Brevísimo comentario sobre "Los destellos"

La posibilidad de huir y no hacerlo, por el amor a los tuyos sabiendo que te necesitan.

La más reciente película de la siempre y más que interesante @pilar_palomero muestra una capacidad muy femenina (que suelen poseer casi todas las mujeres, porque no me gusta generalizar) de aguantar todo (o casi todo), todo el tiempo, en pos de acompañar a los seres amados hasta el final, hasta donde tope. 

De narrativa sencilla y un drama simple pero sofisticado, la historia nos habla sobre la finitud de la mortalidad y como apapachar en ese proceso a quiénes fueron parte de nuestra vida, y lo siguen siendo; pero no con la misma presencia que al principio de su historia compartida. Se entiende perfectamente porqué la película se llama #LosDestellos pues logra momentos de abrumadora belleza, tanto discursiva como visualmente, que uno queda rotundamente conmovido. 

La película tiene una valía importante, sobre todo por las actuaciones que podemos apreciar y que representan personajes muy humanos. Isabel, el personaje principal, en manos de #PatriciaLópezArnaiz, hace que todo parezca real, y eso es triste, pero también hermoso. Una creación hecha de matices, bondad, empatía y encanto. Un amor total.

Anna y Dante.

 

El 2024 fue un año por demás prolífico en cuanto al surgimiento de nuevos obras cinematográficas en Durango. Alrededor de 40 trabajos, tanto cortometrajes como largometrajes figuraron y se proyectaron en distintos festivales tanto duranguenses, como nacionales e internacionales.

De todos esas obras, pocas fueron las que su servidor no pudo ver precisamente el año pasado (según mis cuentas, tres cortos, tres largos), y precisamente "Anna y Dante" fue una de esas pocas películas, y me da gusto que, a mi parecer una de las películas de mayor propuesta, valientes y mejor producidas del cine duranguense, sea uno de mis últimos visionados de esas películas del 2024, y por ende; una de las últimas películas duranguenses de las que escribo.

Cuando un embarazo inesperado amenaza con desmoronar sus sueños, Anna y Dante deben enfrentar sus miedos más profundos en un oscuro apartamento de Durango, guiados por un joven estudiante de medicina, para descubrir el verdadero significado del amor y la madurez.

La película abre con una frase que reza más o menos lo siguiente: "Basada en una historia real sin nombres pero con verdades". Esta frase, y la escena onírica con llamas, sangre y Dante (Juan Carlos Valdivia), que inmediatamente identificamos proveniente del inconsciente de Anna (Catherine Avila), ya nos dictan de maneras muy finas y simbólicas mucho de la película: hacia donde se dirige, pero también de donde viene.

Dentro de los fondos, uno agradece que Carlos, toque un tema de la manera que lo toca, tomándolo con la naturalidad de una persona que sabe que estas historias existen y son importantes, y que pareciera ficción que hoy día jovencitas se juegan la vida por no tener las seguridades que el estado debería de proporcionarles, cuando están seguras que por una u otra razón, no podrían ser las buenas madres que algún día les gustaría ser, y que tampoco tendrán hijos sanos por la misma razón. Sobre todo me parece que esta película es un acto de valentía al nacer en una ciudad como Durango con un contexto social aún muy conservador, que aparentemente está a favor de los temas socialmente delicados, pero a la hora de defender o apoyar a quienes buscan que esto sea posible y forme parte de la ley, se esconden, o empiezan a despotricar a favor de la falsa moral del siglo pasado que satanizaba el divorcio, pero callaba las violaciones familiares.

Dentro del tratamiento narrativo-visual, Carlos sabe adaptar la situación y retratarla con atino, acorde a la situación que se presenta. Mientras que en los momentos de interacción entre Anna y Dante cuando vuelven a convivir luego de su encuentro en la fiesta (habiendo dejado de ser novios tiempo atrás), con todo y sus encuentros íntimos (retratados con mucho decoro, sin sobre pasar lo explícito y crudo de la situación) lo hace de tal manera que pareciera que estamos mirando una historia contada por Anna o Dante justo con la edad que tienen en ese momento, jamás se endurece la mirada, no se nota la barrera, o eso que muchas veces pasa cuando una persona de treinta y tantos cuenta una historia de un par de jóvenes a sus 18 o 20. Aun con esto que logra Carlos a través del lenguaje cinematográfico, también se nota una mirada atenta y detallista de todo lo que les pasa a Anna y Dante, la armonía de los cuadros, la vorágine caótica de algunos planos, y la manifestación onírica del arrepentimiento y el deseo. Todos estos elementos nos lleva a constatar, o al menos a su servidor; que estamos ante un director que entiene todos los alcances que el lenguaje audiovisual le puede permitir.

Si bien todo lo comentado hasta ahora del discurso y lenguaje son importantes, nada de eso tendría significado sin los personajes de la historia, y por ende, las actrices y actores que los interpretan. La combinación que se hace de no-actores y actores con formación (aunque con poca experiencia) es perfecta, todos tienen la misma tesitura y se nota que Carlos puso mucho tiempo y atención a prepararlos para que dieran los tonos y la sobriedad que justamente él quería expresar en la película.

Hay un respeto a la esencia, a la naturalidad y a la coherencia no sólo de cómo pueden ser y comportarse las personas en una situación como la que se expone en la historia, sino que además siento también hay fidedignas muestras y un fidedigno tratamiento de como hablamos y somos las personas en una sociedad como la duranguense, sobre todo cuando hablamos de actos solidarios como es el caso de la amiga de Anna (Lucia) y el amigo de Dante (Alan), que en apariciones muy pequeñas, están cuando Anna y Dante necesitan ser escuchados sin prejuicio alguno. También está la figura macho/patriarcal del padre de Dante (que habría sido interesante que se explotara un poco más esa línea del cómo afectaba anímicamente a Dante), el caso del personaje de Milton (interpretado de manera brillante por Francisco de Pointe Du Lac [como reza su nombre artístico]) que es una muestra de ambición, conocimiento, lujuria y maldad en maneras equitativas; y el caso de Dante y Maggie (grata sorpresa también la de Esmeralda Vega interpretando un personaje que desde su construcción tiene contradicciones emocionales bastante interesantes), que luego de perderse en la noche y dejar a su suerte a Anna, regresan en el momento exacto, se arrepienten a tiempo para rescatarla y ayudarla, aunque a partir de ese momento sus vidas vayan a cambiar para siempre.

Y cerrando el tema actoral, no puedo dejar de hablar sobre el descubrimiento que ha resultado para su servidor ver la actuación de Catherine Avila interpretando a Anna. El trabajo emocional y su rango expresivo tanto facial como corporal, tiene un arrebato de inocencia, ternura y dolor que hace que uno crea todo lo que el personaje está pasando. Naturalmente hay un trabajo que se le debe reconocer a Carlos no sólo por la preparación, la guía y el ojo para elegirla a ella como Anna y de poner el encuadre y plano adecuado para justo hacer lucir y capturar esa actuación y lo que se buscaba hacer sentir al espectador, pero definitivamente considero a Catherine como el elemento más importante de esta película, sin dejar de lado por supuesto la carga psicológica y emotiva de Dante (que tiene una escena de derrumbe extraordinaria), y que es un perfecto acompañante de Anna, como lo es la música para los tiempos dramáticos en la película son rellenar de más absolutamente nada.

Otra valía muy importante en la película de Carlos es como reivindica a locaciones ya conocidas de la ciudad (como el multifamiliar Zarco, que por cierto en las escenas del departamento, el reloj en la pared les juega un par de malas pasadas en cuanto a la continuidad se refiere), y como descubre otras, como lo es el edificio olvidado del cerro de los remedios donde logra tomas muy bellas y que reflejan el estado de un amor rescatado de las ruinas, entre Anna y Dante. Carlos también logra regalarnos algunos cuadros a lo largo de la película de los que yo llamo "fotogramas para colgar en la sala de su casa", por la perfecta composición y sincronía de todos los elementos que tienen, hablando sobre todo de lo visual, pero también lo que va más allá de lo visual que hacen de ese cuadro algo perfecto, como es esa toma donde Anna y Dante esperan en la parada de autobús, en la que Dante vende su patineta, entre otras como las nubes de la parte final.

Hablando del final, este me pareció además de poético, de una belleza deslumbrante (que acá se comprende porque muchos sitios refieren a Durango como un personaje más de la película, aunque a mi parecer sólo se manifiesta en esta parte final). Debo decir con toda honestidad que temía que en algún momento, el cierre discursivo de la historia se fuera a inclinar por una línea moralina, pero me sorprendió gratamente que Carlos volviera de nuevo no sólo a una mirada que reflejara y abordara la situación desde una perspectiva acorde al problema que se retrata, sino que además Carlos ejemplifica con este final lo importante que es hablar y escuchar sobre los problemas que nos aquejan, y que ya sea que se resuelvan o no del todo, o como esperabamos; siempre hay una especie de alivio y liberación cuando se expresan a través de la palabra hablada.

Para finalizar, justo todo lo que pasan Anna y Dante a su corta edad durante toda la película y que es la médula de la historia, me hace volver a pensar en el principio de la película con esta visión onírica de Anna y que se vuelve a manifestar en su recuperación de lo vivido esa noche/madrugada donde experimentó el miedo y el dolor de ser mujer y estar sola. Mi interpretación (que no busca en lo absoluto ser moralina y redundante, pero que si así es interpretada por algunos, pido disculpas de antemano) es que tanto el elemento de la sangre como del fuego, pueden simbolizar la condena de la sociedad por los actos cometidos por Anna y Dante, pero aun con esta condena, Anna y Dante sabían que en su vida querían otra cosa. Y si el querer otra cosa a su edad los condenaba al infierno, no les importaba caer en ello, como seguramente a muchos de nosotros tampoco nos importaría en esta situación.

Shadows of the past: cine indie hecho por duranguenses en el extranjero.

Siempre he pensado (y dicho, cada que tengo oportunidad) que en el cine indie se tienen que tener concesiones en cuanto a la forma se refiere (y más cuando hablamos de propuestas de género como el horror/terror), y cuando hay una propuesta genuina en el fondo (o los fondos) realmente lo demás sale sobrando; porque uno no se acerca al cine indie para verle la costura perfecta, sino para tratar de percibir e impregnarnos del amor, valentía y coraje que las personas detrás de esta odisea, le aventaron al proyecto.

En "Sombras del pasado" primer largometraje de ficción de la directora méxico-estadounidense Luz Cabrales (nacida en Nuevo Ideal, Durango) se notan dos cosas particulares y de las cuales surge todo lo demas: la primera, su gusto por el cine de género; y segundo, su amor por la ciudad en la que vive (Scranton, Pensilvania) y trabajar con la gente de su comunidad. La sinopsis reza lo siguiente:

Cuatro adolescentes, huyendo de problemas, se refugian en una mansión aislada, propiedad de un anfitrión enigmático. Este les ofrece seguridad y la libertad de saquear la casa, pero solo si acceden a escuchar una serie de relatos sombríos de su pasado.

Podemos apreciar muy de entrada algunas de las referencias más visibles de Luz en cuanto al cine de género: "Cuentos de la cripta", "Escalofrios" (esto sobre todo por la naturaleza episódica de la película que más delante menciono), "Suspiria" e incluso podemos ver algún guiño a "The lord of the rings". La propuesta visual desde la plástica y la estética me parece la mayor parte del tiempo atinada, sobre todo en la historia principal que luego da paso a la naturaleza antológica de la película donde se nos presentan tres historias (o sea, tres cortometrajes) que se acoplan al nudo dramático principal de buena manera, aunque algunas con mayor fortuna que otras. Dentro de lo técnico y en cuanto a la imagen se refiere, hay un correcto manejo en el trabajo de cámara, los movimientos y desplazamientos naturales son bien manejados, así como el trabajo de plano/contraplano es muy acertado.

Donde se puede notar si bien no un déficit, pero sí un elemento que no juega a su favor en cuanto a la fluidez narrativa se refiere, es en los zoom-in y zoom-out que se trabajan en la edición, le quitan mucho peso a la impresión/intención visual que por momentos se va desarrollando en ciertas situaciones de la historia en turno que se cuenta. Otro detrimento es el abuso de la colorimetría, y es que por momentos pareciera se utiliza para dar sensaciones que por si solas, o con la ayuda de la música, jumpscare y recursos visuales; no llegan. Y eso puede llegar no sólo a hacer predecibles algunas situaciones, sino que puede llegar a cansar.

Una de las cosas más destacables que no quiero dejar de mencionar, es la dirección de actores. La gran mayoría del amplio cast que tiene la película, son realmente notables y se nota mucho la formacion teatral de algunos. El segmento de "The dancer" en definitiva fue el que más me agradó, asi como el personaje de Veronica. 

Y para cerrar, aún con el hecho de que muchas veces no se profundiza en llevar el horror al límite con las historias narradas y las situaciones que luego se suscitan con este grupo de jóvenes y el narrador, y que se queda sólo en las buenas intenciones de crear una atmósfera a través del trabajo de caracterización, el no tan pulcro trabajo de colorimetría, composición y el recurso del jumpscare, además del aura discursiva que raya un poco en lo moralina; se nota que Luz tiene talento nato y buenas maneras para contar historias dentro del género, que seguramente con el tiempo irá puliendo y perfeccionando. Este primer encuentro con ella, me ha resultado prometedor para lo que seguramente después tendremos el gusto de ver, y si sigue apostando por el cine indie hecho en comunidad, tendrá un futuro brillante.

Breve comentario sobre "El eternauta".

En tiempos de cambio, los monstruos aprovechan.

Después de dedicarme a verla de manera lenta (un capítulo por día), atenta y meticulosa, y aclarando de antemano que desconocía y a la fecha desconozco la historia completa y el cómic en el que se basa la serie; vengo a mencionar algunas de las cosas que más me han llamado la atención de lo que va de esta serie, una vez que se ha anunciado la continuación de esta:

■¡Vaya nivel de producción! De lo mejor que se ha hecho en habla hispana. A la altura de, por ejemplo; Bardo.

■Tiene sus pequeños detalles de congruencia en algunos detalles, y el montaje por momentos podría ponerle más empuje a las situaciones; pero verdaderas nimiedades para lo que logra con creces en otras instancias.

■Me parece brillante como los temas y géneros que se manejan en la trama (y que vienen de un cómic de hace tanto tiempo), se hayan podido compaginar y amalgamar en esta adaptación tan contemporánea, y que nada quede como zafado o flojo. Ciencia ficción, invasión alienigena, temas climáticos, cambios naturales, calentamiento global, y los temas más importantes: los sociales. Militarismo, adoctrinamiento, miedo, paranoia. Simplemente brillante.

■Debo ser honesto: me hubiera gustado que la serie se quedara en miniserie de largo aliento con más capítulos, pero me parece que la naturaleza de la historieta en que se basa permite justo la continuación, la libertad, e incluso la suspensión del tiempo. Y aunque en el último capítulo, que es el más largo, al principio tengo una bronca con el VFX, lo cierto es que para el cierre, uno si se queda con ganas de más.

Breve comentario sobre Sinners, de Ryan Coogler.

Quizá la mejor manera de empezar a escribir este texto que busca sobre todo ser breve, sería mencionando que la pelicula me hizo recordar de entrada una frase de Jorge Drexler que dice:

"Ya hacíamos música muchísimo antes de conocer la agricultura".

La película no es perfecta ni mucho menos busca serlo una obra maestra (de ahi la.presencia de una luz tan dispersa), pero por supuesto que es una de esas obras perfectas para ver en una pantalla grande, y entre más grande mejor. La película tiene sus detalles en el desarrollo de la historia (si, muy minimos, pero los tiene), pero su punto a favor es que jamás pierde del todo la congruencia dentro de su mundo. Las actuaciones, así como los personajes en general agradan, pero sin duda hay algunas secundarias que rebasan las principales (Michael cumple a secas, Hailee no tiene mucho cuadro, pero por momentos recuerda a aquella niña que maravilló al mundo del cine en Temple de acero) sobre todo cuando hablamos de actuaciones. El diseño de producción, la textura de la noche, todo bastante atinado. La música, por demás fascinante, y la escena donde se ejemplifica la conexión de pasado, presente y futuro a través de esta, es asombrosa.

Lo que en definitiva se cuece aparte es lo técnico, sobre todo los desplazamientos de cámara, los planos secuencia, la composición de los cuadros y el montaje; simplemente ESPECTACULAR (no brutal). Pero lo mejor de la película es el guion: inteligente, se mueve de manera acertada por distintas líneas jugando (apuesta muuuy arriesgada), las distintas posibilidades del discurso que se plantean para que el espectador se involucre hasta las últimas consecuencias, hasta ese bien logrado final donde Ryan toma postura y deja más que definido el discurso: la denuncia sin agenda panfletaria, las conexiones de sangre más allá del tiempo, la diferencia entre libertad y libertinaje, y la definición de la real felicidad.

En fin, seguramente una de las mejores experiencias que se tendrán en las pantallas grandes este año.

Por cierto, hay que quedarse en la sala hasta el final-final, pues lo que se ve luego de los créditos principales, no sólo es una escena post-creditos, sino el final de la película. Y para todos aquellos conspiranoides que empiezan a hablar sobre la movida de Coogler y las posibles entregas futuras de los personajes que salen en ese final, lo único que les puedo decir es que no vean monos con trinchetes, lo que hizo Coogler, además de visionario, es valiente; pues no hizo más que trabajar por su arte, para quedarse con su arte, una declaración de principios para un director que sabe lo que es venir de abajo. Un autor luchando y trabajando para que su obra y su arte sea suyo, y pensando más allá de lo económico, que si bien su movida le dará dinero, porque lo que crea es genuino y puro y conecta con las personas, seguramente eso es una consecuencia, y no el propósito de Ryan cuando supo que quería hacerse de esta película sin ganar en lo inmediato ni un quinto.

La Raya: fantasmas en el pueblo de los olvidados.

Para empezar a escribir este texto debo partir desde la honestidad: cuando supe sobre esta película el año pasado, justo por lo que se empezaba a compartir desde los festivales en los que empezaba su ruta festivalera, su sinopsis me parecía un tanto poco interesante, o mejor dicho, la sinopsis no me llamaba en lo absoluto a querer verla, porque me parecía tenía todos los elementos para que fuera una cosa además de risoria, simple, pero justo luego de que se llevaban a cabo sus proyecciones, y podía leer las impresiones de críticos y personas que admiro mucho en cuanto a las letras del cine se refieren, es que puse foco sobre ella, en el sentido que a la primera oportunidad que tuviera de verla, lo haría, y fue justo el día de ayer que gracias a la Filmoteca de la UJED (Universidad Juarez del Estado de Durango), con quienes gozamos el privilegio de tener una buena amistad con todos los que la integran, es que la pudimos ver gracias a que acogieron la Muestra de Cine de Realizadoras Indigenas, impulsada por la Secretaría de Cultura y el IMCINE (Instituto Mexicano de Cinematografía).

Comparto la sinopsis de la película, antes de empezar con mi análisis:

En el pueblo casi desierto de La Raya, un misterioso frigorífico aparece de la nada. Sotera Santos y su amigo Eric ven la oportunidad de hacer una fortuna vendiéndola. Sin embargo, la nevera pronto empieza a desvelar fenómenos extraños y enigmáticos a quienes se acercan a ella. Mientras Sotera lidia con estos inquietantes sucesos, también debe enfrentarse a la dolorosa realidad de que su madre podría no regresar para llevársela a Estados Unidos, y que quizá su marcha de La Raya aún no esté destinada a producirse.

Primeramente, debo decir que me a sorprendido gratamente como Yolanda Cruz (directora y co-guionista) con la premisa que presenta la película, pudo crear un argumento, y en consecuencia, desarrollar su argumento con temas tan diversos y vastos, cuya importancia y valor radican más allá de la cercanía que la directora puede tener con todo el contexto social/territorial.

El primer punto perceptible de la historia sin duda alguna es el refrigerador, un elemento en teoría tan ajeno tanto para las personas, las costumbres, pero también en un lugar como lo es La Raya, no sólo viene a ser, o quizá si, pero mostrado tal cual, como un elemento ajeno y extraño, que pareciera jamás pasa; un milagro o regalo de dios que les da tanto el temor como la posibilidad de hablar, conciliar y despediste de sus fantasmas no muertos, pero si ausente.

"Dios sólo nos manda lo que necesitamos"

Antes de tocar cada particularidad en muchos de los personajes, hay que hablar del contexto social tan importante y real que expone la película: los pueblos viejos y los pueblos de memoria. Ambos son los mismos, sólo que vistos desde la perspectiva de distintas generaciones y distintos ojos. Mientras los pueblos viejos son aquellos que los ancianos de comunidades pequeñas y remotas de las grandes urbes, quizá con independencia y cercanía a la tierra, pero cada vez con más complicaciones no sólo propias de la edad que quizá ya no les permiten trabajar como antes, sino que también las condiciones metereológicas que hacen que el agua sea cada día más escasa y difícil de conseguir (aquí también se desenvuelve una crítica muy sutil pero certera hacia los gobiernos por la falta de apoyos y recursos a las personas que dedican y dan su vida al campo y a la producción a baja escala de alimentos). Aunado a eso, esta el factor de los niños “huérfanos”, niños que son dejados por sus padres que buscan en la migración las condiciones para ayudar a su gente y darles una mejor calidad de vida, pero claramente a un precio muy alto, niños que en el mejor de los casos pueden aprender a amar a la tierra y seguir los consejos de los ancianos y sus costumbres de convivencia social muy particulares (el ejercicio tan lindo y sano de la comunalidad), o en el peor, al no tener la guía parental, verse obstaculizados por la falta de educación (en la película por un momento se expone esto, por un tema de infraestructura) y encontrar a sus abuelos cansados por la vida del campo, pueden encontrar ejemplo en la autoridad, ya sea la buena o la mala.

Se puede decir en muchos sentidos que la pelicula juega con una especie de narrativa coral. Hay muchos personajes que dictan el ritmo narrativo de la historia, todo de manera afable y tersa. Sote, una niña que vive esperando la manifestación y presencia de su madre a través de un regalo deseado, de repente se encuentra con la presencia y propuesta de un padre que no la conoce y que la quiere alejar de la posibilidad de que su madre vuelva por ella. Esta su abuelo paterno, que en la desesperación de ver a un pueblo sin jóvenes seducidos por la idea de huida de un pueblo sin posibilidades, pide a los dioses por el retorno de su hijo, lo cual lo lleva a la enfermedad. Pablo (un José Salof que sorprende gratamente), el tío de Sote, que luego de volver al pueblo por ser deportado, y siendo asediado por las mujeres que dejó en ese pasado de júbilo y dólares, se preocupa por su emprendimiento, pero también por la idea de que el pueblo pueda quedarse no sólo sin su padre, sino también sin los viejos que desean ver a sus hijos e hijas aunque sea para la cada vez más improbable fiesta del pueblo. Pero también tenemos a Sandra (con una Mónica del Carmen en estado de gracia) un personaje por demás complejo que no sólo lucha con la ausencia del marido que le prometió volver y la abandonó por otra, sino que también carga a cuestas el sentirse culpable de tantos niños sin padres, de ver la desilusión de las y los ancianos del pueblo cuando no llega el giro de sus hijas e hijos que cada día se acuerdan menos de ellos; pero que al final da esperanza a los que están, y reivindica a los que no.

Yolanda crea una combinación armoniosa entre las carencias o dificultades que pudo haber tenido al realizar una película de pueblo tan alejada del aparato industrial, y una narrativa que siempre apela al sentir sobre el entender. Partiendo por el trabajo que hace actoralmente con los pobladores de este pueblo, que si bien por momentos se ve que sus diálogos no se dicen de manera tan fluida y su mirada pueden llegar a transmitir ese acartonamiento de no tener bases interpretativas, Yolanda lo suaviza y soluciona de manera excepcional y magistral con el trabajo de cámara y con un elemento por demás hermoso y vital: la música. Si bien es verdad que por momento sirve para solucionar, y se vuelve también conducto dramático para acentuar la acción en los nudos dentro de los conflictos de la historia, lo emplea y lleva a cabo no sólo con manipulación como suelen hacerlo otras películas cuyo guion y argumento es débil, sino que acá Yolanda da a través de la música una base identitaria de lo que es este lugar y sus habitantes, lo cual hace que uno como espectador perciba dentro de la ficción algo genuino y real, y no algo armado y condescendiente.

Visualmente también hay un atributo al hacer un acercamiento real no sólo desde la composición, sino también desde lo colorístico. Vemos el rústico retrato del pueblo, los niños desde el juego, el verde del territorio, lo cegador del sol que llega hasta la milpa. Todo muy cercano a lo que Yolanda seguramente recrea desde la memoria propia y el lenguaje del corazón.

En conclusión, me parece que no sólo estamos ante una de las películas más conmovedoras, entrañables y auténticas del 2024, sino también ante una de las más propositivas, que juega con la fantasía y las creencias de un lugar con lengua propia, queriendo vivir y que sus niños amen su tierra, y que no busquen identidad y oportunidades como sus padres a través de una lengua universal para sentirse importantes, realizados, pero sobre todo amados. 

1938

Si bien a "1938", la nueva película del maestro Sergio Olhovich le adolecen muchísimas cosas, también debo decir que tiene cosas muy lindas.

Empezando por los valores que tiene la película, debo decir que me ha agradado la valentía del maestro Olhovich por empezar la película con una narrativa que mezcla material de archivo con tratamiento documental, con la construcción ficticia. Los primeros minutos realmente son muy buenos. Pero justo a partir de ahí, si bien hay cosas que en lo técnico/actoral no funciona del todo, la forma clásica en la que es narrada la película, es digna de un director de la edad y jerarquía del maestro.

Dentro de todo lo que le adolece, lo primero que habría que señalar es el horrible y totalmente deficiente trabajo en el diseño sonoro. Se oye mal, por momentos fuera de boom, y con eco; todo lo referente a sonido es un desastre. Los injertos (que hacen que se presente un desfase la acción, creando problemas de continuidad) y ni que decir de la música: es horrenda.

El trabajo fotográfico no es del todo malo, aunque presenta en algunas escenas un granulado raro, y los close-ups sobre planos secuencia, se hacen de forma lenta y torpe, lo cual hace que se presenten desenfoques dignos de un trabajo escolar mal hecho.

En cuanto a las actuaciones y personajes, la mayoría resultan ser planos, cuadrados e incongruentes (ni Briones se salva, carajo). Ianis Guerrero es tan bueno interpretando a su Lázaro Cárdenas como yo interpretando a Marcos McFinger, es decir, es muy mal actor, pero salva la chamba porque el personaje así se lo permite. La única actuación que yo destaco es la de Baltimore Beltrán como Mujica, y quizá también salvaría a Karen Martí como Amalia Solorzano joven, aunque esta se anula al presentar a Ofelia Medina como la Amalia Medina mayor (a quien yo habría anulado del cast, pues realmente no aporta nada, y es el motivo por el que muchas personas dicen que esto parece mas un reportaje de Canal Once que una película), pues no se parecen absolutamente en nada. La pareja de los periodistas dan algo de color y gracia a la película, pero seamos honestos: ni todas las ganas puestas por Sergio Bonilla y Maria Penella; hacen que sus apariciones parezcan otra cosa mas que telenovela en horario estelar (me niego a decir que parecen protagonistas de un capítulo de "La rosa de Guadalupe", como reza mucha bandida en Letterboxd), que una línea interesante dramática en un argumento cinematográfico.

Por último, eso de lo que mucha gente criticaba a la película del maestro, en el sentido de que parecía más un producto nacionalista y panfletario, jamás lo vi, hasta el final donde rezan sin fin la frase sobre el petróleo y el futuro.

Aun con todo lo anterior, y con lo que suele ser el "status quo" del cine mexicano comercial en cartelera, "1938" es una rareza, quizá no tan bien hecha, pero de buenas intenciones, además del hecho de ver por fin el proyecto soñado del maestro Olhovich, que vuelve al cine después de más de 20 años son dirigir algo.

A través de Tola

[Hacer] Cine como terapia de sanación colectiva.

Antes que todo, debo decir de la manera más honesta, que este trabajo me ha dejado con sentimientos encontrados. 

A través de Tola es largometraje documental del 2023, que se rige claramente bajo los elementos del cine ensayo, de una forma muy personal, que sin tener falsas pretensiones en cuanto a lo narrativo, tanto en la forma como en el fondo; podríamos fácilmente decir que estamos ante una obra perfecta, pero eso no es del todo así. 

El trabajo de Casandra discursivamente hablando es muy bello, es el tipo de cine que a su servidor no sólo le gusta ver, sino que también le gusta hacer, un cine libre que refleja en su esencia a su autora, y las cosas que le importan. Pero esa libertad, y la valentía que muestra Casandra, llega y sobre pasa un límite que yo como director y crítico me cuesta ver y dar una valía en cuanto a lo discursivo y cinematográfico se refiere, aunque al mencioar esto debo decir que tampoco critico las decisiones en cuanto a la forma en que Casandra aborda ese pedazo de vida suyo que es el documental. 

La sobre exposición como autor en el cine es algo que yo valoro mucho, ese arrojo e ímpetu del artista de desnudar su alma ante la obra; en eso no hay ninguna réplica a Casandra. ¿Dónde la puede haber entonces? Y aquí empiezo con lo que, desde mi perspectiva, quizá no está tan pulido cinematográficamente hablando en A través de Tola.

La sobre exposición que hace Casandra en los testimonios de su abuela y su madre no sólo me parecen en extremo sensibles (les juro que me daba un nervio el hecho de saber que a la abuela en algun momento del documental le fuera a dar algun accidente cardiovascular), sino que me parecen hasta cierto punto, por la forma en que se registran y se muestran, como una forma de manipulación, y si; para desarrollar un discurso por demás valioso, pero creo que pudo haber formas que lo hubieran hecho igual o mejor en el sentido narrativo y argumental, y quizá sin exponer tanto a estas dos mujeres, aunque como ya lo dije, creo (y defiendo, porque todo artista debe expresarse como quiera) saber (y entender, por supuesto) los motivos del por qué justamente se da esa sobre exposición, pues creo que Casandra quería que la sanación no solo fuera personal, aunque se tuviera que rasgar muy de cerca al dolor, y se corrieran algunos riesgos hacia las protagonistas. 

En demás departamentos, el montaje por momentos puede parecer disperso, y aunque todas las tomas, con la honestidad y naturalidad que demuestra Casandra por capturar imágenes de su cotidianidad (además del material de archivo en el que se apoya Casandra tanto con fotografías como grabaciones caseras familiares), que son bellísimas y aportan un valor genuino para adentrarnos a lo que Casandra quiere que nos sumemos; siento que el documental pudo haber durado 5 minutos menos con un pulso ajeno en la sala de edición, no para cortar o quitar cosas, sino para mostrar lo que ya se tenía de una manera más efectiva, porque lo afectivo ya estaba, y no hacía falta manipularlo o reforzarlo. 

Finalizó diciendo que, sin querer transgredir en las decisiones y procesos que pudo haber vivido Casandra durante la realización de este documental, debo decir que quizá un poco más de arrojo y valentía por parte de ella pudo haber hecho falta, pues sinceramente, con todo lo bello que le veo a este documental, no puedo creer que haya recibido tanto estímulo y haya tardado 5 años en hacerse, cuando otros realizadores han creado obras igual de personales y autorales, con procesos dignos en cuanto a fondo y forma se refiere, en menos de dos años. 

Breve comentario sobre “El aprendiz”.

Primeramente, porque siento que eso se cuece un poco aparte y es lo que en sí hace totalmente atractiva a la película en más de un sentido, pero creo que estamos ante el mejor ensamble actoral del 2024. Sebastian y Jeremy lo hacen posible. Dicho esto, es admirable que en este año, Sebastian haya firmado dos actuaciones realmente impresionantes. Si les soy totalmente honesto, yo prefiero la de “A different man”, pero para nada le quito mérito a su Donald Trump. 

Ahora, dicho esto, debo decir que Ali hizo dos cosas a la vez que a mi particular punto de vista las veía no sólo difíciles, sino improbables. La primera, superar las formas que venía explorando con sus pasadas obras; y la segunda: ver un fondo tan pobre, vil y abyecto discursivamente hablando dentro de su cine. 

Partiendo la lectura de las buenas hechuras que tiene la forma, Ali muestra su habilidad narrativa de contar una historia, un ritmo sagaz que realza la labor a nivel montaje, aunado al bellísimo tratamiento visual que se hace de la representación histórica que nos hace pasar de una NY decadente e indeseable de los 70’s, a la glamorosa y revitalizada NY de los 80’s. En este sentido se nota aún más la riqueza de todos los elementos técnicos de la película en los exteriores y planos generales, pues en lo interior/interno y en el plano más cercano, se asoma no un error, sino un formalismo que atiende directamente al fondo. 

Mucho de lo realmente propositivo del cine de Ali radicaba en dos cosas a mi parecer: el no prejuicio de los temas sociales que exponía, y la ambigua generalidad de la posición de sus personajes, y acá me parece que no están tan bien representados/ejecutados estos valores.

Partiendo del primero, si bien es verdad que esta película no toma partido aparente hacia un juicio a la figura del joven Trump, la forma en que es observado a través de la cámara (ojo acá con el lenguaje cinematográfico), si hay una especie de validez a no sólo el camino aprendido, sino a la validación de su forma de burlar a la ley y de pregonar la vida de éxito, atropellamiento y riqueza desmedida, aún cuando hay un claro conflicto con su definición de familia y lealtad, no es abiertamente claro el hecho de que pareciera que a través de su arte (está película en particular) Ali nos dijera: “Miren los inicios del monstruo que es Trump, pero que simpático es”.

El segundo, sobre todo se manifiesta con respecto que justo en sus películas pasadas en las que no había ni prejuicio ni validación tal cual de la problemática social que retrataba, y que me parece en muchos sentidos debería de ser la postura oportuna del arte y el artista en general, si que había una inclinación real y total a temas sociales por demás importantes, justo por ser el espejo y panorama de muchos sectores sociales vulnerables y rezagados de todo el mundo, pero lo que pasa acá es que hace el estudio de un personaje muy particular que sólo puede verse reflejado por un sector social además de muy pequeño, por demás privilegiado, que además de que no le va ni a beneficiar ni a perjudicar el discurso de esta película, tampoco va a hacer una diferencia en un aspecto crítico al espectador con respecto a la pobre lectura contextual que se hace desde el argumento y el guion, de la oligarquía y sus alcances.

Temporada de premios.

A propósito de que este domingo se cierra la dichosa temporada de premios a lo "mejor" del cine, con la entrega de estatuillas del Oscar (AMPAS), me aventuro no sólo a hacer el ejercicio que hacen muchos sitios como especie de predicción de quien ganará, sino que como ya lo he hecho en años pasados (incluso con los Ariel), me aventuraré a enlistar las películas que considero, debieron ser las nominadas y en consecuencia las ganadoras (y de acuerdo a las que yo ví, que casi fueron todas), de al menos, los premios más importantes, o mejor dicho; de las categorías que a mí más me importan.

Actriz de Reparto:

Monica Barbaro (A complete unknown)

Chhaya Kadam (All we imagine as light)

Trine Dyrholm (La chica de la aguja)

Aunjanue Ellis-Taylor (Nickel boys)

Felicity Jones (The brutalist)

Actor de Reparto:

Kieran Culkin (A real pain)

Guy Pearce (The brutalist)

Yura Borisov (Anora)

Barry Keoghan (Bird)

Adam Pearson (A different man)

Guion original

A different man

La semilla de la higuera sagrada

Bird

The brutalist

Anora

Guion adaptado

Nickel boys

Queer

Conclave

El conde de montecristo

The wild robot

Actriz

Victoria Carmen Sonne (La chica de la aguja)

Saoirse Ronan (The outrun)

Mikey Madison (Anora)

Demi Moore (La sustancia)

Mzia Arabuli (Crossing)

Actor

Daniel Craig (Queer)

Adrien Brody (The brutalist)

Sebastian Stan (A different man)

Ralph Fiennes (Cónclave)

Timothée Chalamet (A complete unknown)

Fotografia

La chica de la aguja

Cónclave

Nosferatu

The brutalist

Parthenope

Montaje

Anora

The brutalist

Challengers

La sustancia

Bird

Documental

Dahomey

No other land

Made in england

Pepe

Sugarcane

Animación

Flow

Memorias de un caracol

The wild robot

Look back

The lord of the rings: the war of the Rohirrim

Director

Andrea Arnold

Mohammad Rasoulof

Miguel Gomes

Brady Corbet

Sean Baker

Película

La semilla de la higuera sagrada

Dahomey

Grand tour

Bird

All we imagine as light

Nickel boys

The brutalist

Anora

A different man

Volvereis

Breves comentarios sobre "La liberación"

Me arriesgo a formular mi opinión desde mi inexistente e indómita ignorancia sobre los movimientos feministas que vienen aconteciendo desde que se creó el movimiento del #MeToo (y que por supuesto celebro y respeto), sobre la serie “La liberación” de la siempre interesante y talentosa Alejandra Márquez Abella, que en realidad se crea a cuatro voces junto con Ilse, Cassandra y Johana (las protagonistas de la serie), todas muy admiradas y respetadas por su servidor. 

Si bien no toda la serie es dirigida por Ale, ni escrita en su totalidad por ella (por ahí también intervienen un par de admiradísimas mías: Aura García-Junco y Jimena Montemayor), si es quien al fin de cuentas pone el concepto artístico que llevará todo el conjunto de la obra. 

Vidas pasadas, heridas heredadas.

El fondo es indiscutible, valioso, valiente y loable; incluido por supuesto su argumento y varias decisiones desde el guion. Pero en cuanto a la forma se refiere, no sé. Veo tantas cosas que ya he visto en otras partes, que desde mi perspectiva, se usa más el impacto del "qué dirán", que la misma necesidad narrativa para contar esto. Pero sé que no soy quien para cuestionar las narrativas feministas, y no es un comentario en lo absoluto irónico. Actoralmente hablando, todas y todos los personajes principales y secundarios están impecables (doña Ofelia Medina y la primera actriz Dolores Heredia, en plan diosas e perfectamente impecables en todos los sentidos de las palabras), los de reparto, no tanto (sobre todo en el capítulo de los onvres)

Aún con el hecho de la gran valía del fondo, y mi cuestionamiento en sus formas, creo que habría sido mil veces más poderoso y valiente atender todo esto a través del documental, porque las incongruencias de la ficción (incluso haciendo de muchas situaciones bastante predecibles) desde la farsa y un dejo de sátira con humor negro (que buscan justificar las fallas de congruencia) y lo burdo (como en Un actor malo) ahí están, y le restan potencia y mucho mérito al discurso, llenándolo de estereotipos, muy mal representados, además. 

El quinto capítulo es tan definitorio como polarizado, en el cual el elemento simbólico se refuerza y llega a su punto cumbre/máximo, haciéndolo por mucho el mejor de la serie. Aunque también por momentos apela a la cuarta pared, y aunque claramente, yo sé que no está mirando a quienes no hemos sido violentos o violentados por nuestra condición de hombre, ni es en el estricto sentido de la palabra una mirada acusadora, no es una mirada subjetiva que incite al espectador a sumergirse en la psique, sino que sólo le permite ser un testigo sin que se le permita un momento de reflexionar por el tono que rompe entre drama/comedia en repetidas ocasiones, y es justo esa mirada lo que quizá sea lo que hace que su trama y discurso pierda fuerza, por decisiones poco hábiles con la cámara y su puesta en cuanto a decisiones de planos y secuencias se refiere (la escena de los hotdogs es realmente odiosa) como temiendo no sólo romper o herir susceptibilidades, sino teniendo el poder que podían crear. 

Breve comentario sobre "El brutalista".

La película (porque esta sí es una película en el estricto sentido de la palabra) es un monumento. Mejor dicho: la película es un edificio, un edificio de estilo brutalista, que al igual que su personaje protagónico, vemos su elaborada creación desde sus cimientos por parte de este grandilocuente y muy valiente arquitecto llamado Brady Corbet; y así lo vemos crecer y subir y transformarse hacía todos lados, desproporcionadamente, hasta que ventualmente cae, porque así tenía que ser, y no se salvan más que unas cuantas/contadas cosas, como su poética fotografía (con todas las cualidades que la acompañan/crean, of course), su impetuosa y megalómana/poderosa banda sonora, y la gran mayoría de sus actuaciones.

Con esto trato de decir que es mejor ver desmoronarse algo de esta magnitud y de esta ambición creativa, que ver las piezas de molde y formuláicas que manienen viva la maquinaria podrida de las grandes productoras norteamericanas.

Y ojo, con esto trato de decir que, en tiempos donde Sean Baker y el propio Brady dicen que no ganan dinero con estas películas, mientras hay tanto vendido/oficiante/obrero de la producción audiovisual; lo menos que podríamos pedir es que a estos genios/artistas/artesanos que dan su vida al arte y a su arte, no les cueste hacerlo, mientras se ganan la vida de maneras igual de honrosas pero quizá fuera de la maquinaria del established entertainment.

Adrien Brody tiene asegurado su segundo Oscar (con un personaje además de una estructura muy similar al que lo hizo ganar su primer Oscar, como otras veces ya ha pasado con otros actores ganando su segundo Oscar), Guy Pearce está irreconocible para bien, y amo vehemencialmente a Stacy Martin.

Ahora, volviendo un poco a las cosas no tan encantadoras de la película, no sé porque muchos le dan el mote de épica, o se atreven a compararla con obras maestras como "Lo que el viento se llevó", "Lawrence de Arabia" o  "Ben-Hur", porque honestamente yo no veo nada de eso.

Mujeres del alba

Desde mi punto de vista, Jimena Montemayor Loyo lo vuelve a hacer, vuelve a atinar/acertar con su tercer largometraje, que seguramente será una de las mejores películas del 2025, tal y como lo fue Restos de viento en su momento (2017). Jimena vuelve a atinar/acertar a través de la forma, del cómo, de lo narrativo; entregando una obra en extremis miramiento intimista, pero también con un tratamiento poético incuestionable. Ahora, que hablando desde el fondo, el qué o el discurso; hay líneas, muchas, y unas más claras que otras, de que esta es una película en extremis personal. 

Yendo en el orden correcto de las cosas, primero atiendo lo netamente valioso de lo narrativo: Jimena vuelve a atinar/acertar en la importancia vital de una fotografía detallista/naturalista (en esta ocasión a cargo de Santiago Sánchez) no sólo en extremis para crear el estado de inmersión del espectador en la historia, como ha sido desde su primera película (En la sangre, 2016); sino que a través de esta se nos muestra de alguna manera el verdadero personaje importante de la trama, y el porqué es tan importante para los demás personajes de la misma, tanto los que quieren proteger, como los que quieren despojar. Incluso el recurso magistralmente empleado del VFX para mostrar niebla, nubes y el latir de la tierra, tiene mucho sentido y está magníficamente utilizado, pues muestra, de una manera muy similar a cómo lo hizo su momento Ernesto Contreras en Sueño en otro idioma, la conexión que tienen habitantes de lugares milenarios y sagrados como son selvas y sierras con sus árboles y sabiduría.  

Otro valor símil, o más que valor; otro elemento que nos muestra fehacientemente la autora total que hoy día es Jimena; es como aún cuando a todas luces la película es de naturaleza coral, los niños, o más en preciso, dos de las niñas se vuelven no sólo en las narradoras/testigas/herederas de aquello que va más allá de lo visible o real, sino que llevan este lenguaje de destellos oníricos, que incluso colindan con fronteras surrealistas/fantásticas/simbólicas, como se nos mostró en su momento en Restos de viento. 

Aún con todos estos elementos, que van desde el extenso elenco y la puesta que percibe una producción aún más ambiciosa que en sus pasadas dos películas, Mujeres del alba se sigue perneando y sintiéndose con esa aura de hechura independiente, mesurada, incluso minimalista. 

Aterrizando de lleno con el discurso, y la importancia que tiene por su naturaleza verídica, ligan de manera muy personal a Jimena a la historia puesto que el guion está basado en un par de libros escritos por su padre, el escritor Carlos Montemayor que en muchos sentidos documentó y ficcionó la lucha que llevaron hombres y mujeres de distintas rancherías en Chihuahua (incluso se toma en cuenta a Durango) en defensa de sus tierras en contra del gobierno, ejército y capitalismo extranjero que no sólo quería despojarlos de su tierra, sino asesinarla, y a ellos y ellas de ser necesario, tratándoles y retratándoles ante la sociedad aún conservadora del país y las grandes ciudades, como meros bandidos y miembros del comunismo, cuando ellos y ellas querían proteger no sólo lo suyo, sino lo que es de todos: el suelo mexicano, y la flora y fauna dentro de este. 

Si bien toda obra es perfectible, y en el caso de esta película no es la excepción, pues en sus primeros minutos hay ciertos tropiezos por demás perceptibles en la naturalidad de sus diálogos y el acartonamiento de los mismos en la boca de algunos actores quizá no tan preparados, incluso detalles con edición y montaje; pero como ya lo dije, esto sólo pasa en los primeros minutos, y después la película no deja de ser una historia, incluso un relato con piel de ese ser que da vida y voz a la naturaleza, que nos emociona, nos conmociona, nos crispa, nos aturde, nos aterra, pero una vez más, nos muestra que esta vida no tiene sentido y no vale la pena si no es gracias a las mujeres. 

Los años nuevos

La transformación de un amor en diez años y sus puntos muertos

"Pero el corazón no es como una caja que se llena. Crece en tamaño mientras más amas. Soy diferente a ti. Esto no me hace amarte menos… al contrario, me hace amarte aún más."

Spike Jonze, Her

Rodrigo Sorogoyen es, sin exagerar desde ningún ángulo o pov, uno de los directores españoles de cine más importantes de este siglo. Un director que prácticamente a pisado base en todos los géneros cinematográficos y todas las variantes que se pueden desprender del dramatismo, y siempre desprendiendo una clase magistral de la construcción de las historias desde la importante construcción de sus personajes. Pero si nos remontamos a los inicios de la carrera del realizador madrileño, sabemos quienes le conocemos su obra y su contexto artístico, más allá de la siempre visionaria y creativa mirada de Rodrigo hacia el cine y el cómo hacer cine, es que hay un tema en su obra que a Sorogoyen siempre lo ha seguido y que parecía no podía dejar sacar del todo, hasta que llegó Los años nuevos. Este tema es el amor que no parece encumbrar en el tiempo que los seres humanos quieren, sino que encuentra su punto cumbre hasta que debe de ser. 

Permitiéndome colocar un poco de contexto para ejemplificar aún mejor esta sentencia, me permito escribir brevemente algo de la premisa de Stockholm, su ópera prima:

“Luego de una noche de fiesta, un chico conoce a una chica, este quiere acompañarla y seguir la noche con ella, ella no termina por aceptar, es entonces que en ese lapso de indecisión, el chico se comporta totalmente encantador, hasta que la convence y hasta ese punto parece que tendremos una película romántica de destape de personalidades de nuestros personajes, pero la película tiene un break point y se convierte en otra cosa, hasta una culminación nada esperada.“

Al igual que en esa primera obra de Rodrigo, la cual transcurre en una noche-mañana, el tratamiento narrativo-temporal de Los años nuevos es el mismo. Vemos acontecimientos importantes que definen el curso de la vida de Óscar (Francesco Carril) y Ana (Iria del Río) en un lapso quizá menor a 24 horas, y aún más importante, no es cualquier día, sino que es entre el final y principio de año (nochevieja del 2015, nochevieja del 2024) que curiosamente también marca el onomástico tanto del uno como de la otra, salvo una excepción, pero que marca un día igual de importante, el cual ya desglosaré a detalle más adelante. 

Lo propositivo de esta forma empleada o de este abordaje narrativo en la historia no es en sí lo que se retrata en este día, o el hecho de que se cuente así la historia, que si es importante y no quiero que se malinterpreten estas palabras; más bien lo que trato de exponer es que en esta forma tan valiente, y no tanto radical de contar la historia de Óscar y Ana, hay una invitación por parte de los creadores de la serie hacia con el espectador en la que nos incitan a imaginar todo aquello que no se ve, es decir, imaginar todo lo que ha pasado en la vida de Óscar y Ana durante el resto del año para verlos como los vemos justo un año después de que los vimos la última vez. Es, y me imagino así un poco el cuadro, como pasa justo en la serie y en muchos de los capítulos; como esas reuniones de nochebuena o nochevieja donde ves a familia (sobre todo primos o hermanos, o amigos de hermanos que puedan compartir contigo un contexto generacional) y se ponen al día de lo que ha pasado en todos los ámbitos, pero que aún con esas relatorías acompañadas de birra, vino y muchas risas, siempre existe la sensación de que algo se escapa. 

Y es que justo con cada año vemos, además de las cuestiones narrativas muy peculiares que ya iré comentando un poco más adelante; somos partícipes de como cambian tanto Óscar y Ana, o mejor dicho, vemos su evolución como personas, entre ellos, con los demás y en los demás (y que son cambios dictados por muertes, hijos, la pandemia, las adicciones), incluso los mismos cambios físicos que va teniendo y sintiendo una persona que pasa por toda la década de sus treintas, pero sobre todo; nos percatamos de las cosas que no cambian, esas formas de pensar y de querer, con los miedos, las manías, lo que se arrastra incluso desde antes que conociéramos a la persona, y que lastimosamente nos ve pasar por cosas y momentos a raíz de las cosas no curadas, de las cosas heredadas, y que no se van hasta que llega y la madurez, y dejarse ayudar.

Hay un detalle que se convierte en un denominador común en cada uno de los capítulos que a mí me a parecido hermoso y maravilloso, y es cuando la cámara nos muestra ejemplos de diferentes tipos de pareja (una por capítulo, y esto me hizo recordar montones a When Harry met Sally, aunque también hay otros elementos que hacen recordar a la trilogía Before) en la que ya sea a voz de Ana, Óscar, algún externo o alguno de los integrantes de la misma pareja; nos expone justo la diversidad en que vemos, afrontamos, y mostramos los seres humanos el amor como pareja. Esos códigos, lenguajes y universos que se forman entre los seres amados y amantes, y como se pueden llegar a romper, eclosionar y desaparecer una vez que la pareja se diluye, por cualquiera que pudieran ser las circunstancias, y como esos universos jamás se recuperan, permanecen resistiéndose aún después del big bang, del gran movimiento telúrico que deja todo en santas ruinas y a sus dos únicos habitantes en un duelo sembrado en el alma que se tiene que superar en la soledad, sin el otro, hasta que una vez más ocurre el milagro, vuelve la magia y nuevos universos, códigos y lenguajes vuelven a nacer. 

Ahora que toco el asunto del milagro, no puedo dejar de asociar esa palabra a Francesco Carril e Iria del Río, porque vaya carga se echaron al hombro al construir tanto a Óscar como a Ana. Y es que uno al verlos en pantalla, ver lo que hacen y como lo hacen, lo que dicen y como lo dicen, hace que uno por momentos olvide que todo es ficción, la historia, ellos, uno por momentos puede llegar a creer que en “cien minutos habrá transcurrido un año más”, porque es imposible caer en la conclusión de que lo que ellos hacen, uno no lo presencia todos los días en una serie de televisión, o en el cine, o en una obra de teatro, o no vamos muy lejos: en la vida misma carajo. Lo que vemos entre Francesco e Iria, y la intimidad que crean con sus personajes, hablando en todos los sentidos posibles de esa palabra; es magia, es el milagro que muy pocos directores sueñan con crear, y que aún menos logran vivir, y en muchos sentidos todo se debe a las personas correctas, almas alineadas echando además de oficio y técnica, algo de sí mismos, de sus experiencias de vida, quizá hasta de sus vidas pasadas. 

Algo que me gustaría distinguir de la historia, y darle todo el valor y el crédito a Rodrigo en este aspecto, es que la historia, aún con el asunto del tema tan apasionante y cercano que puede resultar para Rodrigo, fue consciente que al ser un proyecto de larguísimo aliento (aunque él ha manifestado en múltiples ocasiones que hizo esta serie no como serie, sino como una película), y que necesita más puntos de vista (sobre todo femeninos) para la construcción de todo lo que resulta ser diez años de vida en dos personas y las personas a su alrededor, él se supo rodear de las personas correctas tanto para la creación del guion (Sara Cano y Paula Fabra), como para la dirección de algunos de los capítulos, que si bien, claramente puedo decir abiertamente que los capítulos dirigidos por Rodrigo son mis favoritos (el capítulo siete es, además de brillante y hermoso, y el único que no se hace en nochevieja; el que logró hacer que me pusiera a llorar), lo que hacen David Martin de los Santos y Sandra Romero (sobre todo ella) es fantástico, se cuelan, se amoldan y hacen match perfectamente con la visión de Rodrigo, y como lo dije antes, Rodrigo tuvo visión y precisión perfecta para saber a quien sumaba al barco. 

Las personas son luz: a veces el sol que alumbra, que ilumina, que da calor; y otras veces son incendios que destruyen, que incineran y consumen todo. 

Al igual que en Stockholm, ya para ir cerrando esto; hay un break point, y justamente como en la antes mencionada, es a la mitad, de manera muy marcada, justo del modo en que la serie se estrenó (y que precisamente fue la forma en que la vi. Es decir: un día los primeros cinco capítulos, y al día siguiente los últimos cinco capítulos), con los primeros cinco capítulos mostrando la luz del enamoramiento, el alumbramiento de ese universo particular, con adversidades si ustedes quieren; pero luz, hasta que esta se extingue. Y los últimos cinco mostrándonos el duelo, la búsqueda interna, la curación hacía con nosotros de lo que se viene arrastrando con la tristeza y la depresión en ese preciso momento en que te das cuenta que, aún con lo bien que te va en la vida o que la puedes llevar, no tienes lo que en verdad sabes que quieres, y cómo este sentir se presenta y te lleva hasta la ensoñación y el deseo del reencuentro; hasta que sucede, y nosotros somos primeros testigos de lo que pasa en ese reencuentro cuando nos (y les) toma más maduros. 

Antes del finalizar, no puedo dejar de mencionar la selección musical para la serie. Mesurada, pequeña, pero extraordinaria. Tiene toda la potencia e intención que la serie y cada uno de los capítulos necesita de justo presionar las piezas correctas para detonar lo que tiene que detonar no sólo en la historia o dentro de la historia, sino también en cada uno de los testigos del temblor que somos nosotros. Nacho Vegas, La bien querida, Iván Ferreiro, Jorge Drexler, McEnroe, Holgado y unos pocos más (no quiero tampoco revelar tanto) engalanan cada uno de los capítulos. 

Ahora finalizo justo por el principio de mi texto, y este empiezo es justo la frase que comparto de Her, porque quizá lo más polémico que se puede sugerir en una de las lecturas de la serie bien podría ser el tema de la infidelidad, la postura del creador o de la moral de los personajes ante el constante y fehaciente caso de estar en una relación, vivir con una persona o incluso tener una familia con alguien a la vez que se está enamorada o enamorado de alguien más, de ahí que esta frase me pareció muy correcta para ejemplificar mi propia opinión: uno no puede borrar la historia, el pasado, y los vínculos que se crean con otras personas, con otras almas, y muchas veces aunque las relaciones amorosas no funcionan, queda por siempre ese universo creado que hace que uno ame a la persona con quien se hizo ese antropológico trabajo de la creación del lenguaje, aun sabiéndose en sus vidas realizadas con otras personas. La historia, y por ende el discurso que se desarrolla a través de la trama de la serie, es lo que pasa con el amor después del amor, porque el amor no acaba, se transforma, muta; y por supuesto se multiplica, se reparte, y se deposita en diferentes lugares, en distintas proporciones. Pero siempre es amor, incluso cuando es desamor, incluso cuando es miedo y es confusión y es indecisión. Lo único que no puede ser el amor es cobardía, porque cuando un amor se pierde por cobardía o por no ceder aún cuando otros universos tiemblen y dependan de nosotros, o dicho en otras palabras: cuando el amor no nos hace ser valientes, y dejarlo todo por el amor, sólo entonces es cuando el amor no es, y el amor muere.