Matthias & Maxime

1.-¿Es verdad que el trailer es mejor que la película? Si, para mí si lo es.

2.-¿Eso quiere decir que la película no tiene nada de interesante? Para nada, de hecho, la película tiene líneas y matices bastante interesantes. Y lo más importante, nos muestra la película a mi parecer, más seria y mejor lograda de Dolan desde "Mommy".

"Matthias & Maxime" muestra el trabajo de un Dolan más maduro, ya no es el chico que encantó con aquella extraordinaria "Yo maté a mi madre" (si me lo preguntan, una gran ópera prima), y que luego vendría a hacer gala de su estilo extravagante, repetitivo y lleno de influencias estéticas de otros directores y excesos por su gusto melómano (la verdad no soy muy fan de los tres proyectos que le vinieron a su ópera prima), pero que en "Mommy" deja plasmado (con la ayuda de una gran banda sonora) que las emociones son lo que conducen e importan en su cine. Luego en su siguiente etapa, donde el "chico rebelde" quiso ponerse serio, sus dos primeros intentos fueron para la mayoría de la crítica un desastre, yo no los consideraría como tal, pero si son películas bastante flojitas. "Sólo es el fin del mundo" es un largometraje sin rumbo que sólo brilla por la presencia actoral de sus tres actrices protagónicas, y de "La muerte y vida de John F. Donovan", mejor ni hablamos. En "Matthias & Maxime" hay una construcción importante de personajes principales, sobre todo en el de Matthias, un personaje en el que recae el peso de aquel que quiere olvidar la etapa del libertinaje aunque se tenga que alejar de sus amigos de toda la vida (por la inmadurez y los recuerdos que estos representan) para empezar a preocuparse por la vida que vendrá, en la que tiene que asentarse, tener un buen trabajo, hacer una familia, entrar a los cuarentas; pero eso se ve puesto en riesgo cuando ayuda a la hermana de un amigo a hacer un cortometraje en el que tiene que actuar con su mejor amigo de toda la vida: Maxime, un joven que es todo lo contrario a Matthias (y aquí, en este personaje, hay un lazo me parece más que estrecho con "Yo maté a mi madre") que es todo corazón, que vive el momento, que no tiene ambición alguna en la vida más que vivir, y que no reprime nada.

Hay una buena intención de cómo la cámara debe hablar en la película, y en las partes serias, es muy eficaz, la parte floja viene en los momentos en que todo el grupo de amigos está conviviendo, principalmente porque el grupo de amigos en sí no aporta nada a la trama, y me parece que ahí hay un gran desperdicio de recurso, ahí se pudo haber sacado más provecho al guion con algo que en el trailer parece ser un tema más que primordial de la película: la crisis existencial de dejar de ser joven y ser un adulto en ciernes, que como ya lo dije, si bien en el personaje de Matthias si se expone perfectamente, en los amigos se pudo haber seguido esa misma línea, y quizá estaríamos hablando de una obra mayor, tan mayor como si Dolan no hubiera echado mano de recursos de sus pasadas películas como las escenas hiperactivas o escenas muy rápidas y en primerísimos planos (muy a lo nouvelle vague) cuando el grupo de amigos esta reunido. No es algo que moleste del todo, pero es un recurso del cual yo no habría echado mano.

Riley Keough

Películas destacadas de junio

 

Selva trágica

Yulene Olaizola, reconocida documentalista mexicana da el salto al cine de ficción con este largometraje estrenado mundialmente el año pasado en el Festival de Venecia, el cual de entrada podría mencionar que, si bien no es una película del todo fallida, si es una película que se siente incompleta.

La película empieza por ser a través de su discurso narrativo, el cual está acompañado de una clara influencia del cine documental realizado por la directora, una especie de fábula mágica del poder sobrenatural que la selva ejercía sobre los hombres que se atrevían a explorarla y saquearla, y el desarrollo se va dando de manera armoniosa, pero en cierto punto se empieza a mezclar esta corriente con el darwinismo y la mística a través del personaje de la mujer que encuentran los exploradores, incluso un cejo de discurso feminista se puede dejar ver, pero sin ser forzoso, injustificado o molesto.

Ambos discursos no conflictuaban, y me parece que de haberse dado más desarrollo hubieran amalgamado perfectamente al gran trabajo actoral del cast, es por eso que creo que esta película tuvo que haber durado al menos veinte minutos más, no hay un final apresurado, pero no hay un desarrollo de ambas líneas narrativas en el punto en que se encuentran, aquí es donde podemos cuestionar si la película fue un proyecto con entero desarrollo por parte de la directora, o un proyecto de encargo.

Cosas Imposibles.

La gran diferencia de un director de oficio que lleva una línea narrativa aun cuando no es disruptivo, y un director novel que busca ser la “alternativa” con historias inconexas o ideas incompletas o que no germinan; es que el primero siempre, por muy normal o sencilla que sea la historia, terminará realizando una buena película.

Es el caso de este trabajo, el más reciente de Ernesto Contreras que, si bien nos ha dejado extraordinarias películas e historias como Sueño en otro idioma y Las oscuras primaveras, y otras más sencillas como Párpados azules o incluso el documental Seguir siendo, todas son el desarrollo de un mismo tema que el director siempre ha tocado en su filmografía, además de los temas que atañe cada película, este hilo rojo es el encuentro de soledades que se cobijan en sus entornos.

La película, a pesar de su historia simple, pero entrañable, nos regala momentos mágicos y de ensoñación, como la escena inicial al mostrarnos la vida mágica de los complejos habitacionales, (algo muy a lo The florida Project) y acto seguido nos introduce a la vida de nuestro personaje principal Matilde, una mujer viuda y solitaria que vive con su gato y que sigue siendo atormentada por la visión de su marido agresor (cual Pepe grillo amante del béisbol) que, tras dejar de recibir la pensión de su marido, tiene que buscar de donde sacar dinero. Entre los escasos tránsitos que da por la explanada compartida de la unidad habitacional, su presencia es atendida por Miguel, un joven sin padres que vive con su hermana la cual no se preocupa por él, y que se gana la vida vendiendo todo lo que está a su alcance. Es luego de un encuentro tan simple como compartir unos tacos, que la vida de ambos se ve trastocada, al grado de hacer cosas que ninguno de los dos creería que podría hacer, enfrentar sus miedos, atreverse a volar.

Las personalidades solitarias en el cine de Contreras siempre tienen un trasfondo que toca el pasado de sus personajes, este pasado no siempre se revela por completo, lo cual narrativamente es propositivo en el aspecto de que no se nos vende melodrama innecesario o se nos da una obra manipuladora de emociones, se nos dan las suficientes claves para entender a estos personajes, su naturaleza, como son, desde donde viene este origen de la soledad, pero de ahí en más el espectador tiene que poner completa atención en el desarrollo del lapso de sus historias que se nos muestran, y de ser necesario, rellenar los huecos de su pasado, o incluso de su futuro.

Las actuaciones de todo el reparto es muy destacada, sobre todo la de Nora Velázquez y Salvador Garcini; con el único que tuve un ligero problema al principio fue con Benny Emmanuel ya que no podía dejar de imaginar al mismo personaje que hizo en Chicuarotes, pero al final me parece termina entregando una buena actuación.

La película en muchos sentidos recuerda a las obras de Jeunet en el buen sentido de la palabra, y tiene un final muy a la Shawshank redemption.

La asistente

Primera película de ficción de la realizadora australiana Kitty Green, la cual gira entorno a un día en la vida de Jane, una joven que trabaja como asistente de un poderoso ejecutivo de una casa productora, la cual ante su ambición de poder llegar a ser alguien importante en la industria cinematográfica, tiene que aguantar la presión del trabajo, además de tener que aguantar las llamadas de la esposa de su jefe combatir su corazonada de lo que pasa con las jóvenes que llegan a entrevistarse con él, corazonadas que no tienen nada que ver con celos y competencia laboral como muchos de los hombres en la productora pueden creer.

Me parece que el ritmo y el tono de la película es por demás apropiado para el lapso de tiempo que la película retrata, para formar ese lazo y vínculo con la tensión a la que es sometida Jane, la lucha interna a la que es sometida por sí misma al sacrificar parte de su vida personal por conseguir lo que quiere en la vida. Julia Garner, quien es la interprete de Jane, hace un papel excelso, pasa, y nos hace pasar con su trabajo actoral, a través de todos los estados de ánimo por los que tiene que pasar Jane, el enojo, la impotencia, el dolor, la rabia, la tristeza; por algo es que la joven actriz fue nominada a Mejor Actriz en los Globos de Oro, aunque como sabrán, las nominaciones muchas veces salen sobrando o faltando cuando se trata de obras e interpretaciones importantes.

Sin duda alguna figurará entre mis películas favoritas del año.

Un Buñuel mexicano

Documental del año 1997 dirigido por Emilio Maillé, el primero que empezó a realizar, pero su segundo terminado, en el que expone en primera instancia, los tres primeros trabajos de Luis Buñuel catapultándolo de inmediato como el director que, además de surrealista, sería muy controvertido e importante a lo largo de su carrera, y por supuesto, el legado que dejaría y lo haría perdurar como uno de los grandes cineastas en la historia del séptimo arte.

Expone estos tres primeros trabajos y como se le van cerrando las puertas primero en Francia, y después en su país al desatarse la guerra civil, de la cual tiene que huir pidiendo asilo en Estados Unidos y como estando allá trabaja para el MoMA y después se desplaza a California para hacer traducción y doblaje de películas.

No es hasta 14 años después de haber dirigido su última película, que en México se le da la oportunidad de volver a dirigir, la primera película de encargo que hace es Gran Casino, en la cual si bien el corte es musical y no hay mucho del arte del director español, se empieza a ver una nueva etapa en su cine, una en la que el humor es factor fundamental y pieza clave, y es a partir de esta que el director se atreve a experimentar en aras de hacer un cine que guste, pero que también tenga un sello que sea ineludible a su persona, para después hacer las películas más prolíferas de su carrera, sobre las que se centra en particular el documental, por la búsqueda que hace Maillé y los testimonios que recaba sobre el realizador y sus más cercanos colaboradores, las manías de este y dónde le gustaba trabajar, todo esto fotografiado de manera muy natural y un tono azulado para entrar aún más en el espectro Buñuel: Los Olvidados y Simón del Desierto.

Me pareció un documental bastante interesante y bajo una mirada con escrutinio por seguir los pasos no seguidos antes del realizador español, no se fue por la fácil Maillé al tocar temas y rutas ya transitadas, al ser un director de la importancia y jerarquía de Buñuel. Anécdotas que enmarcan y dan aún más una personalidad y aura Buñuel, además me parece interesante la razón que hizo que este documental existiera: el que Emilio Maillé extrañara a su país natal mientras estudiaba en Francia. También repasa de manera más breve el paso más que importante y la gran etapa de Buñuel en Francia, donde filmó sus últimas películas.

Tolvanera

Documental dirigido por Ángel R. Melgoza, el cual muestra la lucha del Ejido El Bajío por recuperar sus tierras las cuales están a manos de la minera Penmont, y muestra cómo el documental viene a realizarse años después de que el realizador y parte de su equipo fue encañonado en la zona mientras investigaban para una serie de reportajes, por el hecho de que un periódico de alcance nacional vincula a los ejidatarios con grupos criminales, lo cual no hace más que manchar la lucha desigual a la que se enfrenta esta comunidad con el poder económico y la corrupción cobijada por la mayoría del orden político de nuestro país.

Quizá de las cosas que yo tendría que comentar sobre el documental es que me parece un documental además de sencillo y bien realizado, muy honesto. Dentro de las posibilidades de producción que las casas productoras tenían, echan mano de todo a su alcance para que el discurso, que está basado evidentemente en la denuncia, no sea maquillado ni se sienta gramo de maquilación para edulcorarlo, o hacerlo menos agresivo, y esto es algo que se aplaude, la valentía y la voz de identificación, no como muchos otros documentales mexicanos, que llegado el punto de alzar la voz y decir nombres, se quedan cortos, o a través de artificios en la sala de edición, echan mano a elementos para que no se sienta tan duro y tome más el tono de una ficción, como que en México estas cosas malas no pasan, o pasan muy por lejos de nuestro entorno.

El documental realizado por Ángel, no sólo denuncia y da voz a las víctimas, sino que también no le tiembla la mano para apuntar con nombre y apellido a los responsables, y no se detiene en eso, sino que además les da la oportunidad de dar réplica, pero ninguno de los responsables da la cara.

Como ya lo mencioné, un trabajo sencillo, honesto, pero que me parece no descuida en lo más mínimo el lenguaje cinematográfico en momento alguno, un documental que, por supuesto tiene que tener más visibilidad y pantallas en nuestro país, antes de que pase a las plataformas digitales. Esperemos que en ese recorrido, sea corto o largo, despierte las conciencias de muchos ciudadanos y los haga movilizarse, unirse y compartir estas luchas loables para que no se queden en el olvido y paguen los responsables, y que los que dan voz a su lucha dejen de ser perseguidos por los criminales de cuello blanco, los criminales judiciales, y el propio gobierno.