viernes, 19 de octubre de 2018

Directoras de cine.


Agnes Varda
Cleo de 5 a 7, La Pointe Courte, Rostros y Lugares



Claudia Sainte-Luce
Los Insólitos Peces Gato, La Caja Vacía



Melanie Laurent
Breathe, Plonger



Lynne Ramsay
Todos Hablan de Kevin, You Were Never Really Here



Isabel Coixet
Mi Vida Sin Mi, Nadie Quiere La Noche, La Librería.



Greta Gerwig
Lady Bird. (Sólo tiene en su haber una película, pero con esta y su actuación en Frances Ha, a mi ya me tiene ganado)






martes, 16 de octubre de 2018

Canciones para chicas.


Considero que la música no tiene género, es música, es arte, es para quien se refleje en la música y las letras de algo melodía o canción, aunque algunas veces ciertas letras si se podría decir por su contenido que son ya sea para hombres o para mujeres.

En esta ocasión vengo a compartirles las canciones que siendo cantadas por mujeres, con una letra para mujeres, a mi me gustan, ya sea por la música, por la letra como tal, o por algún recuerdo suscitado en la siempre mente conflictiva y llena de buenas y escasas memorias de su servidor. Así sin más, acá se las dejo. Por lo general casi todas son de artistas independientes, así que no esperen por ejemplo encontrar por acá algo de Paquita la del Barrio o Jenni Rivera.



Georgina.- Rara.
Georgina es una artista venezolana que lleva años desde una escena no underground, pero si independiente, picando piedra con su música, que desborda talento y que es de gran calidad, para que lo diga yo, debe de serlo. Muchas canciones de ella me gustan, pero esta sin duda es mi favorita, muchas de esas canciones van dirigidas al género masculino, y sus letras tratan al amor como al desamor.





Elis Paprika.- Feliz.
Elis Paprika que si pertenece a una escena más underground en la música mexicana, es también el claro ejemplo de calidad, y que los rockeros en serio de hueso colorado también tienen corazón, hacen extraordinarias canciones de amor y baladas de gran calidad, y no sólo canciones poperas del montón. Esta canción es de esas encargadas de robarme el año 2012 junto con mi novela.





Monserrat Bustamante.- Puedo Esperarte.
Antes de ser lo que hoy es, Mon Laferte ya tenía una carrera musical en su natal chile, bajo el nombre de Monserrat Bustamante, como notarán en la canción, su voz era diferente, leí por ahí que su cambio de tonalidad se debió a una enfermedad, pero la verdad no investigué mas a fondo. Lo que si puedo decir es que lejos de poner en duda su calidad hoy día, que la tiene; a pesar de su actitud lo cual a mi no me debe importar, a mi esta canción me encanta.





Paty Cantú.- Goma de Mascar.
Este si debo decir es un gusto culposo, no hay mayor comentario que hacer.





Adriana Foster.- Pienso en ti.
Si leen habitualmente mi blog, sabrán porque enlisto esta canción, si no aquí se los digo: esta canción está aquí porque hace algunos años una mujer muy especial en mi vida me la dedicó, de modo que contra el corazón no se puede ir.





Marissa Mur - Pecadora.
Marissa Mur es mexicana, muy guapa, pero sobre todo muy talentosa, es un descubrimiento para mi este año. (Además de mi crush musical del momento)





Marala - Quiero Tenerte.
Al igual que "Pienso En Ti" esta canción está aquí porque alguna vez me la dedicaron.

miércoles, 10 de octubre de 2018

Peces de ciudad.


Se peinaba a lo garçon 
La viajera que quiso enseñarme a besar 
En la gare d'austerlitz
Primavera de un amor 
Amarillo y frugal como el sol 
Del veranillo de san martín
Hay quien dice que fui yo 
El primero en olvidar
Cuando en un si bemol de jacques brel 
Conocí a mademoiselle amsterdam
En la fatua nueva york 
Da más sombra que los limoneros 
La estatua de la libertad
Pero en desolation row 
Las sirenas de los petroleros 
No dejan reír ni volar 
Y, en el coro de babel
Desafina un español
No hay más ley que la ley del tesoro 
En las minas del rey salomón
Y desafiando el oleaje 
Sin timón ni timonel
Por mis sueños va, ligero de equipaje
Sobre un cascarón de nuez
Mi corazón de viaje
Luciendo los tatuajes
De un pasado bucanero
De un velero al abordaje
De un no te quiero querer
Y cómo huir 
Cuando no quedan 
Islas para naufragar 
Al país 
Donde los sabios se retiran 
Del agravio de buscar 
Labios que sacan de quicio
Mentiras que ganan juicios 
Tan sumarios que envilecen 
El cristal de los acuarios 
De los peces de ciudad 
Que mordieron el anzuelo
Que bucean a ras del suelo
Que no merecen nadar
El dorado era un champú
La virtud unos brazos en cruz
El pecado una página web
En comala comprendí 
Que al lugar donde has sido feliz 
No debieras tratar de volver
Cuando en vuelo regular 
Pisé el cielo de madrid 
Me esperaba una recién casada 
Que no se acordaba de mí
Y desafiando el oleaje
Sin timón ni timonel
Por mis venas va, ligero de equipaje
Sobre un cascarón de nuez
Mi corazón de viaje
Luciendo los tatuajes 
De un pasado bucanero
De un velero al abordaje
De un liguero de mujer
Y cómo huir 
Cuando no quedan 
Islas para naufragar 
Al país 
Donde los sabios se retiran 
Del agravio de buscar 
Labios que sacan de quicio
Mentiras que ganan juicios
Tan sumarios que envilecen 
El cristal de los acuarios 
De los peces de ciudad 
Que perdieron las agallas 
En un banco de morralla
En una playa sin mar



domingo, 7 de octubre de 2018

El final del luto: Mogari no mori / El bosque del luto.




Una chica llamada Machiko (Machiko Ono) empieza a trabajar en un asilo de ancianos, en este lugar conoce a un anciano llamado Shigeki (Shigeki Uda) con quien tiene un contacto después de un ejercicio con el monje del lugar, luego de este encuentro su relación no empieza con el pie derecho, para después convertirse en amigos y ser esa figura que les hace falta que perdieron, ella pierde a su hijo luego que este muere por un descuido de ella, y el anciano enviuda hace 33 años, el monje le dice que es el último año que su esposa bajará a La Tierra antes de ir para siempre a la tierra del Buda. Entonces ella se convierte en la figura de su esposa, y él en la figura de su hijo, y no es luego de que ella planea un paseo para los dos, en el que tienen un accidente, ella va y pide ayuda, con la desesperación de dejar solo al viejo y perder de nuevo a alguien en su vida, cuando regresa el viejo ya no está, entonces ella empieza a buscarlo desesperadamente, entonces lo encuentra y se embarcan en un viaje que es la película, un viaje que los llevara a descubrir y comprender lo que siente el otro, y a través de esta comprensión llega el consuelo para ambos.

"¿Has disfrutado la vida?" "¿Tú también sufres?" Esta clase de preguntas se plantean mucho en la película, pues un tema muy presente es el de la muerte, el de cómo las perdidas no se superan en la soledad, que siempre necesitamos de alguien para superar las cosas.

La película es contemplativa la mayor parte del tiempo, pero no es ostentosa, artificial o pretenciosa como las producciones de altos presupuestos, es natural, es orgánica; una gran y bella fotografía, por momentos el manejo de la cámara y la edición no son tan convencionales de una película contemplativa, y supongo esto se debe a tratar de hacer un poco más dinámica la historia en ciertos puntos para que el espectador que no está acostumbrado a este tipo de películas no pierda el interés en ella. La música que realmente aparece muy poco compuesta por Masamichi Shigeno es bellísima.

Hay un par de escenas, la primera donde el viejo y la chica están persiguiéndose, y la segunda donde el viejo casi muere de frío, que son esa clase de escenas que hacen que uno ame el cine.

La dirección de la cineasta Naomi Wakase es tan imprescindible que Mogari no mori es fuente de inspiración para cineastas como un par de mexicanos muy contemporáneos, (no les diré quiénes son para que ustedes los descubran y en qué películas se ve reflejada la influencia) y me parece es una digna galardonada del Gran Premio de Cannes.

Finalizo el texto con un par de frases de la película que me gustaron demasiado:


No hay reglas formales, ya sabes.

El agua del rio que fluye constantemente, jamás regresa a su fuente.


lunes, 1 de octubre de 2018

The Florida Project.





Hace pocos días he vuelto a ver esta película después de casi un año de haberla visto en Los Cabos Film Fest, (la he vuelto a ver luego de concentrarme en los últimos días viendo películas que no pude ver el año pasado en dicho festival como Learn To Pete, Foxtrot, Western, y algunas otras que han hecho cambiar mi perspectiva y el saber que veré el mes que entra en dicho festival) y aunque sigo pensando que es una película muy sobrevalorada por los críticos, he de aceptar que me ha puesto en una postura que yo nunca me había visto sorprendido, o en una opinión contradictoria, pues precisamente en las cosas que no me gustan es en donde le encuentro sus principales virtudes.




Alguna vez escribiendo en este mismo blog sobre alguna otra película, hice una referencia sobre The Florida Project en la que decía que la película era muy repetitiva, y que para mi esa era su mayor carencia, o lo que hizo que yo no conectara con ella (mismo caso me paso con El Lobo de Wall Street) pero ahora en una segunda vista lo vi de una manera muy diferente, o tomé otra perspectiva de visión: la percepción de la niña. Y es que si suponemos que la película va de la vida de la pequeña protagonista y que en la vida de un niño, por muy mal orientada que sea su educación, para este todo será siempre un juego, y por las condiciones del hecho que todos fuimos niños, y los que somos privilegiados de acordarnos de muchos pasajes de esa etapa de vida recordamos que cuando jugábamos a algo y la pasábamos bien, queríamos repetirlo idénticamente al día siguiente, pues eso es lo que hace meritorio este recurso utilizado por Baker, quien dirige, escribe, edita y produce el filme. (Luego de la para mi mucho mejor lograda Tangerine)




En esa misma ocasión recuerdo que igual comenté que la película tenía un sin fin de valores, no sentía que fuera un completo caso perdido, entre muchas cosas las cosas que más valor tienen son las actuaciones de todo el cast (Dafoe está tremendísimo) pero si bien se ha justificado lo de la constante repetición, esto, y no quisiera comentarlo porque es lo que más apelé en su momento contra la película, hace que sea completamente justificada su larga duración.




El otro punto que me dejó muy inconforme (no inconforme, sino desconcertado) fue el desenlace de la cinta, pues en este se plantea la fragilidad de la niña, esa misma que nunca se mostró en la cinta, y esta se presenta justo cuando su mundo se viene abajo por las faltas de su madre, otra niña pero mayor de edad, y el desenlace involucra que una amiguita se la lleva del lugar donde viven para que no se la lleven las personas que quieren recogerla y se la lleva al parque de diversiones de Orlando Florida, y en su momento (la primera vista) no supe interpretarlo; pero ahora creo que el recurso es para desmitificar el mito de que se ha hecho mofa Disneyland, al ser la tierra donde todo es felicidad, eso consumen los niños, entonces al ir a ese lugar, perderse en ese sitio hará que todo lo malo en su vida desaparezca, pero siempre hay que regresar a la realidad, a esos otros lugares que muchas veces las estadísticas, los fríos números y los gobiernos quisieran que no existieran, que por arte de magia pudieran desaparecer, como en las películas infantiles. Ahí el título de la cinta también tiene relevancia, pues The Florida Project es un juego de palabras entre estas dos realidades. Por una parte al parque de diversiones de Orlando se le puso en un principio cuando se empezaba a crear "The Florida Project", así como ahora llevan este mismo nombre estos moteles donde llega la gente que hacen el viaje para conocer el parque pero que no tienen tanto dinero para hospedarse ya sea en el hotel del mismo parque o los hoteles de la zona bonita de la ciudad, llegan a estos moteles igual de precarios que las viviendas de muchos en su vida cotidiana, a la que seguro regresarán llenos de deudas. Mismos moteles que sirven como viviendas para tanta gente sin casa como Moonee y su prematura madre.





viernes, 21 de septiembre de 2018

Güeros - Alonso Ruizpalacios - Fragmento.


Perdón que hayamos venido sin avisar. Él es mi hermano Tomás, yo soy Federico, él es Santos, y Ana. Venimos, pues; pues porque mi hermano y yo te escuchábamos todo el tiempo. Porque llevo meses sin dormir, sin salir de mi casa, hasta que llegó Tomás. Pero, lo que quiero decir; el pedo es, mira; este casete era de mi jefe, me lo enseñó hace muchos años, él ya no está con nosotros, es tu música. Al principio pues yo no entendía nada, pero ahora lo entiendo, entiendo lo que dices, entiendo lo que mi papá entendió, que en la vida te vas a cruzar con un montón de pendejos que no entienden nada, que no saben ver lo que hay detrás de las cosas, del mundo sólido pues. Que no importa que pase, que siempre que tengas eso, que puedas ver lo que hay detrás de las cosas. Lo único que no te pueden quitar es ese sentimiento. Tú lo escribiste dijiste: "ese sentimiento". Pues ahora sé de que sentimiento hablas. Mi papá decía que sie l mundo era una estacion de trenes y la gente los pasajeros, los poetas no son los que van y vienen, sino los que se quedan en la estación viendo los trenes partir. Por eso lloraba mi papá cada vez que escuchaba tu voz rota, porque tú eres de los que ven los trenes partir . . . .




martes, 18 de septiembre de 2018

Under The Skin




Under The Skin es una película del 2013 dirigida por el inglés Jonathan Glazer, la premisa de la película es acerca de una mujer atractiva pero de actitud muy rara que maneja una van, va por la ciudad preguntando a personas, generalmente hombres, como llegar a ciertos lugares, estos le dan referencias y ella se ofrece a llevarlos, con algunos lo logra, con otros no, ella empieza a coquetear con ellos, y los invita a un lugar que siempre está cerca, y que nunca es el mismo, al llegar al sitio, ella ya los tiene atrapados en sus encantos, tanto así que ellos no logran comprender que ya no están en una misma dimensión, no es hasta que lleva a ese sitio a un hombre que parece no ser malo, o al menos ser diferente a los demás, y al darse cuenta el poder que tiene su atractivo, mismo por el cual no siente nada, es que trata de escapar a lo que es, pero se da cuenta que ella no puede ser un humano, es algo más, se puede saber que es, o que era, eso cada quien lo deducirá al final, lo que hace justificable todo lo que ocurre en la película, incluso su mayor problema, la identidad.

La película que bien podría ser catalogada como un híbrido entre ciencia ficción y suspense, logra todo el tiempo tenernos atrapados, hay que mencionar que el inicio de esta es sublime, digno de obra maestra como grandes grandes joyas cinematográficas como "2001: Odisea Al Espacio", "The Master", "El Sacrificio de un Ciervo Sagrado", incluso yo incluiría a "La Región Salvaje" en este caso. Y por lo general toda la primera tercera parte tiene un ritmo muy medido en tiempo y ejecución, (el manejo de la historia y como se maneja el asunto de la camioneta como si fuera uno de esos programas de Reality Show) pero es a partir de la segunda tercera parte que el ritmo empieza a decaer de a poco, y si sumamos a esto el hecho de que este ser extraño que es el personaje de Scarlett empieza a tener estas sensaciones (no sé si sea apropiado llamarlos "sentimientos") podríamos decir que no tienen fundamentos sólidos del porque habría de sentirlos. Pero alejados de ese detalle en la historia, la tensión nunca deja de sentirse a topa, siempre esperando algo, y siempre llega, siempre llega hasta el final.

Sin ser una película perfectamente escrita o justificada, no hay duda que su mayor virtud es el suspenso imprimido a lo largo de la historia, y la actuación de Scarlett es inconmensurable.











jueves, 13 de septiembre de 2018

Películas VI





1.- Un moment d'égarement. (Una semana en Córcega)
Por lo general todas las películas francesas, por muy flojitas que sean, tienen algo de encanto, es una particular de este cine, y más si hablamos de comedias, o películas de romance contemporáneas, lejos de ser el cine de vanguardia que nos dejó la Nueva Ola, pero como les digo, siempre hay decencia y encanto en sus producciones, pero en esta película por más que quise encontrarle algo valioso, simplemente no pude.
Y bueno, si tiene cosas buenas, agradables, porque no deja de ser una película francesa, cosas como el lugar donde se filma, y cómo se filma, la fotografía y la escenografía son bellísimas, pero que película hoy día no tiene eso gracias a un buen fotógrafo o un buen grupo de scouting. Yo me refiero a las cosas que le dan forma, contenido y personalidad a una película, estas cosas son de las que carece esta película.
Sin dar grandes detalles de la trama, sólo diré que trata de un par de mejores amigos que se van una semana de vacaciones a la casa donde pasó su infancia uno de ellos, ambos pasan por problemas personales, uno ya divorciado, otro en completa negación de que su relación está a punto de ir a ese paso. Ambos viajan con sus hijas, y la hija del anfitrión, que es menor de edad, siente una atracción por el amigo de su padre, y en una noche en que ambos están solos luego de que la otra chica se va con un amigo que se encuentra en el lugar, y el papá de la chica trata de ligar con otra chica. El caso es que esa noche estando tomados sucumben al deseo, entonces la chica quien cree estar enamorada de verdad, empieza a hacer una especie de chantaje sobre él para que reconozca que efectivamente él también la ama, y empiezan una serie de enredos que en realidad lo único que hacen es desenganchar al espectador de la historia, y aunque por momentos parece ondar en algo más profundo como el hecho de como llevamos las rupturas amorosas, o el peso que ejercen los problemas amorosos en los hijos al grado de hacerlos buscar relaciones en busca de la figura que está ausente, pero la película nunca tiene claro lo que quiere decirnos, ni siquiera grandes actores como Vincent Cassel o Francois Cluzet pueden salvar la mala historia.


2.- Un plan parfait (Let My Fly The Moon)
Al contrario de la pasada comentada, esta película que es una decantada comedia romántica con todos los clichés del género como tal, tan mal abusados por las películas norteamericanas.
La película va de una familia que en una cena familiar con tal de levantarle el ánimo a la jefa de la anfitriona le cuentan que en su familia predomina, si bien no una maldición, un común denominador que es el que todas las mujeres de la familia siempre se tienen que casar por segunda vez, ya sea por viudez, mala elección, u otra razón, ninguna se escapa a ese complejo, y le cuentan la historia de su hermana mayor, quien habiendo conocido al amor de su vida, y al querer formar una familia con él, pero a lo que se niega su hombre pues para poder tener hijos con ella tiene que casarse por una tradición de su familia, esta con idea de su hermana le arregla un matrimonio falso en Dinamarca, donde por ley te puedes divorciar media hora después, pero la persona que había contratado le queda mal, ella tiene que improvisar para poder casarse, entonces recurriendo a un encuentro en el avión con un hombre bastante peculiar, encuentra, lo que quizá ella no se había dado cuenta hasta días después, todo lo que le había faltado en su organizada y perfecta vida.
Y aunque he de aceptar que el primer tercio de la película es desesperante, absurdo, y en ratos tan molesto por estas cosas tan incongruentes, ya pasada "la boda" la película empieza a tomar forma, aún siguen algunos clichés, pero ya soportables, o mejor dicho, acorde a lo que la película quiere plantear, al diferencia entre esta y la pasada, es que esta película tiene muy en claro lo que quiere decir, mientras que la pasada no. Además tengo que comentar que el hecho de que la protagonista sea la actriz alemana Diane Kruger, acompañada del mayor cómico francés de hoy día como lo es Dany Boon, es un gran plus.


2.- La haine. (El Odio)
Sin duda alguna si una película define al cine francés en la década de los 90's, es esta.
Mathieu Kassovitz con su segunda película como realizador, crea y recrea fielmente el entorno suburbano que muchas veces los políticos franceses quisieran reprimir, y la historia quisiera que esta etapa en su historia no fuera recordada, recrea el problema que hubo entre la policía abiertamente opresora en ciertos sectores de París, y como se hace una metáfora del falso poder y la inocencia de los jóvenes con un revolver perdido mientras vemos un día completo de 24 horas de tres jóvenes (entre ellos un joven y descomunal Vincent Cassel) después de una noche de enfrentamientos entre policías y jóvenes que buscan justicia por un amigo de barrio caído que queda marcado en la memoria de tres jóvenes franceses, o al menos en la memoria de uno. Chicos con ideales, a veces desviados por las necesidades básicas que el estado no les da, y su estilo de vida precaria siempre en la búsqueda de autoridad fraternal, o algo parecido a esto, hace de esta película retratada con planos y secuencias en verdad innovadoras y pocas veces con esta dicción tan precisa, perfecta; original y a mi parecer jamás replicada. En blanco y negro (que muchas veces sirve para un asunto que les plantearé en la última película comentada) que años después evocaríamos con una cinta igual de impactante (bueno, igual no sé, pero si también muy impactante) como lo es Historia Americana X. Cruel, absorbente, inquietante, y muy muy necesaria.



sábado, 8 de septiembre de 2018

TEDx Jardín Velasco






Hace un par de días pude presenciar algo que jamás creí poder presenciar, un evento al cual jamás creí poder acudir, hoy quiero escribirles sobre la maravillosa experiencia que es el asistir a una charla TED.

Supongo que muchos de los que leerán este texto sabrán lo que son las charlas TED. Por sus siglas en inglés Technology, Entertainment, Design es una organización sin fines de lucro que a través de charlas, y reconocidos profesionales en varias ramas ya sea de tecnología, arte, y demás, buscan crear un cambio en la sociedad y las nuevas generaciones para mover al mundo y hacer una cadena de movilización de masas y conciencias en pro de nuestro entorno, nuestro mundo y la sociedad en la que convivimos. Abogando a esta premisa, y por lo que pude saber por las diversas entrevistas que escuché de los organizadores del TEDx Jardín Velasco acá en La Paz, ellos solicitaron el permiso para poder hacer un evento bajo la licencia y el nombre de TED de manera independiente, (de ahí la "x") y les fue permitido.

Y es que la verdad desde que yo empecé a ver que este evento se llevaría a cabo gracias a que uno de los ponentes de los que más sigo su trabajo comentó que estaría en las charlas, yo ya había decidido que acudiría, pero cuando en estas entrevistas supe el por qué, o de donde había nacido la idea de hacer un evento como este, me conmovió de sobre manera. Luego de que el año pasado, entre la gran ola de violencia que se vivía en la ciudad que vivo, hubo una gran balacera en una colonia, una maestra que estaba dando clases en una escuela muy cerca del lugar donde se situó dicho suceso, empezó a contar a sus alumnos para que se distrajeran de lo que pasaba en el exterior una historia (desconozco la historia, supongo no la contó porque no era tan relevante para el fin que quería exponer en la entrevista) y en efecto le sirvió para que sus alumnos no cayeran en ansiedad por los hechos suscitados aquel día, pero en palabras de la maestra, lo que le sorprendió a ella era que sus alumnos días después seguían preguntando detalles sobre la historia, querían saber más, a lo que llegó a la conclusión de que a todos nos gusta escuchar historias. "Es por eso que estamos aquí, porque nos gusta escuchar historias" mal parafraseando a Xavier Dolan; y yo opino que no hay motor generador de conciencias positivas que escuchar a personas hablar sobre las cosas que les apasionan, y que mejor si eres un amante de escuchar historias, incluso más que contarlas, o escribirlas.

Es así fue que Eliza Rojas, (a quien conozco sólo de vista porque algunas veces la he visto en uno de los cineclubs que frecuento) la maestra solicitó la licencia para realizar este evento en la ciudad y al ser seleccionado el evento propuesto por ella y ya con la licencia junto con un grupo de colaboradores que le ayudaron en la organización, se realizó el evento TEDx Jardín Velasco.

Los ponentes no eran sudcalifornianos célebres o famosos, más sin embargo yo considero que todos si eran unos personajes, porque todos, en cada una de las cosas que hacen son personas muy conocidas en nuestro estado, porque lo que hacen , cada uno en su ramo bien específico y más importante, han logrado que muchas personas cambien el switch en más de un aspecto en su vida, al grado de hacer que más de uno se sume en alguna de sus organizaciones, personas como Frank Aguirre que en las pasadas elecciones locales se convirtió en el candidato independiente más joven en la ciudad en contender por la diputación local de uno de los sectores más importantes de la ciudad, que aunque no ganó esto hizo que más gente lo siguiera y conociera su trabajo, ya que Frank no es ningún improvisado, como médico y promotor de sustentabilidad y movilidad vial ha hecho a través de distintas organizaciones, tanto propias como sumando a otras pequeños grandes cambios en nuestra ciudad (como la ciclovía en el malecón) o también Ixchel López quien dio un mensaje potente y necesario de la gran importancia que tiene la mujer en la sociedad y el prácticamente nulo apoyo que se les da en un sistema machista en instituciones, y las trabas que pueden llegar a poner, hacía un ejercicio en el que explicándonos el trabajo que ella a logrado hacer con apoyo de muchas mujeres más (como la campaña que empezó con una asociación civil llamada Desplastifícate la cual pretendía hacer que en el malecón de La Paz no se utilizaran popotes, productos hechos de unicel y bolsas de plástico, hizo que hace unos meses se reformara una ley local que se prohíban usar estos materiales en todo el estado) nos invitaba a imaginarnos que ellas no estuvieran, y nos preguntaba que sería entonces de todas esas cosas que ella han logrado, yo siempre he sido un creyente muy ferviente que el día que a la mujer se le dé su lugar equitativo en toda actividad que quieran realizar, nuestra sociedad a nivel mundial va a crecer enormemente para bien en integridad y valores, incluso creo que bien nos hace falta una presidenta en la república, obviamente si eso llega a pasar, será porque se lo ganó a pulso, y no porque nadie la puso le ese lugar. Y así las ponencias y pláticas sobre el arte y experiencias personales que hacían identificarnos seguramente a más de uno, gente no nacida en la ciudad que llegaba buscando su rincón en el mundo para florecer en lo que siempre habían querido ser y hacer, charlas sobre educación, fomento a la lectura, superación personal a través del deporte, ambiente, feminismo, equidad de género, y demás; hicieron que nuestras mentes se contagiaran de la idea de que siempre se puede ser mejor, pero no sólo por serlo nosotros, sino por compartir lo aprendido y esperar que los demás también busquen un bienestar común para todos como sociedad, pues sólo involucrándonos como colectivo podremos lograr que problemas como la violencia generada en el estado se erradiquen si salimos a la calle y empezamos a trabajar nosotros en el futuro, porque si lo esperamos de instituciones y político, quizá nunca llegue ese cambio para bien.

Yo ya conocía el trabajo de algunos exponentes, en distintas medidas, como el del muralista Uli Mtz, o el de Gabriel Jimenez y su labor a la comunidad artística a través de "El Huevo" sitio al que he dio en más de una ocasión, quien además nos hablaba del arte como ejercicio de sanación; o el de Lucia Corral de Urbanería, proyecto del que ya he escrito en más de una ocasión en mi Instagram, por la gran labor que brindan con sus talleres y la rehabilitación y rescate de espacios públicos que estaban expuestos a la delincuencia y que los llenan de pintura y color. Pero me sorprendió conocer otros grandes proyectos y lecciones de vida de personas como Fernando Moreno y Franco Canseco (que me pareció una de las mejores ponencias), o la plática de Carla Valderrama y su experiencia con los niños y sus padres, o el andar de Nora Soto con su enseñanza a través de las salas de lecturas y su recorrido por comunidades rurales. Armando Andrade, Cristina Ortuño, Alfredo Bermúdez; la verdad es que todas las pláticas dejaron un gran mensaje y mejor aprendizaje, reafirmando así una gran frase de Eduardo Galeano que dice: "Personas pequeñas, en lugares pequeños, con acciones pequeñas, pueden cambiar al mundo" y yo así lo creo, y escuchar hablar a personas que a pesar de toda adversidad, y apostando a lo que verdaderamente aman, lograron si bien no la vida soñada, o las grandes riquezas (quien busque eso en esta vida no conoce el significado de la misma) pero si encontrando dicha plena, y ayudar a su entorno y a la gente en él, esa es a la gente que es indispensable, grato y necesario escuchar.

Sólo para finalizar diré que este viernes que acaba de pasar valió mucho la pena el haber llegado tarde al trabajo.

Ahora es comparto algunos de los videos TED que yo había visto antes de saber que tendríamos el evento TED en la ciudad.












miércoles, 5 de septiembre de 2018

Visages Villages - Faces Places - Rostros y Lugares


Hay un denominador común en muchas de mis películas favoritas, y este es que en cada visita que hago a ellas por lo general siempre descubro algo nuevo, y no es porque tenga un problema de atención o algo parecido, sino porque si trama, su pulcra elaboración y todo lo que conlleva además sentimentalmente. (Llámese libros, películas, canciones, pinturas, todo lo que yo considero como esencial en mi vida en cuanto al arte es porque llego a ver algo mio vivido ahí plasmado)

Y si traigo este tema a exponer es porque justo la película de las que les empezaré a escribir es una película que precisamente eso me pasa, es la tercera vez que la veo ahora que quiero escribir sobre ella, (con esto no quiero decir que desde la primera vez no haya querido escribir sobre ella, es sólo que en una primera vista no sabía como abordarla, pero ahora incluso le he dado una lectura diferente a la primera vez que la vi) y me parece que es digno de escribir y dejar una pequeña huella en este blog del maravilloso documental, el cual se ha convertido irremediablemente en uno de mis favoritos de la vida y uno de los largometrajes que seguramente figurará entre mis diez favoritos al terminar el año.

Visages Villages nos lleva a recorrer junto al joven fotógrafo JR, el cual es conocido por sobre todo por tres cosas: 1) sus gafas oscuras, 2)sus fotografías en blanco y negro, y 3) lo que hace con ellas al imprimirlas en tamaño gigante y utilizarlas para hacer murales que ayuden a concientizar en el humano de alguna forma u otra. En este viaje en particular el invita como compañera de vagancia a nada mas y nada menos que la invaluable cineasta belga nacionalizada francesa Agnes Varda, de en ese momento 88 años de edad, entonces; ella con las inclemencias mismas de la edad, va perdiendo entre otras cosas su vista, entonces JR le propone que lo acompañe y el le ayudará a que el viaje sirva como un álbum de fotos digno de llevar en la memoria, entonces hacen el viaje, un viaje que empiezan en solitario y se acompañan en cierto punto, porque no se viaja igual a los 30 que a los 80. Agnes va poniendo los destinos, JR las ideas de las fotos, y aunque nunca se dice en si el propósito del viaje, ni el destino que resulta ser algo sorpresivo en doble partida, lo que si uno va entendiendo es que quien al final disfruta de esto, o a quien iba dedicado el viaje, era a la gente. Esa clase de gente real que bien puedes encontrar trabajando en una fabrica de sal que tiene alma de filósofo milenario, o en una mujer que se niega a dejar su casa para darle paso a la modernidad de un pueblo lleno de historia de hombres topo, o de una chica de nuestro siglo convertida en un personaje de Agnes.

Cuando vi la primera vez esta película, sabía que tarde o temprano escribiría sobre ella, pero no sabía como hacerlo, no me salían las palabras, lo único que había en mi mente era el título que tendría el texto: "Rostros y Lugares: Los artistas y la gente" y es que si algo tiene este documental es un lenguaje que no hace otra cosa más que profundizar, y a la vez exaltar el grande amor que tienen Agnes y JR por la gente común, ordinaria, por los lugares donde en realidad se desarrolla la vida, sin dramatismos, caracterizaciones y melodramas. Una fotografía va capturando el viaje, entre pueblos rústicos donde hay gente que conoce a Agnes, y campos donde ella vio e hizo mucho de lo que hacía cuando su vista proporcionaba y dirigía lo que hacía, y no los recuerdos. El recurso que tiene JR con su camioneta en forma de fotografía que además es su impresora, hace ver en la gente a través de su propio rostro la importancia de la identidad, la memoria, el pasado, la comunidad, el prevalecer. Y a su vez como esta relación entre dos personas tan distintas en exterior pero tan iguales en esencia van desarrollando esta relación conflictiva-amistosa que es entrañable verlos a cada momento, sus bromas, el apoyo de JR a Agnes cuando ella empieza con las nostalgias, el homenaje de este a ella, sus momentos dramatizados, y siempre rindiendo una muy fugaz especie de homenaje que a la época del cine francés que Varda y sus colegas lograron hacer escuela.

Y en la mayor parte de la película Agnes tiene un propósito que quiere lograr, hacer que el joven JR se logre quitar sus gafas para retratarlo como lo logró hacer con su amigo de la juventud JL Godard, al cual pretenden visitar al final del viaje, Agnes al menos así lo pretende, y le da la sorpresa a JR cuando van a verlo. Godard acepta recibirlos, pero al final no lo hace, dejando una huella tanto en el documental, como en el corazón de Varda, quien dice odiarlo, pero que reconoce que aún así lo quiere. Al final JR le da un regalo a Agnes, aunque ella no lo pueda ver, porque al final que son las fotografías sino más que impresiones en papel que al final la brisa del mar borran, las únicas fotografías que perduran son las de la memoria y el corazón, la de los años de vida, lo que el tiempo no puede borar, aunque al final el tiempo todo lo termine por borrar.












martes, 4 de septiembre de 2018

Ana y Bruno.





Seré sincero con ustedes, cuando yo leí me parece hace un año que esta película había ganado un premio muy prestigiado de películas animadas no me hizo querer investigar más sobre ella, o a lo menos verla, ¿el por qué? Porque aunque no lo demerito como tal, si he de aceptar que las películas animadas no ocupan mucha atención para mi, muy contadas son las que he visto, tanto de niño como ahora de adulto tanto para niños como para adultos, pero no es hasta hace algunas semanas que me topé con un muy buen artículo (que de momento se me va en qué sitio web lo visualicé) en el que decían tanto el director que la realizó, como la larga odisea que tuvo la producción a tal grado de tener que esperar tantos años para ser exhibida, esto añadido al análisis que hizo Fernanda Solorzano para el canal de Youtube de Letra Libres, (con quien ya compartí mis impresiones, y quien además agradezco por siempre contestar mis mensajes, eso no cualquiera, y menos en su prestigiosa posición de crítica) es que fui en su semana de estreno sin pensarlo dos veces. Les diré de antemano que trataré de comentarla sin hacer revelación importante alguna, de una película que en la animación e México estoy seguro que dejará huella tanto en su técnica como en el delicado trato a la trama.

La película empieza con un viaje en el que Ana, su madre y su padre van a una casa en la playa donde su mamá y ella se quedarán y a donde su padre después irá por ellas, o al menos eso es lo que les dice, Ana no logra despedirse de él, por lo que ella cree que su padre está molesto con ella por alguna razón, Ana pronto se hace amiga de un perrito al que llama choco. En la casa hay otras personas las cuales se muestran muy raras, anormales, pero no es hasta que Ana y su madre tienen un encuentro con un señor que les presenta a su amigo, un payasito al que creen un ventrículo, el cual dice controlar al señor, cuando el señor pierde el control un par de hombres vestidos de blanco junto con el que parece un doctor, de aspecto sombrío, lo hace llevar al "tercer piso" y todos los demás, incluido el payasito, se estremecen, cuando se ve lo que le hacen al hombre, el payaso desaparece, la madre hace prometer a Ana que jamás subirá a ese tercer piso, pero esa misma noche Ana pensando que seguía a Choco hasta ese tercer piso, se encuentra con Bruno, una especie de duendecillo que hace bromas a una de las personas del lugar, para esto Bruno le revela a Ana que ese lugar no es otra cosa que un manicomio, y que todos los que están ahí están locos, incluidas su madre y ella, (más delante en la película Bruno le revela a Ana que en realidad los niños y los animales si pueden verlos sin que estén locos) la presenta con las visiones de los demás internos, que no son más que la viva ilusión de sus trastornos, (hay una mano entre ellos, que ya sabrán si arruinarles el chiste porque está ahí) hasta que llega la terrible aparición que atormenta a su madre, es entonces que Ana al ser mandada por su madre va en busca de su padre para que salve de ese lugar hasta San Marcos, el lugar en donde vive, así es que Ana, con ayuda de todos sus amigos, y un chico huérfano que la ayuda a llegar al pueblo llamado Daniel, emprende la travesía con todo y sus dificultades, haciendo hasta lo imposible por salvar a su madre, aunque ello la haga tomar la difícil decisión de dejarlo todo atrás para que su madre este bien.

La tremenda catarsis que crea Carrera con este cuento en el que hace que temas tan profundos es de una maestría formidable y digna de aplaudirle. Nos dice como tal que algunas veces hay que dejar cosas atrás, y soltar un lazo que pareciera ni la muerte puede romper, por el bien de lo que más amamos. Habla del abandono, de la redención, de las segundas oportunidades, de rescatar, de empatizarnos con el otro, habla sobre todo del amor por los nuestros por muy mal que la hayamos pasado.

El diseño de los personajes tiene que ver mucho con la trama, pues mientras a Ana, su madre y su papá los vemos se podría decir normales, o bien hecho, o bonitos, incluso a las personas de la ciudad y de San Marcos, a las personas en el manicomio, tanto a los internos como a los pacientes, los vemos deformados, y esto se debe quizá al hecho de que el director quiso que los viéramos como los pacientes se ve a si mismos, o como ellos ven a los demás, o los estragos que hacen este tipo de lugares a las personas, incluso sus alucinaciones, aunque irreales, y caricaturescas, y que no son reales si lo vemos desde el punto del mundo real, no son tan distorsionados. Los actores que prestaron su voz para los personajes, que van desde Damián Alcazar, Marina de Tavira, Héctor Bonilla, Silverio Palacios, Regina Orozco y otros más, no hacen que hacer más valiosa la película, pero sin duda es mucho más que sólo eso.

La película es valiosísima, divertida, conmovedora, profunda pero a la vez tan liviana, los niños se divierten cuando las película es graciosa, pero los hace observar detenidamente cuando la película demanda su atención, eso muy pocos directores pueden lograrlo, porque en películas animadas para adultos, quizá no a todos los niños logre dar el mensaje real de la película, o las intenciones que tenía el director con ella, Carrera si lo logra de manera increíble. Hay una parte de la película en la que se revela quien es Ana en realidad, en la que se podía sentir cómo los niños también quedan conmocionados con la revelación, eso es algo que yo encontré encantador, esperanzador, y muy valioso. Tratar dos temas tan difíciles como lo son la locura y la muerte de la forma en que lo hace Carrera, estos dos en particular entre los muchos temas que trata, y además hacerlo en un lenguaje perceptible para los niños, y que no se vuelve oscuro, sino incluso lo maneja con un realismo mágico abrumador, es algo digno de respetarse.

Cosa contraria a lo que pude leer en algunos comentarios que he podido leer en Youtube, me parece que en un mundo en el que la animación de Pixar ya es el molde, el estándar a seguir, ver la animación como la de esta película en la que en director Carlos Carrera tuvo mucho que ver en el proceso es arriesgado, valioso, y uno lo agradece.

Desde ya creo que es mi película mexicana favorita en lo que va del año. Sin duda alguna películas como esta, o la también muy reciente La Vida de Calabacín, es la clase de películas que de tener hijos, yo vería con ellos.



lunes, 3 de septiembre de 2018

Isla de Perros.




Isla de Perros es la más reciente película dirigida por Wes Anderson, estrenada el año pasado en el Festival de Venecia, que si bien no es animada, sino hecha con la técnica del stopmotion, la calidad con que están hecho cada uno de los personajes a mano, uno creería que son animaciones. Los que ya son frecuentes en el blog sabrán que soy declarado fan de este cineasta, al grado de considerarlo uno de mis directores de cine favoritos. La película es la segunda vez que la había visto con esta, ya que sin esperanza de que llegara a los cines de la ciudad la había rentado vía streaming, pero al saber que se proyectaría en una pantalla de cineclub, que cabe resaltar que por segunda vez en la ciudad, sólo que a la primera proyección no había podido acudir por cuestiones de tiempos y logística, pero en esta ocasión no podía perderme la oportunidad.

La película a grandes rasgos va de como en un Japón 20 años en el futuro, el alcalde Kobayashi de una ciudad ficticia llamada Megasaki que es descendiente de una familia milenaria amante de los gatos y que hace muchos siglos trataron de acabar con todos los perros que había en el Japón. Entonces el alcalde crea un decreto en el que culpando a los perros de una rara gripe que puede empezar a contagiar a los humanos, además de la sobre población de la especie y los demás problemas sanitarios que lleva. Entonces al primer perro que se manda es al guardián del protegido de la alcaldía, el sobrino huérfano del alcalde a quien adopta. Seis meses después el pequeño Atari de 12 años roba un pequeño avión y hace lo que ningún otro dueño de las miles de mascotas que fueron deportadas a la isla basura hace: ir a rescatar a su mejor amigo, con el que tenía prohibido crear un vinculo emocional, como si eso fuera posible para un niño, aunque en el camino se encuentra a unos cuantos más que quieren apoyarlo en su causa, entre ellos 5 perros de los cuales 4 son finos liderados por uno callejero que esconde algo más que su pelaje, este al final incluso no queriendo, llega a convertirse en algo más para ese pequeño kamikase. (El cast que da voces a los personajes al igual que en su pasada película es de lujo)

Dos cosas no se pueden poner en tela de juicio en el cine de Wes, la primera es la gran calidad que tiene como narrador en su muy peculiar y único estilo, y la segunda es como todas las películas de Wes van muy involucradas con la infancia, lo cual suele hacerlas no sólo sensibles, cómicas y fantásticas, sino más humanas, aunque hablemos de perros.

Ya desde Fantástico Señor Zorro (su primera película con esta técnica) Anderson nos mostraba la maestría para contar sus fábulas incluso en esta técnica, y aunque para nada considero fallida Isla de Perros, no siento tan presente su maestría.

He de reconocer que a lo largo de la película no sentí nunca empatía por ninguno de los personajes, sino hasta el final, los flashbacks que emplea Wes para ponernos en contexto con la historia de los personajes más importantes son como el sus pasadas películas, pero por muy bien tratados, uno no conecta con ellos, y quizá sea que se necesitó un poco más de tiempo para el desarrollo total de los personajes. Los temas que trata la película como la amistad, el agradecimiento, nuestro origen, son profundos y bien desarrollados, pero como lo digo, toda la catarsis llega al final, de la mano con un final muy teatrero y hasta predecible, que no me gustó del todo, pero tampoco no me gustó, y funciona, a tal grado de hacer a la película redonda, que dicho sea de paso vuelve a utilizar una tumba casi al desenlace, un elemento muy utilizado por el director. Una buena película, pero no de la maestría quizá para estar dentro de un top 3 del director en cuestión. Pero siempre será un placer el ver una película de Wes Anderson.







domingo, 2 de septiembre de 2018

Le Notti Bianche


Noches Blancas, dirigida por el espléndido director italiano Luchino Visconti, es una película que se basa en la novela homónima del escritor ruso Fiódor Dostoyevski, la cual ha sido adaptada en más de una ocasión tanto para cine como en teatro.

Uno de los atractivos que tiene esta película es el hecho que podemos ver quizá una de las mancuernas de actor-director más emblemáticas de la historia: Visconti-Mastroianni, que si bien es sabido que la mancuerna que hizo Mastroianni con Fellini es más renombrada y memorable, muy pocos saben que la historia de Mastroianni con Visconti viene desde sus inicios del actor en el teatro.
La película nos narra como después de que nuestro protagonista, Mario, sumergido en sus pensamientos mientras escuchamos las mágicas notas de Nino Rota quien compone la música para el filme, y la voz del narrador que nos cuenta la historia de este solitario hombre en Petersburgo, una ciudad que no es suya y que está tan sola como él a tan altas horas de la noche en día festivo, en su caminata se encuentra llorando en un puente a una chica, él queriendo averiguar que le pasa la sigue pero ella huye asustada, entonces él le dice que sólo quiere saber que le pasa y que no quiere hacerle daño, que sólo quiere ser su amigo y que no busca nada más, aunque en su interior siente una felicidad inmensa al saber que por fin esa ciudad tan bella como sola le ha regalado la aventura que tanto había esperado toda su vida y que esta llegaba con una hermosa muchacha de blanca cabellera de la cual queda enamorado en el instante que cruzan palabra, él la acompaña a su casa, y ella le promete que la noche siguiente se verán donde mismo para poder platicar, pero luego de que él la deja en su casa ella regresa al lugar donde la conoció. Ella le cuenta entre memorias y anécdotas su triste historia de amor, y las siguientes noches que no son muchas él dice que la ayudará a encontrar a su enamorado, aunque en realidad él no hace mucho por ayudarla, aunque finja hacerlo como escribiendo una carta que jamás manda, no hace más que retrasar un encuentro que el destino ya había pactado, y que él sabía porque así era su historia, pero mientras ese encuentro llegaba, Mario pretendía pasar con Natalia todo el tiempo que le fuera posible, para tratar que ella olvidara a ese viejo amor, aunque él estaba destinado a estar sólo y sólo ser un chico raro en aquella hermosa ciudad, pero quería robarle tiempo al tiempo y probar la felicidad aunque corta por una vez en su vida.

La película es sin lugar a dudas una de las más grandes joyas del cine italiano, con una historia notable que Visconti cuenta con lujo de detalle, no deja nada al escepticismo y la llena con tanta claridad y notoriedad que uno queda enganchado. La fotografía y la música juegan un papel más que primordial, el muy poco reparto y las situaciones planteadas por muy disparatadas o fantasiosas que estas parezcan en ciertos momentos, realmente tienen un sustento y un soporte en la película que es imposible concebirla sin alguna de ellas. Nino Rota destaca con una banda sonora que no hay que ser muy clarividente para darse uno cuenta que esta pieza le serviría años después para hacer la banda sonora de El Padrino. Los actores estelares son más que dignos y nos entregan una actuación para la memoria colectiva y la historia del cine, Maria Schell como Natalia con un gran parecido a la actriz Emilia Clarke quien deslumbra con su rostro la pantalla y su magnífica actuación, y ni que decir de Marcello Mastroianni como Mario que uno no puede más que agradecer que este hombre haya nacido, en todas sus películas brilla, y en esta con notoria peculiaridad. La escena del baile es una de esas escenas que hace que una persona ame el cine por sobre todas las cosas, es tan improvista y es algo que uno no espera ver con tanta naturalidad y genialidad, que hacen que sea perfecta, si es que la perfección se puede distinguir de alguna forma y en algún lugar.

Al final la metáfora de la película se puede entender en que todo hombre espera que algo sea eterno, nuestros paseos con una chica extraña de pelo blanco, aunque al final de cuentas todos sabemos que la nieve volverá a llegar a cubrir de blanco las noches y la ciudad y todo volverá a ser como antes, pero nuestra alma se llena de felicidad por cada vez que uno puede ver que estas cosas si no nos pasan a todos en la vida real, en el cine las podemos encontrar y ser felices para siempre, porque el buen cine es como la vida misma, siempre se llega a un punto que uno queriendo o no, debe encontrar.


Últimamente mis procesos de escritura se han visto modificados, en realidad sólo los de las cosas que escribo yo creando,últimamente todo lo dejo a medias  me cuesta mucho terminar algo, mi proceso para escribir sobre cine es diferente porque ya tengo un método, mientras estoy viendo alguna película, si no llevo algo conmigo para escribir empiezo a recordar palabras clave que me ayuden a ejecutar bien mi reseña y mi análisis, ya estando escribiendo frente al ordenador, leo un poco sobre la película en cuestión más que nada para detalles técnicos, porque si bien aunque uno se quede hasta el final viendo todos los créditos de la cinta nunca falta el dato que se te olvide, entonces ya teniendo un texto base, algo que ya no pueda quitar mi propia opinión de la película, veo y leo algunas reseñas de críticos especializados de cine, que por lo general siempre es para reafirmar cosas y valores que ya había expuesto en mis textos, eso es lo que me hace pensar, no soy tan malo apreciando el cine y escribiendo dicho sea de paso. Mis textos son un tanto reseña y un tanto análisis, no me gusta utilizar la palabra crítica. Ya al final sólo pulo detalles gramaticales más que nada, aunque me gusta en cierta forma que algunos textos queden como salieron, sin edición alguna, pero considero que esa es una falta de respeto y pensar sólo en mi, por eso trato casi siempre de dejarlos bien escritos sin falta alguna.


Las noches blancas lo son todo y nos entregan felicidad momentánea y algo porque vivir, y las noches blancas llegan y nos arrebatan lo que queríamos tener pero nos hacen amar la vida aunque sea en soledad.

jueves, 30 de agosto de 2018

L'amant d'un jour - Amantes Por Un Día.



A veces llegamos a ver ciertas películas de las que no esperamos gran cosa más que matar tiempo, entretenernos para distraernos, porque lo queramos o no, el cine también es eso y nuestra fatigante y estresante vida a veces nos demanda distracción y el cine suele ser de fácil acceso para cumplir con este cometido, así que una noche entre semana me disponía a saciar esa necesidad, pero vaya que si me llevé una grata sorpresa con esta película.

Dirigida por el experimentado Phillipe Garrel (por el apellido seguro sabrán que es padre el actor Louis Garrel) la película es una muy corta historia de menos de 70 minutos con una historia bastante simple, pero bien contada desde la precisión de la trama bien llevada a través de un bien escrito guión y con personajes bien estructurados con diálogos bastante sofisticados. (por referirnos a la civilización francesa esto démoslo por bien hecho)

La historia a grandes rasgos, pero precisos, nos narra la historia de un profesor que tiene viviendo en su casa a dos mujeres, la primera que llega es su joven novia que es su alumna en la facultad, y la segunda que llega después, su hija que es de la misma edad de su chica, la que acaba de terminar con su novio y está muy frágil, entonces; y acá es donde surge lo interesante de la película, es en el como gracias a la fotografía en blanco y negro, y en un principio todo el argumento de la película es clara y abiertamente feminista, funge en una yuxtaposición en la que podemos ver a cada chica como la antitesis de la otra, mientras la novia del profesor es muy abierta en todos los sentidos, a la cual parece todo le va bien en la vida, mientras que a la hija del profesor la pasa de mal en peor, es muy cerrada, podemos empatizarnos sin embargo con ambas, sus razones y lo que las lleva a ser así. El profesor le dice a su chica que él no está en condiciones por la paciencia y su ánimo así como por su edad de preocuparse por cosas banales, entonces le dice que si llega a estar con alguien más para el no hay inconveniente, sólo que no quiere saberlo, y pueden seguir juntos, mientras aún haya respeto mutuo y amor. entonces a raíz de esto la película tiene un giro bastante interesante, pues la chica del profesor con esta libertad adquirida, empieza a tener sexo por placer con amantes fugaces, la primera vez un compañero de clase y baile, que al inmediato el profesor descubre del hecho, sin que ella le diga nada, pues la conoce a conciencia, perfectamente, no así un pasado oscuro que la hija conoce y que no le revela por un secreto que su amiga le guarda de su padre, y mientras el profesor rehuye a encuentros con otras mujeres, a pesar de poder tenerlos. para no hacer daño a su amada, hasta el momento en que la ve en los baños de la facultad con un pretendiente de su hija, con quien había creado una conexión bastante especial. Entonces para este punto a la chica que parecía tenerlo todo por seguir sus impulsos la vida se le viene abajo, y a la hija del profesor que la había pasado mal por ser una buena chica y entregarlo todo para bien, la vida le sonríe con una segunda oportunidad con su novio quien en realidad la amaba de verdad y sólo tenía temor. Que si el discurso al final se vuelve moralista, eso se los dejo a su criterio, pero la historia como es contada es una propuesta bastante interesante, con una dirección que le rinde tributo en más de un aspecto a la ya antes mencionada Nueva Ola, este si es el cine que Godard quería que se desarrollara después de mostrarle al mundo que las cosas parcas y cotidianas también están atiborradas de una embriagante sutil belleza.