In the dusk / Hygiene sociale

 

In the dusk - Sharunas Bartas

La película recrea y narra las pericias con las que tiene que lidiar el pueblo lituano durante la ocupación soviética en la Segunda Guerra Mundial, que vive en pobreza por tener que dar dinero a los soldados invasores. Todo el escenario bélico en un principio sólo se siente en la atmósfera, es un contexto que no se ve, pero del que se oye mientras vemos platicar al joven Unte y su padre Jurgis, quienes ayudan a los partisanos que luchan en resistencia defendiendo a su país. Unte, que pareciera querer hacer más, es más como la mirada de lo que registra la cámara, sin tener tanta presencia en un principio, al igual que la guerra, es una persona que entra a casa de sus vecinos para ver al hombre de la casa muerto, o ver a su padre llorar por el hecho que hizo que su esposa lo odiara de por vida, o ver a su propio padre besarse con la mujer que trabaja en su casa, o ver llegar e irse a los partisanos. La figura de Unte es tan poco influyente, que vemos incluso en su rostro una especie de apatía, sin sentido, pero eso no se debe malinterpretar, pues me parece es la clave más que correcta que utiliza el director para no hacer que la película caiga en una clase de dramatismo molesto. Sólo al final, cuando se desvelan los vicios de la ocupación, del fantasma de la guerra, de la traición, es que Unte toma relevancia en la historia, gritando y llorando todas las desgracias de su pueblo.

Película que en términos generales me parece una buena producción, con un ritmo atinado y tiempo preciso, está bien dirigida en aspectos generales. Mención especial al actor Arvydas Dapsys y Salvijus Trepulis.

 

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Hygiene sociale - Denis Cote

"Hygiene sociale" es la película que se encargó de clausurar el FICUNAM, y es una película que en el pasado Berlinale no recabó mucho entusiasmo de la crítica internacional, pero a mí me pareció una película con cierta picardía, frescura, y por demás interesante.

La película sigue la vida de Antonin, un hombre ni tan joven ni tan viejo que parece no hacerse cargo de su vida mientras deambula entre la pesadumbre, el vacío existencial, y robando a las personas. Damos cuenta de todo ello mientras sostiene pláticas con su hermana, con su esposa, la cual lo engaña, una mujer hermosa a la que corteja, una recaudadora de impuestos, y una chica a la que roba y que parece ser el personaje que desestabiliza la puesta de Denis Cote, en director canadiense del largometraje.

Lo fresco de la puesta del realizador está en la forma, pues si bien la película daba para un largometraje interesante sobre una generación que batalla para lidiar con la realidad que significa crecer y dejar de ser un joven sin más, da una estructura en sus diálogos como si fueran de una obra teatral shakesperiana, aunado a eso el detalle de ponerlos a actuar en un campo fuera de lo ordinario, con una distancia que es parte de la estructura misma de las obras de teatro, y añadiendo a esta forma elegante de articular palabras en el teatro, con un humor que trae la picardía de la que hablaba, y adecuando cotidianidades nuestras de cada día como Facebook, Mc'Donalds, o VW, hacen que haya un contraste aún más interesante entre lo que vemos y escuchamos.

La fotografía es deslumbrante, y ver a Maxim Gaudette en una película, sea cual género que sea, siempre es garantía. Uno de los mejores actores canadienses de su generación, a mi parecer.

499

Con "499", me parece que Rodrigo Reyes firma su mejor película al momento.

Rodrigo, quien es un reconocido director que ha incursionado tanto en el documental (Purgatorio: viaje al corazón de la frontera) como en la ficción (Lupe bajo el sol) crea con su más reciente película una especie de hibrido, en el que un personaje ficticio, como lo es un conquistador español que regresa 499 años después a costas veracruzanas, juega como un hilo conductor en un viaje que nos relata los testimonios verídicos de los problemas que vive nuestro país desde hace años. En este viaje lleno de rostros reales y cercanos, el conquistador revive y repasa los actos barbáricos que los españoles perpetraron contra el pueblo azteca, pero en ese contexto, el trabajo de Rodrigo no se vuelve indulgente, ya que también da testimonio a través del personaje del conquistador, como los aztecas también ejercían el yugo de su poder ante otro pueblos indígenas menores que ellos. La narración de estos actos del pasado por supuesto no ejecutan la función de justificar los actos que vive nuestro país hoy día, pero de alguna manera expone y muestra la impunidad con el que el crimen opera a grandes escalas y niveles, y la corrupción y muda tibieza de los gobiernos por combatirlos, sin dar una protección y justicia a quien a vivido los actos como el que vivió Fátima, víctima de uno de los últimos testimonios narrados, el cual hace que a uno le de rabia, coraje y tristeza.

Esta película es una prueba fehaciente más del gran momento que vive el documental mexicano, al ser con toda certeza de las corrientes más ricas, interesantes y propositivas del mundo.

Estanislao

"Estanislao" del director Alejandro Guzmán, es una película que retrata la llegada de Mateo a la casa de su padre en la Ciudad de México, no se nos revela mucho salvo que está para ver a su madre, y se comprende desde el primer momento en que cruza palabra con su padre, que no se llevan bien o, mejor dicho, que Mateo tiene una especie de rencor con su papá. Luego nos enteramos de la existencia de Estanislao, que no se nos dice quién es en un principio, sólo que Mateo no se lleva bien con él, pero que está de cierta manera condicionado a sanar asperezas con él si quiere ver a su madre. Rodeado de un suspenso y misterio que no suelta detalles más que a cuenta gotas, nos damos cuenta quien es Estanislao, y lo importante que será para que tanto Mateo como su padre sanen la relación entre ellos, y los rencores que tienen consigo mismos, con su pasado y su presente.

Si bien no podemos hablar de una obra completamente redonda, ya que por momentos parece que la historia como está orquestada no está del todo clara, o se embiste en enredos que pudieron desarrollarse mejor, o de manera más simple, aunque me parece que esta, la segunda película de este director, si cumple cabalmente con el cometido inicial. Hay líneas que se ve que el director ya trazó desde su ópera prima (Distancias cortas) y que continúan en esta, en un tono completamente distinto por supuesto, pero que el símil entre ambas es claro. Por ejemplo, como la historia lleva como eje central la relación entre dos personajes cercanos que de alguna manera tienen que lidiar con la convivencia y las vicisitudes que surgen en esta, las buenas, pero sobre todo las malas. La música original hecha para la película es importante y vital para que el espectador se enganche de manera correcta, y la fotografía en blanco y negro, con algunos encuadres más que interesantes (hay una escena-homenaje a Tarkovski que, sin hacer menos a la película, quizá por si sola sea lo mejor de esta) también juegan a su favor para que el grado de suspenso y misterio sea el correcto.

Pareciera que al principio, cuando se toma su tiempo para explicarnos la situación de Mateo, la criatura será una metáfora de la relación entre su padre y él, pero en la segunda parte cuando se nos empiezan a presentar las claves para entender quién es Estanislao, es que se pierde un poco la premisa, pero no dejar de haber una conexión entre el hecho de que, al expiar y confesar nuestros miedos y fracasos, y de alguna manera hacerles frente, aunque sean conocidos de toda la vida, como la sombra de un hermano del que no se tiene muchos recuerdos, es que podemos salvar nuestra el camino y nuestra vida. Quizá esa criatura, termine salvándonos, aunque en el acto tenga que morir ella.

No sabría decir a ciencia cierta por qué, pero me recordó mucho a las películas “Dónde viven los monstruos” y a la alemana “Toni Erdmann”

Ricochet

 

"Ricochet", ópera prima de Rodrigo Fiallega, me parece es de lo más destacado de AHORA MÉXICO en el Festival Internacional de Cine UNAM, aún con algunos detalles jugándole en contra, me explico.

La película nos muestra un día en la vida de Martijn, un extranjero afincado en un pueblo de Jalisco, en el cual vive con una tranquilidad aparente, tiene una hija y una esposa que ya no viven con él, pero ese día van y lo visitan y él les hace el almuerzo mientras escucha música clásica. Cuando ellas se van él queda de pasar a la casa donde están para llevarles unas cosas, se va al pueblo a comprar medicina, y cuando va de regreso a su casa se encuentra con un amigo que le invita una cerveza, luego el amigo le pide que le entregue una caja a su hija, y quedan en verse después para entregársela, y así transcurre el día en una aparente calma mientras pláticas y recuerdos vayan haciendo que ese hombre calmo reviva viejas heridas causadas tiempo atrás con la muerte de su hijo. Ya lo dice una frase por ahí: "Sólo hace falta un mal día en la vida de un buen hombre para que pierda la razón".

La historia está muy bien estructurada, se toma todo su tiempo para mostrarnos el día completo de un hombre antes de desatar su furia, hay un halo de misterio todo el tiempo el cual vamos desentramando poco a poco. Los valores técnicos son mucho, pero quizá los más destacados serían tanto la fotografía como todo el diseño de arte, un reparto por demás destacado con actuaciones realmente buenas, pero el actor protagónico sin lugar a dudas es el más, mostrándonos un personaje lleno de matices, un hombre duro pero enfermo, sin creencias pero sensible, el cual sabe que, aún con lo que puede perder al seguir su instinto de venganza, sabe que al final no tiene mucho que perder, ya no puede esperar más porque se le va la vida. La poca música que se emplea en el proyecto es de primera.

Quizá lo único que yo criticaría de la obra es que al principio los diálogos parecen forzados o, mejor dicho, mal articulados, pero es algo que me parece se corrige cuando la película avanza.

Interesante también como logra recrear como un espejo la vida como se vive en los pueblos de México, en su tratamiento uno recuerda trabajos de la época de oro del cine mexicano.

 

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ACIERTOS: #FICUNAM11

Dentro de la programación que se está llevando a cabo dentro del marco del Festival Internacional de Cine de la Universidad Nacional Autónoma de México (el valiosísimo FICUNAM, sin duda uno de los mejores festivales que tenemos en México, si no es que el más) está la sección ACIERTOS, en la cual se exhiben cortometrajes de todo el mundo realizados por estudiantes de escuelas de cine.

En esta edición del 2021, la cual se está llevando completamente ONLINE, el día 22 de marzo (el día de ayer) se exhibieron todos los cortometrajes de esta sección, con una presencia más que importante de los países de Chile y España. Acá comento brevemente los que a mí me parecieron más interesantes, ya sea por su hechura o por su profundidad, y que además cabe aclarar; la gran mayoría de estos difuminan la línea entre la ficción y el documental, acto que celebro y agradezco infinitamente.

Fuera de campo (Adriana Thomasa y Pablo Vilas, Chile, 2020, 25 min)

El trabajo de la joven y el joven chileno encuentra su mayor virtud en el retrato tan fiel y cercano que hacen de un sitio y lo que en él pasa en un día de convivencia. Muestra como convergen y conviven tanto la vida silvestre como las personas que van a practicar futbol, pero no sólo de quienes practican ese deporte, sino también los que acompañan a los jugadores, los que van a verlo por diversión, los niños que juegan para combatir el aburrimiento, los que ahí ejercen su trabajos. A la gran mayoría no les da voz, pero si les dan reconocimiento, esos mitos y héroes anónimos de barrio, ahí también es muy certero este trabajo.

Lo que nos queda (Yudiel Landa, México, 2019, 19 min). Arte7

En este cortometraje el realizador empieza planteándonos un acontecimiento ocurrido en el poblado de Nueva Italia, Michoacán; el cual se hace que el espectador quede enganchado de inmediato con su trabajo, en este pequeño pueblo, hace unos años les incendiaron la sala de cine que tenía. Los testimonios registrados en voz en off mientras vemos vestigios del recinto que albergaba a dicho templo, nos empiezan a narrar lo que era poder tener un cine en esos lugar, muchos hablan de su amor por el cine, otros de cómo este fungía como su único oasis ante la inclemencia y la miseria del lugar, pero luego los testimonios se van adentrando al problema real de la comunidad, del estado, del país. Este es el tipo de trabajos a los que uno como amante del cine aprecia en demasía, y como realizador independiente, aspira hacer. El trabajo fotográfico es realmente extraordinario.

Ella i jo (Jaume Claret Muxart, España, 2020, 20 min). EQZE. Elías Querejeta Zine Eskola

Propuesta que me parece llamativa en el sentido que la historia retrata el lazo entre una madre y su hija que se dedican a la pintura, la madre vive en España, la hija en Atenas, aparentemente la hija no es tan unida a la madre, ni tiene un lazo comunicativo con ella como quizá su madre quisiera, pero basta ver las uniones entre sus trazos, así como las cosas que los diferencían, para darse cuenta, más tarde que temprano, que simplemente las formas de expresar nuestro amor son tan diversas como las formas de pintar. Un trabajo bellísimo en el que el color es muy importante y potente, el grano que le da la cinta de 16mm al trabajo de esta directora catalana, es precioso. Un trabajo sencillo, íntimo, contemplativo y lleno de hermosos silencios, nos regala un final tan hermoso, que uno queda con el pecho rebosando.

Antes del fin (Antonia Sánchez y Vicente Fres, Chile, 2020, 16 min). Instituto Profesional ARCOS

Este es uno de esos trabajos que uno creería que, las tomas que lo conforman estaban pensadas para otro tipo de trabajo, pero que los acontecimientos tan recientes que nos han afectado a todos, hicieron que naciera este trabajo. Una oda a la libertad y el libre albedrío, sin mucho tapujo, pudor o represión, y eso es valioso de apreciar y aplaudir a sus realizadores.

La hoguera (Carlos Saiz, España, 2020, 19 min). EFTI. Centro Internacional de Fotografía y Cine

Cortometraje que muestra la dura relación que llevan un joven y su padre, pues además de no vivir juntos, sufren distanciadamente el duelo por la perdida de la figura materna de la familia. En una plática que se monta de manera excepcional por parte del director, hablan de sus diferencias y de sus reproches por los errores del padre y la identidad del hijo tan contrastante con los valores éticos y sociales que tiene las personas de la generación del padre, y en esta historia tan redonda el director se basa en la vida de uno de sus mejores amigos. Al final nos habla de cómo las cosas cambian cuando se tiene un canal de comunicación, que toda relación rota se puede rezurcir con carretera, amor, familia, y algo de comprensión, como en el cine.