iglesias, todos los actores están extraordinarios, quizá resaltar el trabajo de Asier Etxeandia, quien en determinada parte de la película lleva un peso dramático y emocional del cual sale de la pantalla y nos empapa de toda esa emoción. (En la cual se hace un homenaje a Chavela Vargas increíble [y un poco también al teatro, considero] aunque bueno, eso es muy común en varias películas de Almodóvar)

Por momentos muy intensa, por momentos emotiva, por muchos momentos más muy divertida, (la parte en la que explica con animación como fue su experiencia en el colegio del cual sale siendo un ignorante por su devoción al arte y como sus profesores lo apoyaban en eso, y la cuestión de sus enfermedades y males, es muy buena) es una película completamente redonda a mi parecer, sin lugar a dudas para muchos es la reina sin corona del pasado Festival de Cannes, en la cual sólo se llevó el premio a Mejor Actor para Antonio Banderas, quizá también premiando por medio de éste a la figura de Pedro Almodóvar.

Sin duda desde ya es una clara ingresada a la lista de mis películas favoritas del año, y con un puesto muy honroso. Quizá sea la película que mejor le hace también un tributo al cine como tal en lo que va de la década, y eso me hace recordar a películas como 8 1/2 de Federico Fellini, y también a Cinema Paradiso de Giuseppe Tornatore, que también comprenden un poco ficción con un poco de autobiográficas, que juntan al director con su historia y su amor al cine reflejado en cine.

Frases de drexler.

En tren con destino errado se va mas lento que andando a pie.


Hay quien dice que el camino te enseña cosas, yo no lo sé.


No hay tiempo perdido peor que el perdido en añorar.


Conozco esa carretera como a tu cuerpo en la oscuridad, porque sólo conozco deberás lo que una vez tuve que añorar.

Añoro esa lejanía como a mi propia felicidad, aunque a veces se añora en la vida algo que nunca llegó a pasar.


Por la misma senda que el amor abrió la pena camina.


Pero el tiempo pasa y el dolor también te enseña el camino.


La guerra y la vanidad comen en la misma mesa.


A mi me basta con una de tus miradas.

Siento que no tengo nada cuando no tengo tus besos.


Todo dura nada.


¿Quién quiere estar girando por siempre mirando su ombligo?


¿Qué habré hecho yo de bueno para que la vida crea que yo te merecía?


Este es tu sitio, esta es tu taza de café. No digas nada, dices con la mirada más de lo que crees.

No creo en la eternidad de las peleas, ni en las recetas de la felicidad.


Yo llevo tu sonrisa como bandera.


No es la luz, lo que importa en verdad son los 12 segundos de oscuridad.


De poco le sirve al navegante que no sepa esperar.


Pie detrás de pie, no hay otra manera de caminar.


Todas las versiones encuentran sitio en mi mesa.


No quiero que lleves de mi nada que no te marque, el tiempo dirá si al final nos valió lo dolido. Perderme por lo que yo vi, te rejuvenece.

Cuanto te quise, quizá, seguirás sin saberlo.


La fidelidad, brumosa palabra.


Tantos planes, tantos planes vueltos espuma. Tú por ejemplo tan a tiempo y tan, inoportuna.


Que raro que seas tú quien me acompañe, soledad. A mi que nunca supe bien como estar solo.


Las lagrimas van al cielo y vuelven a tus ojos desde el mar. El tiempo se va, se va y no vuelve.


Y aunque parezca mentira, tu corazón va a sanar, va a sanar y va a volver a quebrarse, mientras le toque pulsar.

Y nadie nace sabiendo que morir también es ley de vida.


Todas las horas, todos los besos, cada recuerdo que fuimos echando en el fuego. Un día tal vez darán calor.


Y esta canción que se disipa en el viento, como señales de humo, busca un cielo en que la leas tú.


Ya hacíamos música muchísimo antes de conocer la agricultura.


No tenemos pertenencias, sino equipaje.

De ningún lado del todo y de todos lados un poco.


Buscábamos oxigeno, encontramos sueños.


Si quieres que algo se muera, déjalo quieto.


Aunque todos creen que han inventado algo, siguen siendo las mismas las canciones.


Bésame ahora antes que diga algo completamente inadecuado.

Prefiero una noche entera en vela a tener el alma en vilo.


Prefiero lamer después mis heridas a que tu amor pierda filo.


El tiempo que todo lo cura, también todo lo derrite.


Aprendimos a abrigarnos midiéndonos con el hielo. y le fuimos dando nombres, dijimos: piedra de cielo. Y el planeta tiritó siete mil generaciones, pasando del agua al hielo y del frío a las canciones.


Soy un pescador de sueños, soy un catador de auroras, no cuento más que con mi empeño y esta pluma voladora.


Dejando en la hoja en blanco, cicatrices que el tiempo imprime.

Actrices mexicanas: antes y ahora

http://www.imdb.com/list/ls024889177/