1938

Si bien a "1938", la nueva película del maestro Sergio Olhovich le adolecen muchísimas cosas, también debo decir que tiene cosas muy lindas.

Empezando por los valores que tiene la película, debo decir que me ha agradado la valentía del maestro Olhovich por empezar la película con una narrativa que mezcla material de archivo con tratamiento documental, con la construcción ficticia. Los primeros minutos realmente son muy buenos. Pero justo a partir de ahí, si bien hay cosas que en lo técnico/actoral no funciona del todo, la forma clásica en la que es narrada la película, es digna de un director de la edad y jerarquía del maestro.

Dentro de todo lo que le adolece, lo primero que habría que señalar es el horrible y totalmente deficiente trabajo en el diseño sonoro. Se oye mal, por momentos fuera de boom, y con eco; todo lo referente a sonido es un desastre. Los injertos (que hacen que se presente un desfase la acción, creando problemas de continuidad) y ni que decir de la música: es horrenda.

El trabajo fotográfico no es del todo malo, aunque presenta en algunas escenas un granulado raro, y los close-ups sobre planos secuencia, se hacen de forma lenta y torpe, lo cual hace que se presenten desenfoques dignos de un trabajo escolar mal hecho.

En cuanto a las actuaciones y personajes, la mayoría resultan ser planos, cuadrados e incongruentes (ni Briones se salva, carajo). Ianis Guerrero es tan bueno interpretando a su Lázaro Cárdenas como yo interpretando a Marcos McFinger, es decir, es muy mal actor, pero salva la chamba porque el personaje así se lo permite. La única actuación que yo destaco es la de Baltimore Beltrán como Mujica, y quizá también salvaría a Karen Martí como Amalia Solorzano joven, aunque esta se anula al presentar a Ofelia Medina como la Amalia Medina mayor (a quien yo habría anulado del cast, pues realmente no aporta nada, y es el motivo por el que muchas personas dicen que esto parece mas un reportaje de Canal Once que una película), pues no se parecen absolutamente en nada. La pareja de los periodistas dan algo de color y gracia a la película, pero seamos honestos: ni todas las ganas puestas por Sergio Bonilla y Maria Penella; hacen que sus apariciones parezcan otra cosa mas que telenovela en horario estelar (me niego a decir que parecen protagonistas de un capítulo de "La rosa de Guadalupe", como reza mucha bandida en Letterboxd), que una línea interesante dramática en un argumento cinematográfico.

Por último, eso de lo que mucha gente criticaba a la película del maestro, en el sentido de que parecía más un producto nacionalista y panfletario, jamás lo vi, hasta el final donde rezan sin fin la frase sobre el petróleo y el futuro.

Aun con todo lo anterior, y con lo que suele ser el "status quo" del cine mexicano comercial en cartelera, "1938" es una rareza, quizá no tan bien hecha, pero de buenas intenciones, además del hecho de ver por fin el proyecto soñado del maestro Olhovich, que vuelve al cine después de más de 20 años son dirigir algo.

A través de Tola

[Hacer] Cine como terapia de sanación colectiva.

Antes que todo, debo decir de la manera más honesta, que este trabajo me ha dejado con sentimientos encontrados. 

A través de Tola es largometraje documental del 2023, que se rige claramente bajo los elementos del cine ensayo, de una forma muy personal, que sin tener falsas pretensiones en cuanto a lo narrativo, tanto en la forma como en el fondo; podríamos fácilmente decir que estamos ante una obra perfecta, pero eso no es del todo así. 

El trabajo de Casandra discursivamente hablando es muy bello, es el tipo de cine que a su servidor no sólo le gusta ver, sino que también le gusta hacer, un cine libre que refleja en su esencia a su autora, y las cosas que le importan. Pero esa libertad, y la valentía que muestra Casandra, llega y sobre pasa un límite que yo como director y crítico me cuesta ver y dar una valía en cuanto a lo discursivo y cinematográfico se refiere, aunque al mencioar esto debo decir que tampoco critico las decisiones en cuanto a la forma en que Casandra aborda ese pedazo de vida suyo que es el documental. 

La sobre exposición como autor en el cine es algo que yo valoro mucho, ese arrojo e ímpetu del artista de desnudar su alma ante la obra; en eso no hay ninguna réplica a Casandra. ¿Dónde la puede haber entonces? Y aquí empiezo con lo que, desde mi perspectiva, quizá no está tan pulido cinematográficamente hablando en A través de Tola.

La sobre exposición que hace Casandra en los testimonios de su abuela y su madre no sólo me parecen en extremo sensibles (les juro que me daba un nervio el hecho de saber que a la abuela en algun momento del documental le fuera a dar algun accidente cardiovascular), sino que me parecen hasta cierto punto, por la forma en que se registran y se muestran, como una forma de manipulación, y si; para desarrollar un discurso por demás valioso, pero creo que pudo haber formas que lo hubieran hecho igual o mejor en el sentido narrativo y argumental, y quizá sin exponer tanto a estas dos mujeres, aunque como ya lo dije, creo (y defiendo, porque todo artista debe expresarse como quiera) saber (y entender, por supuesto) los motivos del por qué justamente se da esa sobre exposición, pues creo que Casandra quería que la sanación no solo fuera personal, aunque se tuviera que rasgar muy de cerca al dolor, y se corrieran algunos riesgos hacia las protagonistas. 

En demás departamentos, el montaje por momentos puede parecer disperso, y aunque todas las tomas, con la honestidad y naturalidad que demuestra Casandra por capturar imágenes de su cotidianidad (además del material de archivo en el que se apoya Casandra tanto con fotografías como grabaciones caseras familiares), que son bellísimas y aportan un valor genuino para adentrarnos a lo que Casandra quiere que nos sumemos; siento que el documental pudo haber durado 5 minutos menos con un pulso ajeno en la sala de edición, no para cortar o quitar cosas, sino para mostrar lo que ya se tenía de una manera más efectiva, porque lo afectivo ya estaba, y no hacía falta manipularlo o reforzarlo. 

Finalizó diciendo que, sin querer transgredir en las decisiones y procesos que pudo haber vivido Casandra durante la realización de este documental, debo decir que quizá un poco más de arrojo y valentía por parte de ella pudo haber hecho falta, pues sinceramente, con todo lo bello que le veo a este documental, no puedo creer que haya recibido tanto estímulo y haya tardado 5 años en hacerse, cuando otros realizadores han creado obras igual de personales y autorales, con procesos dignos en cuanto a fondo y forma se refiere, en menos de dos años. 

Breve comentario sobre “El aprendiz”.

Primeramente, porque siento que eso se cuece un poco aparte y es lo que en sí hace totalmente atractiva a la película en más de un sentido, pero creo que estamos ante el mejor ensamble actoral del 2024. Sebastian y Jeremy lo hacen posible. Dicho esto, es admirable que en este año, Sebastian haya firmado dos actuaciones realmente impresionantes. Si les soy totalmente honesto, yo prefiero la de “A different man”, pero para nada le quito mérito a su Donald Trump. 

Ahora, dicho esto, debo decir que Ali hizo dos cosas a la vez que a mi particular punto de vista las veía no sólo difíciles, sino improbables. La primera, superar las formas que venía explorando con sus pasadas obras; y la segunda: ver un fondo tan pobre, vil y abyecto discursivamente hablando dentro de su cine. 

Partiendo la lectura de las buenas hechuras que tiene la forma, Ali muestra su habilidad narrativa de contar una historia, un ritmo sagaz que realza la labor a nivel montaje, aunado al bellísimo tratamiento visual que se hace de la representación histórica que nos hace pasar de una NY decadente e indeseable de los 70’s, a la glamorosa y revitalizada NY de los 80’s. En este sentido se nota aún más la riqueza de todos los elementos técnicos de la película en los exteriores y planos generales, pues en lo interior/interno y en el plano más cercano, se asoma no un error, sino un formalismo que atiende directamente al fondo. 

Mucho de lo realmente propositivo del cine de Ali radicaba en dos cosas a mi parecer: el no prejuicio de los temas sociales que exponía, y la ambigua generalidad de la posición de sus personajes, y acá me parece que no están tan bien representados/ejecutados estos valores.

Partiendo del primero, si bien es verdad que esta película no toma partido aparente hacia un juicio a la figura del joven Trump, la forma en que es observado a través de la cámara (ojo acá con el lenguaje cinematográfico), si hay una especie de validez a no sólo el camino aprendido, sino a la validación de su forma de burlar a la ley y de pregonar la vida de éxito, atropellamiento y riqueza desmedida, aún cuando hay un claro conflicto con su definición de familia y lealtad, no es abiertamente claro el hecho de que pareciera que a través de su arte (está película en particular) Ali nos dijera: “Miren los inicios del monstruo que es Trump, pero que simpático es”.

El segundo, sobre todo se manifiesta con respecto que justo en sus películas pasadas en las que no había ni prejuicio ni validación tal cual de la problemática social que retrataba, y que me parece en muchos sentidos debería de ser la postura oportuna del arte y el artista en general, si que había una inclinación real y total a temas sociales por demás importantes, justo por ser el espejo y panorama de muchos sectores sociales vulnerables y rezagados de todo el mundo, pero lo que pasa acá es que hace el estudio de un personaje muy particular que sólo puede verse reflejado por un sector social además de muy pequeño, por demás privilegiado, que además de que no le va ni a beneficiar ni a perjudicar el discurso de esta película, tampoco va a hacer una diferencia en un aspecto crítico al espectador con respecto a la pobre lectura contextual que se hace desde el argumento y el guion, de la oligarquía y sus alcances.

Temporada de premios.

A propósito de que este domingo se cierra la dichosa temporada de premios a lo "mejor" del cine, con la entrega de estatuillas del Oscar (AMPAS), me aventuro no sólo a hacer el ejercicio que hacen muchos sitios como especie de predicción de quien ganará, sino que como ya lo he hecho en años pasados (incluso con los Ariel), me aventuraré a enlistar las películas que considero, debieron ser las nominadas y en consecuencia las ganadoras (y de acuerdo a las que yo ví, que casi fueron todas), de al menos, los premios más importantes, o mejor dicho; de las categorías que a mí más me importan.

Actriz de Reparto:

Monica Barbaro (A complete unknown)

Chhaya Kadam (All we imagine as light)

Trine Dyrholm (La chica de la aguja)

Aunjanue Ellis-Taylor (Nickel boys)

Felicity Jones (The brutalist)

Actor de Reparto:

Kieran Culkin (A real pain)

Guy Pearce (The brutalist)

Yura Borisov (Anora)

Barry Keoghan (Bird)

Adam Pearson (A different man)

Guion original

A different man

La semilla de la higuera sagrada

Bird

The brutalist

Anora

Guion adaptado

Nickel boys

Queer

Conclave

El conde de montecristo

The wild robot

Actriz

Victoria Carmen Sonne (La chica de la aguja)

Saoirse Ronan (The outrun)

Mikey Madison (Anora)

Demi Moore (La sustancia)

Mzia Arabuli (Crossing)

Actor

Daniel Craig (Queer)

Adrien Brody (The brutalist)

Sebastian Stan (A different man)

Ralph Fiennes (Cónclave)

Timothée Chalamet (A complete unknown)

Fotografia

La chica de la aguja

Cónclave

Nosferatu

The brutalist

Parthenope

Montaje

Anora

The brutalist

Challengers

La sustancia

Bird

Documental

Dahomey

No other land

Made in england

Pepe

Sugarcane

Animación

Flow

Memorias de un caracol

The wild robot

Look back

The lord of the rings: the war of the Rohirrim

Director

Andrea Arnold

Mohammad Rasoulof

Miguel Gomes

Brady Corbet

Sean Baker

Película

La semilla de la higuera sagrada

Dahomey

Grand tour

Bird

All we imagine as light

Nickel boys

The brutalist

Anora

A different man

Volvereis

Breves comentarios sobre "La liberación"

Me arriesgo a formular mi opinión desde mi inexistente e indómita ignorancia sobre los movimientos feministas que vienen aconteciendo desde que se creó el movimiento del #MeToo (y que por supuesto celebro y respeto), sobre la serie “La liberación” de la siempre interesante y talentosa Alejandra Márquez Abella, que en realidad se crea a cuatro voces junto con Ilse, Cassandra y Johana (las protagonistas de la serie), todas muy admiradas y respetadas por su servidor. 

Si bien no toda la serie es dirigida por Ale, ni escrita en su totalidad por ella (por ahí también intervienen un par de admiradísimas mías: Aura García-Junco y Jimena Montemayor), si es quien al fin de cuentas pone el concepto artístico que llevará todo el conjunto de la obra. 

Vidas pasadas, heridas heredadas.

El fondo es indiscutible, valioso, valiente y loable; incluido por supuesto su argumento y varias decisiones desde el guion. Pero en cuanto a la forma se refiere, no sé. Veo tantas cosas que ya he visto en otras partes, que desde mi perspectiva, se usa más el impacto del "qué dirán", que la misma necesidad narrativa para contar esto. Pero sé que no soy quien para cuestionar las narrativas feministas, y no es un comentario en lo absoluto irónico. Actoralmente hablando, todas y todos los personajes principales y secundarios están impecables (doña Ofelia Medina y la primera actriz Dolores Heredia, en plan diosas e perfectamente impecables en todos los sentidos de las palabras), los de reparto, no tanto (sobre todo en el capítulo de los onvres)

Aún con el hecho de la gran valía del fondo, y mi cuestionamiento en sus formas, creo que habría sido mil veces más poderoso y valiente atender todo esto a través del documental, porque las incongruencias de la ficción (incluso haciendo de muchas situaciones bastante predecibles) desde la farsa y un dejo de sátira con humor negro (que buscan justificar las fallas de congruencia) y lo burdo (como en Un actor malo) ahí están, y le restan potencia y mucho mérito al discurso, llenándolo de estereotipos, muy mal representados, además. 

El quinto capítulo es tan definitorio como polarizado, en el cual el elemento simbólico se refuerza y llega a su punto cumbre/máximo, haciéndolo por mucho el mejor de la serie. Aunque también por momentos apela a la cuarta pared, y aunque claramente, yo sé que no está mirando a quienes no hemos sido violentos o violentados por nuestra condición de hombre, ni es en el estricto sentido de la palabra una mirada acusadora, no es una mirada subjetiva que incite al espectador a sumergirse en la psique, sino que sólo le permite ser un testigo sin que se le permita un momento de reflexionar por el tono que rompe entre drama/comedia en repetidas ocasiones, y es justo esa mirada lo que quizá sea lo que hace que su trama y discurso pierda fuerza, por decisiones poco hábiles con la cámara y su puesta en cuanto a decisiones de planos y secuencias se refiere (la escena de los hotdogs es realmente odiosa) como temiendo no sólo romper o herir susceptibilidades, sino teniendo el poder que podían crear.