Sin profundizar mucho en la trama, o en un análisis estrictamente completo de mi parte, el distintivo de la película en cuestión de esta directora, que ha dirigido cosas interesantes como "An education" (con una Carey Mulligan más que deslumbrante, y que en su momento le valió una nominación al Oscar), o "One Day" (que para mi gusto es muy cursi y rosa, y miren que lo digo yo); es que es muy entretenida, con puntos notables que llegan a enternecer y conmover al espectador si no está con altas expectativas (como fue mi caso), no cae en los habituales y más molestos clichés de este tipo de películas, pero no puede jactarse de no caer en otro menos habituales y predecibles, pero jamás molestan en si. Los personajes principales tienen convicción y fuerza, Gemma Arterton en el papel de Clarin está más que correcta, Sam Claflin también lo hace muy bien, y Bill Nighy no podría ser más él, es el único actor al que se le permite, y yo lo permito, ser él y repetirse todo el tiempo, en la única película que lo he visto actuar es en la nefasta "Operación Valquiria", que de lo poco que funciona en esa película, es él.
Hay frases y diálogos en el guion que son muy buenos, la escena de los tres guionistas empezando a armar la historia es para mi lo mejor de la película, y no podría decir de primera mano que así es como suceden las cosas, pero si lo sé de muy buena fuente, ya que en el libro Fellini, de Hollis Alpert, se narran las dinámicas entre Fellini, Tullio Pinelli y Ennio Flaiano, y eran considerablemente similares, salvo por la excepción de que sus reuniones eran en hoteles donde los tres se iban a trabajar para no ser interrumpidos.
Por alguna razón, que no podría definir por completo, esta película me hizo recordar mucho las películas de Isabel Coixet, en concreto: a "La Librería". Quizá fue la figura de Nighy, el hecho de que el personaje de Clarin tiene ciertas similitudes con el que interpreta la también encantadora Emily Mortimer (y quizá tentando un poco al destino, el personaje de Clarin sería como el personaje de la película de Coixet si no hubiera perdido a su marido en la Segunda Guerra Mundial), o por la cuestión de la feminidad impregnada en el relato, la forma en que éste se da, y en la lucha que representa.
Esta es una de esas películas a las que me gusta llamar "6 con mucha valía".
Hace pocos días he vuelto a ver esta película después de casi un año de haberla visto en Los Cabos Film Fest, (la he vuelto a ver luego de concentrarme en los últimos días viendo películas que no pude ver el año pasado en dicho festival como Learn To Pete, Foxtrot, Western, y algunas otras que han hecho cambiar mi perspectiva y el saber que veré el mes que entra en dicho festival) y aunque sigo pensando que es una película muy sobrevalorada por los críticos, he de aceptar que me ha puesto en una postura que yo nunca me había visto sorprendido, o en una opinión contradictoria, pues precisamente en las cosas que no me gustan es en donde le encuentro sus principales virtudes.
Alguna vez escribiendo en este mismo blog sobre alguna otra película, hice una referencia sobre The Florida Project en la que decía que la película era muy repetitiva, y que para mi esa era su mayor carencia, o lo que hizo que yo no conectara con ella (mismo caso me paso con El Lobo de Wall Street) pero ahora en una segunda vista lo vi de una manera muy diferente, o tomé otra perspectiva de visión: la percepción de la niña. Y es que si suponemos que la película va de la vida de la pequeña protagonista y que en la vida de un niño, por muy mal orientada que sea su educación, para este todo será siempre un juego, y por las condiciones del hecho que todos fuimos niños, y los que somos privilegiados de acordarnos de muchos pasajes de esa etapa de vida recordamos que cuando jugábamos a algo y la pasábamos bien, queríamos repetirlo idénticamente al día siguiente, pues eso es lo que hace meritorio este recurso utilizado por Baker, quien dirige, escribe, edita y produce el filme. (Luego de la para mi mucho mejor lograda Tangerine)
En esa misma ocasión recuerdo que igual comenté que la película tenía un sin fin de valores, no sentía que fuera un completo caso perdido, entre muchas cosas las cosas que más valor tienen son las actuaciones de todo el cast (Dafoe está tremendísimo) pero si bien se ha justificado lo de la constante repetición, esto, y no quisiera comentarlo porque es lo que más apelé en su momento contra la película, hace que sea completamente justificada su larga duración.
El otro punto que me dejó muy inconforme (no inconforme, sino desconcertado) fue el desenlace de la cinta, pues en este se plantea la fragilidad de la niña, esa misma que nunca se mostró en la cinta, y esta se presenta justo cuando su mundo se viene abajo por las faltas de su madre, otra niña pero mayor de edad, y el desenlace involucra que una amiguita se la lleva del lugar donde viven para que no se la lleven las personas que quieren recogerla y se la lleva al parque de diversiones de Orlando Florida, y en su momento (la primera vista) no supe interpretarlo; pero ahora creo que el recurso es para desmitificar el mito de que se ha hecho mofa Disneyland, al ser la tierra donde todo es felicidad, eso consumen los niños, entonces al ir a ese lugar, perderse en ese sitio hará que todo lo malo en su vida desaparezca, pero siempre hay que regresar a la realidad, a esos otros lugares que muchas veces las estadísticas, los fríos números y los gobiernos quisieran que no existieran, que por arte de magia pudieran desaparecer, como en las películas infantiles. Ahí el título de la cinta también tiene relevancia, pues The Florida Project es un juego de palabras entre estas dos realidades. Por una parte al parque de diversiones de Orlando se le puso en un principio cuando se empezaba a crear "The Florida Project", así como ahora llevan este mismo nombre estos moteles donde llega la gente que hacen el viaje para conocer el parque pero que no tienen tanto dinero para hospedarse ya sea en el hotel del mismo parque o los hoteles de la zona bonita de la ciudad, llegan a estos moteles igual de precarios que las viviendas de muchos en su vida cotidiana, a la que seguro regresarán llenos de deudas. Mismos moteles que sirven como viviendas para tanta gente sin casa como Moonee y su prematura madre.
1.- Un moment d'égarement. (Una semana en Córcega)
Por lo general todas las películas francesas, por muy flojitas que sean, tienen algo de encanto, es una particular de este cine, y más si hablamos de comedias, o películas de romance contemporáneas, lejos de ser el cine de vanguardia que nos dejó la Nueva Ola, pero como les digo, siempre hay decencia y encanto en sus producciones, pero en esta película por más que quise encontrarle algo valioso, simplemente no pude.
Y bueno, si tiene cosas buenas, agradables, porque no deja de ser una película francesa, cosas como el lugar donde se filma, y cómo se filma, la fotografía y la escenografía son bellísimas, pero que película hoy día no tiene eso gracias a un buen fotógrafo o un buen grupo de scouting. Yo me refiero a las cosas que le dan forma, contenido y personalidad a una película, estas cosas son de las que carece esta película.
Sin dar grandes detalles de la trama, sólo diré que trata de un par de mejores amigos que se van una semana de vacaciones a la casa donde pasó su infancia uno de ellos, ambos pasan por problemas personales, uno ya divorciado, otro en completa negación de que su relación está a punto de ir a ese paso. Ambos viajan con sus hijas, y la hija del anfitrión, que es menor de edad, siente una atracción por el amigo de su padre, y en una noche en que ambos están solos luego de que la otra chica se va con un amigo que se encuentra en el lugar, y el papá de la chica trata de ligar con otra chica. El caso es que esa noche estando tomados sucumben al deseo, entonces la chica quien cree estar enamorada de verdad, empieza a hacer una especie de chantaje sobre él para que reconozca que efectivamente él también la ama, y empiezan una serie de enredos que en realidad lo único que hacen es desenganchar al espectador de la historia, y aunque por momentos parece ondar en algo más profundo como el hecho de como llevamos las rupturas amorosas, o el peso que ejercen los problemas amorosos en los hijos al grado de hacerlos buscar relaciones en busca de la figura que está ausente, pero la película nunca tiene claro lo que quiere decirnos, ni siquiera grandes actores como Vincent Cassel o Francois Cluzet pueden salvar la mala historia.
2.- Un plan parfait (Let My Fly The Moon)
Al contrario de la pasada comentada, esta película que es una decantada comedia romántica con todos los clichés del género como tal, tan mal abusados por las películas norteamericanas.
La película va de una familia que en una cena familiar con tal de levantarle el ánimo a la jefa de la anfitriona le cuentan que en su familia predomina, si bien no una maldición, un común denominador que es el que todas las mujeres de la familia siempre se tienen que casar por segunda vez, ya sea por viudez, mala elección, u otra razón, ninguna se escapa a ese complejo, y le cuentan la historia de su hermana mayor, quien habiendo conocido al amor de su vida, y al querer formar una familia con él, pero a lo que se niega su hombre pues para poder tener hijos con ella tiene que casarse por una tradición de su familia, esta con idea de su hermana le arregla un matrimonio falso en Dinamarca, donde por ley te puedes divorciar media hora después, pero la persona que había contratado le queda mal, ella tiene que improvisar para poder casarse, entonces recurriendo a un encuentro en el avión con un hombre bastante peculiar, encuentra, lo que quizá ella no se había dado cuenta hasta días después, todo lo que le había faltado en su organizada y perfecta vida.
Y aunque he de aceptar que el primer tercio de la película es desesperante, absurdo, y en ratos tan molesto por estas cosas tan incongruentes, ya pasada "la boda" la película empieza a tomar forma, aún siguen algunos clichés, pero ya soportables, o mejor dicho, acorde a lo que la película quiere plantear, al diferencia entre esta y la pasada, es que esta película tiene muy en claro lo que quiere decir, mientras que la pasada no. Además tengo que comentar que el hecho de que la protagonista sea la actriz alemana Diane Kruger, acompañada del mayor cómico francés de hoy día como lo es Dany Boon, es un gran plus.
2.- La haine. (El Odio)
Sin duda alguna si una película define al cine francés en la década de los 90's, es esta.
Mathieu Kassovitz con su segunda película como realizador, crea y recrea fielmente el entorno suburbano que muchas veces los políticos franceses quisieran reprimir, y la historia quisiera que esta etapa en su historia no fuera recordada, recrea el problema que hubo entre la policía abiertamente opresora en ciertos sectores de París, y como se hace una metáfora del falso poder y la inocencia de los jóvenes con un revolver perdido mientras vemos un día completo de 24 horas de tres jóvenes (entre ellos un joven y descomunal Vincent Cassel) después de una noche de enfrentamientos entre policías y jóvenes que buscan justicia por un amigo de barrio caído que queda marcado en la memoria de tres jóvenes franceses, o al menos en la memoria de uno. Chicos con ideales, a veces desviados por las necesidades básicas que el estado no les da, y su estilo de vida precaria siempre en la búsqueda de autoridad fraternal, o algo parecido a esto, hace de esta película retratada con planos y secuencias en verdad innovadoras y pocas veces con esta dicción tan precisa, perfecta; original y a mi parecer jamás replicada. En blanco y negro (que muchas veces sirve para un asunto que les plantearé en la última película comentada) que años después evocaríamos con una cinta igual de impactante (bueno, igual no sé, pero si también muy impactante) como lo es Historia Americana X. Cruel, absorbente, inquietante, y muy muy necesaria.
El Espejo (o The Mirror, o Zerkalo) del director soviético Andréi Tarkovski, es una película de 1974 que narra la visión de un niño sobre su madre siendo este un pequeño, y a su vez como fue que lo marcó en su vida adulta, y como esto modificó su comunicación con ella, el como lo influenció en sus relaciones futuras, tratando de encontrarla, ya fuera buscándolo o no, mujeres que le recordaran la figura de su madre, y la visión de su pequeño hijo, y el como esto altera su realidad y su educación.
Hablar de una película de Tarkovski es hablar sin lugar a dudas, hablemos de la película que hablemos; de su gran impacto visual, no sólo en la iluminación, o en lo referente al diseño de producción, o retratada por momentos a color y por momentos en blanco y negro, el uso de espejos y simbolismos en el viento, el fuego y el agua a los que se les puede dar un sin fin de lecturas, sus referencias al arte en general como fuente de inspiración como la pintura, sino de la propuesta visual y la poesía creada entre el argumento y las imágenes.
El silencio predominante, las actuaciones mesuradas, la poca música que se utiliza es sublime y no trata de manipular lo que sentimos, las miradas parcas que a menudo rompen con la cuarta pared; son sólo algunos de los grandes sellos del cineasta que años después serían emulados y fuente de inspiración para grandes cineastas como Carlos Reygadas, P.T. Anderson, Wes Anderson, Wong Kar-Wai o Stanley Kubrick.
La carta en que se convierte la película nos da un retrato histórico muy fiel sobre lo vivido por los niños durante la Segunda Guerra Mundial en la URSS, por lo cual hace a la película en cierta forma una especie de autobiografía del cineasta, y lo vivido por sus padres, además de un capítulo retratado de la Guerra Civil Española por la incorporación de unos personajes peculiares. Sentimientos de pérdida, conciliación, de espera, de muerte, son muy constantes así como el trato a la religión y la patria, cosas que nos inculcan los padres. En la trama no hay cronología, es un constante juego en el tiempo, entre el presente y el pasado, o el pasado y el futuro, en realidad no se sabe, y se disfruta mejor la película de esta manera, si saber con certeza. Y el hecho de que se utilice un solo actor y una sola actriz para interpretar a la madre del actor principal, o del que nos va narrando tanto su historia como la poesía (al cual nunca vemos) ayuda mucho a que los límites en la estructura de tiempo e historia se vuelvan indelebles. (Margarita Terekhova, la actriz que interpreta a la madre de joven y a la esposa del personaje principal es muy destacable, y la mujer mayor que interpreta a la madre ya en su vejez es la propia madre de Tarkovski, y el joven actor tiene un parecido increíble con el cineasta)
Sin lugar a dudas un poema adelantado a su tiempo, y más sin embargo logra retratar con una realidad bárbara la historia tanto personal como del entorno del cineasta, las memorias sobre su madre, la hacen a esta película una carta abierta a su madre, lo cual la hace muy personal, y no intenta complacer a nadie con este trabajo, si la carta es de amor, eso le toca a cada uno resolverlo, además del hecho de lo planteado en torno a los eventos paranormales y surrealistas reflejados en sus sueños, de los cuales nos hace participes en este particular filme que para mi gusto es como ya lo dije, una adelantada a su tiempo.
Las palabras no pueden transmitir todo lo que siente el hombre, son flojas.
You Were Never Really Here (o la muy mal llamada en español "Nunca Estarás a Salvo) es una película del año pasado de la directora de cine escocesa Lynne Ramsay, la cual se exhibió el año pasado en el Festival de Cannes y que cobró gran relevancia por la actuación de Joaquin Phoenix la cual lo hizo acreedor de la palma de oro al mejor actor. (Y cómo olvidar la reacción del actor al enterarse de que era el ganador) Pero que tal me pareció a mi está película en su conjunto, déjenme hablarles de ella, su trama, su contexto y su muy loable subtexto.
La película empieza con una secuencia inconexa de imágenes que uno más adelante dentro de la trama sabrá conectar, acto seguido vemos a Joe, un asesino a sueldo con un pasado tormentoso que no lo deja a pesar de lo que está haciendo en el momento, limpiar la escena del crimen, sale del lugar y luego de que tratan de asaltarlo y este hace pedazos al sujeto, va al aeropuerto para regresar a su casa con su madre. Luego del trabajo terminado, y recibida la paga, su contacto le dice que hay un trabajo grande que quiere un senador que trabaja para el gobernador de la ciudad de Nueva York, y este consiste en rescatar a su hija adolescente de una casa donde la prostituyen, entonces Joe con un estilo muy particular para el combate, el cual cabe resaltar que es implacable e infalible, la rescata, pero al llevarla al lugar donde tenia que entregársela a su padre, pero al ver las noticias en el televisor, Joe se da cuenta que se ha metido a un trabajo del cual no quedará del todo estable por sus memorias pasadas, y en el cual perderá más que una muela.
Para empezar creo que sería preciso resaltar el gran valor que dan más que nada dos elementos en particular a la película, y esas son la excelsa fotografía a cargo de Thomas Townend, llena de detalles, y no sólo detalles que están ahí a lo lejos, sino que enmarcan y resaltan la trama, son muy meticulosos y estilizados, y esta en conjunto con la magnánima música compuesta por Jonny Greenwood (quien se ha convertido en uno de mis compositores favoritos) la cual me parece suma pero de manera armónica, natural; no de manera engañosa o manipuladora, pues no aparecen sólo en los momentos tensos, como presagiando justo lo que ocurrirá después, sino que esta aparece y desaparece a su antojo, pero suma por si sola. Toda la primera parte la película se llena de detalles, y de flashback's de la historia pasada de Joe con lo que parece ser acciones de guerra, y sus demonios que comparte con su anciana madre por el maltrato de su padre del que nunca se habla pero en los recuerdos que tiene Joe muchos de sus elementos a la hora de hacer daño son los que utilizaba su padre, mostrándonos, más no enseñándonos, porque el cine no enseña a ser violento, sino que abre los ojos a comportamientos insanos, que todo, incluso la violencia se hereda, y siempre hay algo que la detona, como lo podemos ver en la relación entre Joe y Nina. Y la película se toma su tiempo para contarnos todo esto, pero de manera muy armónica, no se siente ni tensa, ni dura, ni forzada, es muy natural y nada exaltada, incluso en los que Joe utiliza la "Violencia Extrema" diría Alex, no es hasta que rescata a Nina que luego de ver las noticias se sabe que es lo que ocurrirá, y todo se vuelve caótico, histérico, por momentos con dosis de suspenso y psicodelia, el climax es intenso, pero no es eterno, y eso se agradece, porque después vuelve a su tono natural, armónico, y se encuentra una redención que al final yo casi pienso el final es hilarante, pero no es más que un sueño, y la película cierra de manera magistral. El final, o toda la parte final nos remonta a la tendencia en el cine del salvador redentor que al final es salvado por quien es rescatada, como lo es la premisa de Taxi Driver, Hombre en Llamas, o León de Luc Besson, y yo la pondría a la par de estas, incluso quizá superior en algunos aspectos, y la resalto por la originalidad, y que todo esto amalgama a la perfección en menos de 90 minutos, y eso es digno de aplaudirle a la directora, quien también adapta el guión. (Directora que por cierto tiene una pequeña gran joya que seguro muchos de ustedes conocerán llamada "Tenemos Que Hablar de Kevin")
Guiños a cine como el de Winding Refn, por su ambiente con luces brillantes sobre los fondos oscuros, o al de Hitchcock por su dosis de suspenso, incluso el homenaje que se hace a la obra de este de una manera no tan sutil sino todo lo contrario, muy directa, todo enmarcando a esta variante valiosamente remarcante de cine negro; también me parece muy valioso esa parte de mostrar siempre la ciudad a través de un carro en movimiento con la cámara sin control como la metáfora de lo caótico que es la vida de un asesino que se mueve en la oscuridad de la noche, la actuación de Joaquin Phoenix y esta doble personalidad por lo transtornado que está en la que es uno en la noche, y otro en el día cuando está con su madre (la escena en la que [aquí les voy a tener que hacer un spoiler que seguro ven venir] descubre a su madre muerta es tan triste que uno queda al borde de las lágrimas) el elemento desde un principio del agua como medio sanador. Uno no llega a comprender como actuaciones de esta envergadura que si bien no son del todo dramáticas, pero que si llevan una gran dosis de este elemento, no son consideradas para los Oscares, para mi esta actuación valía cuando menos la nominación, el premio eso lo dejo a la opinión personal de ustedes, pero esto pone en evidencia que los Oscares cada vez son más innecesarios desde mi punto de vista.
Una gran película que sin una gran historia, pero contada de una manera armónica y muy del tono de la directora, haciendo una obra de autor muy decente, nada predecible, y que luce a Joaquin Phoenix como el mejor actor en activo desde mi muy humilde punto de vista.
The Grandmaster. La magia de la edición.
La última película realizada por el genio Wong Kar Wai por allá del 2013 antes de incursionar en el mundo de las series, es una maravilla en toda la extensión de la palabra.
Para empezar Kar Wai regresa al género de las artes marciales donde el inicio propiamente su camino en la industria como guionista, y desde mucho antes el confiesa su amor por las películas de artes marciales. La película, en es estricto sentido de la trama es narrada en forma de novela, a destiempos combinando presente, pasado y futuro sobre la vida de Ip Man, uno de los grandes maestros de las artes marciales en la historia (y maestro del finado Bruce Lee) y una de las maravillas más notables no sólo de esta película, sino de gran parte de la filmografía de Kar Wai cuando estas se desarrollan en su país, es que el relato, y retrato de la historia tiene una parte documental que narra la historia de su pueblo, los grandes impactos políticos y culturales que esos cambios han provocado, un fiel retrato de la época ya que en su momento años después estos lo afectaron a él. Un gran guión, prácticamente hecha a la vieja escuela, no hay ninguna duda de la gran destreza y calidad narrativa con la que cuenta natamente el genio hongkonés quien no se repite, el principio parecería lento, pero más bien es que es elegantemente silencioso y cadente, lo que hace en realidad estomarse su tiempo para ponernos en perspectiva con la historia y como de la primavera se pasa al invierno no sólo la vida de nuestro protagónico, sino de toda una nación, que hablando de protagónicos este por momentos parece perderse y el peso de la película recae en el personaje de Zhang Ziyi, Gong Er, quien roba cámara no sólo de lo hermosa que es, sino de la extraordinaria actuación que realiza. Tony Leung en el papel de Ip Man deja confirmado que en cada papel que ha escrito Kar Wai para él tenemos el privilegio de ver a uno de los grandes actores de la historia. La historia es devastadoramente hermosa, si quieren saber sobre la importancia de una buena edición en una película en esta lo pueden entender a la perfección, una película con tantas escenas de acción, o quizá no tantas, pero realmente buen ejecutadas, hacen que uno sea por demás crítico cuando ve cualquier bodrio norteamericano.
Y como una película del director más romántico del cine no puede estar completa sin un romance, la relación entre Ip Man y Gong Er, la cual nunca empieza, y por lo tanto los románticos asumiríamos que nunca acaba, le dan un toque melancólico y lleno de sensibilidad, y hace que la parte final de la película sea realmente emotiva. El único pero que yo le pondría en esta ocasión es que hay un personaje en la película llamado La Cuchilla que pareciera pudo haber sido muy relevante, pero no se le da gran papel en la película, pero aun así con eso la película es una joya.
Call Me By Your Name. La luz y el amor dulce como un melocotón.
Si algo yo puedo resaltar por sobre todas las cosas de esta película, la cual fue una de las grandes comentadas en principio de año al grado de ser considerada por muchos la mejor película del cierre del año pasado, son dos cosas. La primera es el uso de la luz en cada escena, ya fuera natural, artificial, o como efecto visual, donde en más de una ocasión se utiliza este recurso. Y el segundo sin lugar a dudas son las grandes actuaciones de todo el cast, que si bien el joven Chamalet se roba la película, yo también le doy un gran valor a la actuación de Hammer a quien muchos no le den el mismo valor que a Chamalet, incluso algunos llamaron de tibia su actuación, para mi no lo és, simplemente hay que entender al personaje para saber porque este se comporta así.
La película cuenta además con una fotografía hermosa, una música correcta, una historia que tras su adaptación es muy sencilla pero bastante bien ejecutada, tiene un encanto italo-europeo del tiempo en que se narra que seguro en gran parte se debe a la mano del director italiano Luca Guadagnino, y otra gran parte a la Nouvelle Vague ya que si un gran aporte hicieron esta generación de franceses fue sin lugar a dudas el sacar las cámaras de los set´s de filmación y llevarlas a la vida real y retratar los paisajes que el mundo nos regala mientras se cuentas historias de gente común con cámara al hombro. Todo esto amalgama con perfectamente con la historia de amor de los protagónicos que hacen que todo lo que viven, sus coqueteos, su enamoramiento, su despedida; sean exquisitos.
Pero la verdad tuve grandes problemas con la película, sobre todo uno fue el que mas me molestó, y es que hay tres desenfoques de cámara que son groseros, no son ni planeados ni siquiera para parecer pretenciosa la película, son groseros. Y otros detallitos que si los menciono me escucharé muy quisquilloso como el hecho que el ritmo al final viene a menos por lo larga que es, el hecho de que pintan a Elio como un gran lector pero que no lo vemos leer tanto, en fin, cositas que no dañan tanto la experiencia, pero a cambio nos topamos con otras cosas que endulzan la película como la relación de los padres de Elio con este, y el amor tan comprensivo hacia su hijo, la mezcla de idiomas que ensalzan mas su valía. El final mezclada con los créditos como lo vi en Una Bella Luz Interior tiene su encanto y además aporta, ya veremos si hacen una secuela digna de la película, por lo pronto para mi fue una linda experiencia, pero si me lo preguntan a mi, muy lejitos de tres que yo consideraría aun mejores películas del año pasado, y además no expone con tanto aporte sobre el amor expresado entre personas del mismo sexo como quizá si lo hacen Happy Together del director mencionado arriba en la primera película comentada, o en la francesa, La Vida de Adele.
Wonder Wheel. El gran escritor y el sacrificio como liberación.
Saben que soy muy poco objetivo cuando escribo sobre una película de Woody Allen, a pesar de lo que desde hace años se rumora y dice de su vida personal, no puedo dejar de admirarlo como artista que es.
En su más reciente película Allen hace en corto plazo, habituados en los tiempos en que pareciera las películas deben de ser largas ya sea para querer vagamente logrado profundizar, o hacer marketing para vender secuelas venideras, Woody engancha al espectador con una historia técnicamente y narrativamente hablando bellísima. Llena de luz, con una fotografía y un diseño de producción excelsos que hacen resaltar la época más dorada de Coney Island entrelazan la hstoria de varios personajes que viven y trabajan en este mítico parque de diversiones, un salvavidas que quiere ser escritor que se enreda con una mesera que fue una gran actriz que carga con el peso de un marido desaparecido al cual engañó y con quien tuvo un hijo pirómano, (el cual es un personaje bastante complejo) que esta a su vez ahora está casada con un handyman que tiene una hija que regresa luego de haber estado casada por mucho tiempo con un gangster al cual luego de delatar huye de él para que no la mate, y así lavar sus pecados de niña joven y caliente y limar asperezas con su padre, y es cuando esta chica llamada bellamente Carolina (interpretada por Juno Temple) hace su entrada a Coney que todo empieza a colapsar y ponerse confuso en la vida de todos, aunque más en la vida de Giny, (interpretada magistralmente por Kate Winslet) quien pensando que su relación con Mickey la salvaría de su suerte, este queda perdidamente enamorado de la segunda chica (al más puro estilo de Allen) por su vida tan frenética y problemática..
Y es que aunque al principio pareciera que el personaje principal es el de el salvavidas Mickey interpretado por Justin Timberlake (quien hace una actuación decente) en realidad al avanzar la película vemos que no es más que el narrador, pues el personaje principal y el que más peso tiene es el de Giny, quien al más puro estilo de los personajes femenino de Woody esta al final hace una expiación de todos sus pecados perdiendo algo.
Un guión si bien no magnifico y novedoso, pues Woody desde hace años viene copiándose a si mismo, sin reinvención alguna, sabe ejecutarlo a la perfección, y eso es algo magnifico, pues aunque sea lo mismo, nunca es lo mismo. Mi único problema con la película es el personaje del esposo de Giny, Humpy, interpretado por Jim Belushi, ya que por momentos es detestable, incluso con problemas de dicción barbara, aunque si somos justos y analizamos bien la trama, al ser un ex-alcóholico, esto podría muy bien justificarse, de modo que Woddy siempre atento y congruente con lo que mejor sabe hacer y callándome el hocico, pues si algo sabe hacer bien Woody por sobre todas las cosas, es escribir buenos personajes, y mejores guiones.
La Vida de Calabacin. Las películas cortas llenas de potencia.
Sin duda alguna esta es la clase de películas que yo le pondría a mis hijos pequeños para que vieran si los tuviera.
Hermosamente hecha con la técnica que más amor aporta al cine (después de la animación japonesa) como lo es el stop-motion, una película francesa, de poco más de una hora, que narra como luego de que un niño pierde a su madre accidentalmente, quien era una mujer alcohólica y le da poco amor, pero que aún así él amaba mucho, al no saber donde está su padre este es llevado a un internado, ahí cuesta arriba gracias a su amigo policía, y una nueva chica que llega con problemas también en su pasado, logra ver el lado más humano y bueno de la vida.
Una película muy sencilla, simple, pero que es capaz de exponer y explicar a los más pequeños grandes problemas de la vida y lo que es crecer como el sexo, la muerte, el buylling, la amistad, el amor, la empatía, el ayudar al otro, la redención, de una manera muy directa y a la vez bella, delicada y elegante. Con muchísima más propuesta que muchas películas de Disney. Denle la oportunidad y vean una película que no siendo en su estricta naturaleza para niños, les puede dejar mejores enseñanzas que cualquier película de superhéroes que me mencionen.
Película brasileña del laureado director Walter Salles la cual cuenta con una historia sencilla pero bastante bien estructurada. Sin hacer ninguna clase de reseña o spoiler, les diré que la historia la cual es original y escrita por el mismo director es bellísima, con una fotografía aún más bella y la música en realidad vuela la cabeza de lo hermosa. Aunque en ratos pareciera el ritmo se ralentiza y puede parecer muy lenta, aburrida y que no va a ningún lugar, pero vaya que si tiene un destino esta historia, y el fin vuelve a justificar los medios como el buen cine sabe hacerlo.
Una verdadera joya de nuestro cine latinoamericano realizado por uno de mis directores favoritos del sur del continente.
Los Insólitos Peces Gato.
De esta película de una u otra forma ya quería escribirles, el por qué? Porque la he proclamado en cuántos lugares puedo como una de mis películas mexicanas favoritas en lo que va de la década junto con Güeros, Las Oscuras Primaveras, La Región Salvaje, y Te Prometo Anarquía.
La ópera prima de la talentosísima directora Claudia Sainte-Luce narra cómo después de que una joven solitaria conoce en el hospital a una mujer con VIH y esta la invita a su casa llega para quedarse formando parte de esta familia que a pesar de estar unida, necesita ser reparada. Pareciera la joven es adoptada por esta mujer, aunque en realidad, como bien dice el título de la película, ella acaba adoptando a la familia. Hermosísima, sencilla, nada pretenciosa peri sí con gran profundidad, con dialogos y frases que quedan en la memoria colectiva, con detalles más que notorios que nos hacen saber que esta película es nacida de un auténtico amor por la historia a contar, hacen que con todo y algunos defectos sea perfecta.
[...]Usa brasier, no puedes ir así por la vida. Los domingos por la tarde no son tan feos como crees. De los problemas no se puede escapar, hay que enfrentarlos siempre.#LosInsólitosPecesGato
Una Bella Luz Interior es la película más reciente de la directora francesa Claire Denis.
La película va de como la vida de una pintora llamada Isabel, recién divorciada, con casi cincuenta años, y que busca el amor verdadero en cualquier lugar que puede, intenta y se frustra de que éste no llegue a su vida como ella lo idealiza. Va y viene con su ex- esposo, se vuelve amante de un banquero que la ayuda a exponer su obra en una galería, se enamora de un joven actor indeciso con el cual no puede hablar, se junta con un hombre con el cual baila en un bar, intenta tener algo con el asistente de la dueña de la galería donde expone, pero el amor simplemente no llega, o al menos no el amor que la cultura pop y las películas francesas nos dicen que es.
La película es una propuesta muy interesante y diferente de como se puede hacer hoy día una comedia romántica, o si gustan llamarlo así, una comedia llena de humor oscuro anti-romántica, ya que mientras vemos a esta mujer tratar de encontrar el amor, en realidad lo que vemos es un completo fracaso tras fracaso de esa búsqueda, ya sea por valor propio, por auto sabotaje, o por lo que le dicen los demás a pesar de lo que ella pueda estar sintiendo.
La película se torna por muy largos periodos de tiempo muy lenta, con diálogos largos en los que en realidad es difícil a veces descifrar y seguir lo que quieren decir en verdad en la puesta en escena, aunque adaptada de una novela por la misma directora y Christine Angor, pareciera hicieron una obra de teatro y la filmaron.
Constantemente vemos close-ups y tomas muy cerradas en los rostros y facciones de los actores, más hacia nuestra protagonista, que honestamente les he de decir que si no fuera porque la protagonista es Juliette Binoche quizá si me hubieran molestado un poco. Y hablando justamente de esto un par de detalles, el primero es destacar la fotografía y el valor que yo considero aporta a la película y su historia y como hay reflejo de esta en la trama, ya que en un principio se torna muy oscura en los tonos que se manejan en escenografía y el diseño de producción, entonces cuando se ve a Isabel ilusionarse, o creer que por fin a encontrado eso que ella busca, la fotografía se torna más luminosa, y cuando vuelve a caer en desilusión, vuelve a ser todo el entorno grisáceo. La música de la película es bella, sutil y delicada, por momentos, y por la trama en si y como se desarrolla todo uno evocaría a alguna película de Woody Allen, y por eso yo le doy más valía todavía. En cuanto a las actuaciones todos tienen un desempeño bueno, pero más que formidable la protagonista que tanto en las situaciones cómicas, de desesperación, de tristeza, de frustración, de desesperanza, de auto flagelo, es más que excelso el trabajo de esta mujer a la que yo admiro tanto y que la veo como los buenos vinos, diría la coloquial frase.
Una película a la cual hay que tomarle tiempo y tenerle paciencia, si no disfrutas el cine así, o simplemente esperas ver la historia d amor convencional, o de desamor, quizá te aburra, o te enoje, o te desespere, o simplemente te acabes durmiendo en algunos de estos lapsos de diálogos largos. Interesante y diferente propuesta que yo he disfrutado mucho, que habla de como vive una mujer idealiza el amor y como a veces son diferentes las cosas en la vida real, y a veces como esperamos que siga siendo igual que antes, como a veces nos quedamos en cierta etapa y después ya no pasa nada, o parece que pasaron muchas cosas mientras estuvimos durante mucho tiempo en una relación. También vemos un poco, aunque en realidad no es tema central, como el hombre ve también el amor en diferentes edades y la verdadera importancia que le damos a la mujer en la vida amorosa, si como una compañera, o una acompañante, y se hace una crítica bastante fuerte me parece, y que bueno. Nos habla de como en la desesperación uno recurre a todo por encontrar el amor, aunque en realidad sea eso lo que busca uno, el amor, sentirnos amados siquiera por cortos lapsos, que a veces quisiéramos alargar, y no una pareja como tal, y no nos damos cuenta.
Sólo para terminar comentar un par de cosas, la primera es que sólo una vez en la película podemos ver a Juliette Binoche pintar, que dicho sea de paso en la vida real si pinta, y la segunda es que hacía mucho que no me tocaba que en una película toda la gente se quedara hasta terminar los créditos, pero eso se debe que mientras los créditos ruedan la película sigue, que es la parte donde vemos al personaje de Depardieu, pero no haré spoilers innecesarios o que arruinen su experiencia.
Esta película decidí verla porque uno de los blogs que más leo y que más me gustan sobre cine, A.S.B. Virtual Info, el cual es dirigido por un amigo de la red colombiano llamado Alejandro Salgado, la nombró como su película favorita del 2017. El caso es que decidí verla por este motivo y me pareció una película por demás triste y cruel, pero vámonos por partes.
Sin Amor como se le llamó en español, es una película rusa del año pasado del director de la misma nacionalidad Andrey Zvyagintsev. (el mismo que dirigió la tan laureada -y que por cierto increíblemente aún no he podido ver- Leviathan y que formará parte este año del jurado en Cannes)
La película por un lado es muy brillante y hermosa visualmente hablando, la película la empieza como yo espero algún día empezar mi corto, con tomas fijas a paisajes cotidianos del personaje al cual nos adentraremos más adelante una vez que la película entre en trama, paisajes y tomas y cuadros bien definidos con una corrección de color excelsa. La película va de como vemos que mientras el matrimonio de Zhenya y Boris se desploma, ambos resignados a vivir separados ya con otra pareja con la cual pasan la mayor parte del tiempo, entonces ellos no quieren hacerse cargo de su hijo, al grado de pensar en llevarlo a un internado y dejarlo ahí para siempre, y es que me parece que el trato que le da Andrey a los personajes y como los estructura es magnífico, me explico.
El inicio de la película, y las pocas apariciones que tiene Alexey, el hijo de la pareja, la mayor parte del tiempo está sólo, el cual es muy retraído siempre escribiendo o dibujando algo en su libreta. Entonces los pocos momentos que están sus padres con él en realidad no están con él, pues o están discutiendo, o en su teléfono hablando o viendo sus redes sociales o tomándose fotos, en este contexto también vemos lo mal que se ve y el retrato que hace Andrey de lo enferma que está nuestra sociedad hoy día precisamente por estas cosas, descuidando lo verdaderamente importante, hace de su película algo grande, casi al grado de llegar a la obra maestra y a la vez hace una crítica social bastante bien ejecutada de la gente más preocupada por conflictos bélicos o supersticiones sobre el fin del mundo, como si importara el fin de un mundo en decadencia.
El lapso más grande que vemos entre la última aparición de Alexey en la vida de sus padres y hasta que se dan cuenta que ha desaparecido, es muy largo, un día entero; y en este día vemos como sus padres en su nueva vida en realidad repiten patrones en su nueva vida feliz que hacían en su miserable vida anterior al principio, ellos culpan a Alexey de su desdicha, por haber nacido, cuando el realidad él no pidió nacer, ni sufrir tanto mientras escucha a sus padres decir que no lo quieren. (Esta escena con el pobre Alexey llorando en el baño la verdad es desgarradora y dura) Entonces ya que empiezan a buscarlo con ayuda de un grupo de rescate civil, no vemos más que ver repetir a este par los mismos patrones y mismos reproches sobre el niño, nunca pensando realmente en él, sino como aquello afecta sus vidas, y esto no es más que una clara crítica a nuestra sociedad que cree que los hijos hay que tenerlos porque es una obligación, sin saber si las personas están realmente capacitadas para ser padres, para dar amor, nos muestra la cara fea de los padres que no hacen más que ser egoístas, de esos que piensan en todas las oportunidades que dejaron pasar por "culpa" de sus hijos, vemos también la hipocresía de una sociedad que se rige por las normas religiosas, un hombre con una amante la cual está embarazada, que teme hacer público su divorcio y el hecho de que no quiere a su hijo por temor a que lo despidan, una mujer vanidosa que tiene podrida el alma por dentro que huyo de una prisión impuesta por su madre la cual es su vivo retrato y tiene a un bebé que ella siempre quiso abortar, sin importar cual desdichado harían a su hijo. Al final cuando encuentran a Alexey, en una escena de las más impactantes que yo he visto en últimos años, y con una Zhenya y un Boris igual de desdichados en su nueva feliz vida sin Alexey, vemos como pudo haber sido la muerte de un niño sin amor.
En la edición del año pasado del Festival de Cine de Los Cabos fueron cuatro las películas que de las que tenía contempladas ver, o que ya estando allá escuchaba hablar maravillas de ellas entre los críticos de cine que deambulaban por el complejo del cine, no las pude ver, ya fuera o porque coincidían con funciones de otras películas que quería ver más, o porque la sala ya estaba completamente vendida. De esas películas dos eran mexicanas, (A Morir a los Desiertos y Ayer Maravilla Fui) una húngara (En Cuerpo y Alma) y esta de las que les quiero y vale la pena mucho hablar.
Una Mujer Fantástica es una película chilena dirigida por el director chileno Sebastián Lelio, director que tiene un par de películas que me parecen muy bien logradas como lo son Gloria y Navidad. La película además es producida por Pablo Larrain, uno de los directores de cine más respetados hoy día de latinoamérica (quizá sólo por detrás de los tres compadres mexicanos Cuarón, Iñárritu y Del Toro) y por demás cobijado por la industria de cine norteamericana, aunque siempre reconociéndole el hecho de que no deja de hacer cosas en pro del cine en su país.
La película en resumidas cuentas trata sobre la vida de Marina Vidal, una mujer transgénero, ve su vida vuelta un caos a raíz de la muerte de su pareja, un hombre con una ex esposa e hijos los cuales no la quieren ver ni que se acerque al cuerpo ya sea en la iglesia o el funeral, y por si eso no fuera poco tiene que lidiar con la burocracia la cual busca algo turbio en su relación con Orlando sólo por el hecho de ser quien es, haciendo sentirse mal, discriminada y menos.
Y es que la película me parece es por más de un motivo una de las mejores películas sin lugar a dudas del año pasado. Empezando por lo técnico la película cuenta con una fotografía por demás bellísima, no sé por qué pero en mucho me hizo recordar a la italiana La Gran Belleza, será por estos colores neón en los clubes tipo fiesta de Jep Gambardela. En cuanto a lo narrativo el guión es muy claro, las actuaciones muy correctas, por sobre todo la de Daniela Vega la cual es capaz de hacer que el espectador empatice con su situación, o más que su situación, las situaciones que los demás personajes la hacen pasar como la detective que lleva el caso y Bruno, el hijo de Orlando, el cual la saca del departamento donde vivía con Orlando y el ataque que le hace Bruno y sus familiares en una camioneta.
Durante toda la película vemos como esta mujer lucha por una sola cosa, mientras lucha su duelo por la perdida de su ser amado, el cual en cierto punto de la película supera, y es el hecho de que se le reconozca como persona que es, al igual que cualquier persona más, y por el nombre que ella ha decidido llevar, porque en toda la película no la vemos pedir que se le reconozca como una mujer, sólo vemos luchar por el hecho de que se le reconozca por su nombre, como todos tenemos uno, ya sea que este haya sido impuesto o lo hayamos elegido nosotros, y el hecho de que le devuelvan a su perra. (Como en Lady Bird)
Y de ahí que me ha parecido también un gran acierto el título de la película: "Una Mujer Fantástica", pues vemos como en los ratos de mayor pesadumbre, ella se reconforta y se protege en sus fantasías, ya sea luchando sin caer contra las ventiscas que tratan de llevársela, bailando con los ojos cerrados al son de una coreografía a lo Broadway, o dándole el último beso a su amor antes de verlo arder en las llamas.
El inicio es un poco soso pero empieza a hilar todo y me parece llegado el punto donde está con su profesor de canto con el cual me parece hace la mejor escena de la película por todo lo que ella conlleva, la película no deja de ser hipnótica y brillante, incluso más que la ya mencionada estupenda fotografía.
Ganadora entre otros premios, del Oscar a la Mejor Película Extranjera, sin lugar a dudas Una Mujer Fantástica es una película que vale mucho la pena apreciar, aprendámosle algo al bien realizado cine chileno, el cual me parece es el cine que más ha crecido en lo que va de la década quizá mundialmente hablando.
El
Profesor Marston y la Mujer Maravilla es una película que trata
sobre el origen de este personaje de historietas y que hoy día es tan famoso
por el universo cinematográfico de DC, pero créanme ahora mismo que estoy a
punto de escribirles sobre esta película que va más allá de eso, y que es mucho
más interesante que cualquier cosa que se haya hecho para el cine o la
televisión de esta superheroína.
La
película nos cuenta cómo el profesor Marston, al momento que está defendiendo
su trabajo frente a un grupo de personas las cuales deciden qué es ético que
los niños lean y que no en la década de los 40's, con un conflicto bélico
recién terminado y el cual se ve reflejado en la tira cómica, está recreando
toda la historia, y a la vez su historia de cómo fue que creó este personaje
tan personal.
Nos
narra cómo el profesor Marston, en la década de los años 20's, quien imparte
una clase para un grupo de chicas en la Universidad Radcliffe de Harvard, y es
acompañado por su esposa Elizabeth, quien a pesar de ser brillante la
universidad no le da su doctorado solo por el hecho de tener vagina, como ella
misma lo dice.
Ellos
son una pareja poco convencional que son muy apasionados, trabajan juntos,
entre otras cosas, en una aparato que después perfeccionarían y del cual
derivaría el primer detector de mentiras, y en una teoría sobre el
comportamiento humano a la cual llaman DISC, en la cual a grandes rasgos
exponía que las personas éramos completamente felices cuando no sometíamos a
una autoridad, o sea una persona a través del amor en cuatro fases. Pero no nos
adelantemos, ni entremos a cosas más científicas, vayamos a la historia, porque
es muy buena.
En una
de estas clases el profesor conecta de inmediato con una estudiante, Olive, y
este le dice a su esposa que la utilizará para el proyecto. Ella al inicio está
un poco indecisa, pero luego de averiguar que es sobrina e hija de dos de las
pioneras feministas de los derechos de las mujeres, es que la dejan entrar en
sus vidas.
Con su
ayuda ellos encuentran armonía en sus vidas, cuando las cosas se quiebran por
su temperamento o sus sentimientos no se sienten completos, y vuelven a estar
juntos, es una dependencia, pero jamás se vuelve enferma a pesar del
sadomasoquismo, porque lo hay, pero esto se justifica por muchos motivos que
tocaré más adelante.
Cuando
dejan de luchar con los sentimientos que tienen entre los tres y deciden estar
juntos, las cosas se complican al quedar los Marston despedidos. Olive rompe su
compromiso con su novio y además queda embarazada, entonces a partir de ahí
vemos cómo esta relación poliamorosa tiene que luchar en secreto por defender
su historia ante la sociedad tan cerrada de los años 40's, que no acepta este
tipo de relación como auténticos super héroes que mienten y se esconden tras
disfraces de secretarias, amas de casa, escritores, no por algo muy llamativo
pero sí muy necesario e indispensable para el ser humano: el amor.
La
película desde un principio nos muestra cosas e ideas bien plantadas. Las son
muy destacables, empezando con Luke Evans, que si bien ya en El Hobbit mostraba
buenas hechuras (de lo poco destacable de las dos últimas partes, me parece)
acá nos enseña que con un buen papel hace personajes interesantes. Pero sin
duda yo alabo y aplaudo en primer lugar a la joven Bella Heathcote en el papel
de Olive, y a mi adorada Rebecca Hall como esta mujer fuerte, sensible,
liberal, realista, erótica, que de lejos se ve el mayor rango actoral que tiene
y que su actuación bien podía haberle dado la nominación ya no pido para el
Oscar, al menos para el Globo de Oro, donde nominan a diez actrices en me
parece dos categorías cada vez más absurdas e innecesarias (o es eso o ya estoy
despertando a la falacia de estos premios, pero ahora vamos a ese tema de los
premios).
En
valores técnicos habría muchas cosas que puntualizar. En primer lugar el guion,
en todo esquema impecable; la trama en ningún momento decae, tiene ritmo,
ingenio, sus tiempos, sus escenas, sus diálogos, todo parece estar medido con
la precisión de un detector de mentiras perfeccionado.
La
fotografía, otro punto más que valioso. Hay en particular una escena en la que
me quedé rendido con el trabajo del encargado de la fotografía (Bryce Fortner)
y es en la que desempolvan las piezas del detector de mentiras, los enfoques y
desenfoques de cámara durante toda la película tienen un por qué. A últimas
fechas si algo odio en una película es esta terquedad o egocentrismo de algunos
directores de fotografía de hacer enfoques o desenfoques sólo por hacerlos y
por lo bien que se ven sin aportar nada o tener cierta congruencia con la
historia (eso me pasó con Lion, que fue lo único que no me gustó de la
película). Acá no ocurre eso. La iluminación, vestuario, diseño de producción,
la música, dirección de arte y todo lo engloba perfectamente la dirección, que
cae en mano de Angela Robinson, que con esta su tercera película me parece hace
algo grande y serio.
Si no
fuese por un par de cosas, pequeños detalles que tiene la película, como una
parte en la que hay una pérdida de continuidad grave (si no grave, sí es muy
notoria para los que nos fijamos en particularidades) que es en la parte donde
están en el parque mirando volar los aviones, y el hecho de que jamás hay en
realidad una profundidad sobre sus hijos y la relación con ellos y como ellos
miraban esta relación con un papá y dos mamás.
Si no
fuera por ello para mí esta sería una película perfecta, con esas palabras lo
pongo, que me parece es más que interesante el cómo plantea esta relación
poliamorosa entre tres personas, que si bien Woody Allen ya lo había mostrado
también de manera muy magnífica con su Vicky Cristina Barcelona (donde
ya todos sabemos también actúa Rebecca Hall) en la relación entre Cristina,
Juan Alonso y María Elena, Woody lo aborda desde una propuesta más artística y
amorosa, y es esta película lo ven desde un punto de vista de lo sadomasoquista
y creativo, aunque, como ya lo dije, se justifica porque no es sólo por el
sadomasoquismo como tal, sino por el verdadero amor entre estos personajes.
Otro
claro ejemplo que da esta película es que no hay necesidad de recurrir a
desnudos completos o escenas de sexo explicitas para que el espectador conecte
con esta sensualidad, erotismo, seducción y excitación que experimentaban los
personajes, como si uno mismo lo estuviera sintiendo; jamás cae en ese tonto y
absurdo cliché del desnudo solo por hacerlo.
Las escenas
no son ni mojigatas ni morbosas, son sutiles y directas, y es algo que se le
vuelve a agradecer a su directora, que además también escribe el guion (que
también pudo haber sido tomada en cuenta para los Oscar, pero no tiene caso
hablar al respecto, los Oscar tienen una larga historia sobre sólo ser
políticamente correctos, aunque aquí pudieron haber jugado con ello, la
película sinceramente tiene méritos propios para haber sido tomada en cuenta,
pero es una de las tantas buenas películas olvidadas e ignoradas).
Para
finalizar, les comparto un par de pensamientos que dice el profesor Marston, el
primero es cuando está a punto de acabar la película, donde está dando una
conferencia y dice que la Mujer Maravilla busca como tal hacer que los niños,
que son el futuro de la sociedad, empiecen a ver el poder que tienen las
mujeres en la vida, su valor, algo que leí buscando información me hizo llegar
a un texto donde William Marston decía: “Ni siquiera las mujeres quieren ser
mujeres mientras nuestro arquetipo de femineidad carezca de fuerza, fortaleza y
poder… El remedio obvio es crear un personaje femenino con toda la fuerza de
Superman, más todo el encanto de una mujer bella y buena”.
Decía
que los demás veían en La Mujer Maravilla una superheroína, en cambio él veía
las cosas buenas, bellas y valientes de todas las mujeres de su vida, a quienes
creía superiores a los hombres en muchas cosas y que no le importaba saberse
sometido por ellas, sobre todo de sus dos mujeres que fueron las que de cierta
manera le dieron más que estructura, aporte, ideas e imaginación para que este
personaje fuera creado. En varias partes de la película, aunque con un poco de
dolor, acepta que todas las cosas que había inventado en su vida jamás las
hubiera hecho sin ese par de mujeres aportando las piezas claves (todo el
tiempo durante toda la película vemos guiños de donde fueron sacando, tanto
William como ellas, las referencias de la historia de Diane como las amazonas o
el avión invisible).
Y el
segundo pensamiento es uno que les dice a las chicas en una de sus clases, que
si los hombres habían sido dotados por la naturaleza con un instinto más
desarrollado de fuerza y violencia, las mujeres con un instinto más fraternal y
de amor, no sería lo más conveniente que las mujeres gobernaran y tomaran las
riendas de este mundo. Yo creo que sí, y la película, sin caer en discursos muy
críticos, pero tampoco muy tibios o dejándolos a medias sobre el feminismo, me
parece si es, y con mucha inteligencia además, una carta de amor y apoyo a la
lucha de las mujeres por ese lugar que deben de tener como iguales con los
hombres, con derecho de elegir qué hacer y con quién hacerlo.
Una
película que se vale de la figura de La Mujer Maravilla y la historia de este
triángulo amoroso para hacer una buena crítica sobre la tolerancia, el respeto,
el feminismo y el amor, y además hacer una gran película, que es lo más valioso
de todo, jamás traicionar el medio para explicar lo que uno quieres expresar y
plasmar.
Manchester by the Sea es una película del 2016 de las que más resonaron en la temporada de premios alrededor del mundo, acreedora al premio Oscar por mejor guión original (los lectores habituales del blog sabrán que para nosotros es la categoria más importante) y mejor actor por la demoledora actuación de Casey Affleck.
La historia nos narra la vida actual de Lee, un handyman que trabaja de conserje en Boston el cual vive solo y sin una luz en su vida, y no malinterpretemos esto desde el inicio, es que en verdad es tan vibrante la actuación de Casey (y a la vez tan sutil y mesurada) que uno puede entender desde un inicio que el hombre está hundido en la tristeza, en una depresión, que no hay razón de vivir en su persona. Entonces un día recibe una llamada donde le dicen que su hermano mayor Joe, el cual tenía problemas cardíacos, ha muerto. Entonces el tiene que regresar a su pueblo natal, Manchester-by-the-Sea, Massachusets, un lugar que Lee trataba de evitar incluso en sus pensamientos lo más posible, pero tiene que volver a arreglar los preparativos del funeral de su hermano, y cuidar a su sobrino adolescente, Patrick, al que días después se entera que Joe lo ha dejado como su tutor. Entonces Lee en esos siguientes días tiene que enfrentar una vez más lo que es la perdida, en un lugar en el que él no debía estar, lidiando con la presencia de viejas personas en su vida, y sus propios demonios que en el pasado por pequeños errores cometió.
La película es profunda y tristemente bella, es una película que acto tras acto busca que sintamos empatía con la vida de este hombre que no le ha pasado otra cosa (al menos en gran parte de la película) que sufrir. Y nos muestra este sufrimiento como lo podría vivir cualquier persona que le han pasado cosas trágicas en su vida, no hay este dramatismo excesivo y cómico de las películas, simplemente vemos como la vida de un hombre se desmorona y como esto repercute para que él se quiera aislar y esconder del mundo. (Estoy haciendo todo lo posible por no hacerles spoiler relevantes)
La película funciona perfectamente por muchas cosas, la más valiosa creo yo, la correcta forma de utilizar para aportar a la trama de los flashbacks, como entrelaza el tiempo presente de Lee con su pasado, como en cada parte del presente cuando ocurre algo relevante, nos remonta a un recuerdo de su pasado que hace que tenga la historia sentido, y funciona porque jamás hay confusión y uno en vez de perder el hilo uno crea más conexión con su historia.
Las actuaciones por completo son excelentes, obviamente resaltando la de Casey pues la película está hecha para que brille por todo lo alto el protagónico, (un dato curioso es que el protagónico que se tenía pensado para el papel era Matt Damon, pero por compromisos tuvo que abandonar el proyecto y se sumo a Casey del cual se sabe es íntimo amigo, razón por la cual Damon siguió apoyando al proyecto a través de su productora) y también mención muy especial al desempeño de la encantadora Michelle Williams (que pareciera fue la actriz que más trabajó el año pasado pues fácil la veremos o hemos visto en 7 películas y en todas con la gran calidad que tiene esta actriz) que si bien no tiene tanto cuadro, con una sola escena junto con Casey tan desgarradora que casi te lleva a ti también al borde del llanto nos hace sentir tantas cosas que honestamente yo siento que los Oscar le han negado un premio que tenía más que merecido. Y también mencionar el cameo que tiene Lonergan en la película, el cual es tan gracioso como reflexivo.
Manchester by the Sea es una película triste que habla sobre las perdidas y como el tratar de perdernos y alejarnos no implica que vayamos a pagar o encontrar redención por los errores que cometemos sean por decisiones o accidentes, así como la película es triste al final se vuelve una reflexión, una redención, una que se encuentra volviendo al lugar donde nuestro corazón se rompió o se quemó, para encontrar los pedazos de este y empezar por apoyar a las personas que aun están y necesitan de nosotros.
