L'amant d'un jour - Amantes Por Un Día.

A veces llegamos a ver ciertas películas de las que no esperamos gran cosa más que matar tiempo, entretenernos para distraernos, porque lo queramos o no, el cine también es eso y nuestra fatigante y estresante vida a veces nos demanda distracción y el cine suele ser de fácil acceso para cumplir con este cometido, así que una noche entre semana me disponía a saciar esa necesidad, pero vaya que si me llevé una grata sorpresa con esta película.

Dirigida por el experimentado Phillipe Garrel (por el apellido seguro sabrán que es padre el actor Louis Garrel) la película es una muy corta historia de menos de 70 minutos con una historia bastante simple, pero bien contada desde la precisión de la trama bien llevada a través de un bien escrito guión y con personajes bien estructurados con diálogos bastante sofisticados. (por referirnos a la civilización francesa esto démoslo por bien hecho)

La historia a grandes rasgos, pero precisos, nos narra la historia de un profesor que tiene viviendo en su casa a dos mujeres, la primera que llega es su joven novia que es su alumna en la facultad, y la segunda que llega después, su hija que es de la misma edad de su chica, la que acaba de terminar con su novio y está muy frágil, entonces; y acá es donde surge lo interesante de la película, es en el como gracias a la fotografía en blanco y negro, y en un principio todo el argumento de la película es clara y abiertamente feminista, funge en una yuxtaposición en la que podemos ver a cada chica como la antitesis de la otra, mientras la novia del profesor es muy abierta en todos los sentidos, a la cual parece todo le va bien en la vida, mientras que a la hija del profesor la pasa de mal en peor, es muy cerrada, podemos empatizarnos sin embargo con ambas, sus razones y lo que las lleva a ser así. El profesor le dice a su chica que él no está en condiciones por la paciencia y su ánimo así como por su edad de preocuparse por cosas banales, entonces le dice que si llega a estar con alguien más para el no hay inconveniente, sólo que no quiere saberlo, y pueden seguir juntos, mientras aún haya respeto mutuo y amor. entonces a raíz de esto la película tiene un giro bastante interesante, pues la chica del profesor con esta libertad adquirida, empieza a tener sexo por placer con amantes fugaces, la primera vez un compañero de clase y baile, que al inmediato el profesor descubre del hecho, sin que ella le diga nada, pues la conoce a conciencia, perfectamente, no así un pasado oscuro que la hija conoce y que no le revela por un secreto que su amiga le guarda de su padre, y mientras el profesor rehuye a encuentros con otras mujeres, a pesar de poder tenerlos. para no hacer daño a su amada, hasta el momento en que la ve en los baños de la facultad con un pretendiente de su hija, con quien había creado una conexión bastante especial. Entonces para este punto a la chica que parecía tenerlo todo por seguir sus impulsos la vida se le viene abajo, y a la hija del profesor que la había pasado mal por ser una buena chica y entregarlo todo para bien, la vida le sonríe con una segunda oportunidad con su novio quien en realidad la amaba de verdad y sólo tenía temor. Que si el discurso al final se vuelve moralista, eso se los dejo a su criterio, pero la historia como es contada es una propuesta bastante interesante, con una dirección que le rinde tributo en más de un aspecto a la ya antes mencionada Nueva Ola, este si es el cine que Godard quería que se desarrollara después de mostrarle al mundo que las cosas parcas y cotidianas también están atiborradas de una embriagante sutil belleza.

Mi top 5 de Juliette Binoche.

Azul.



La Insoportable Levedad del Ser.



Los Amantes del Puente.



Damage.



El Paciente Inglés.

Top ten de Pedro Infante

Hace unos días que se celebró en México el Día Nacional del Cine Mexicano, me puse a pensar luego de comentar en una publicación mi película favorita, y a la postre mis actores favoritos mexicanos, quién es el actor icónico de nuestro cine, no los que yo considere mejores, o como ya lo dije, mis favoritos, y me di cuenta que no lo tuve que pensar mucho, el nombre me vino en el instante que formulé la pregunta, y seguramente ustedes, lo que son y conocen bien a México y su cine, estarán de acuerdo con migo que es Pedro Infante.

Por eso, luego de muchos meses planeando esta entrada me gustaría por fin compartirles sólo por mención y sin explicación alguna, o al menos no una muy prifunda, más bien, bien sintetizada, mis películas favoritas del ídolo mexicano. Sin más, comencemos.



El Mil Amores - Rogelio A. González - 1954
Si hablamos de Pedro Infante, y su actuación en personaje, esta sería mi película favorita.

No Desearás A La Mujer De Tu Hijo - Ismael Rodriguez - 1950
Esta la tengo en la lista más que nada por el cariño que tiene mi hermano por esta película, que es gracias a él que conozco lo mucho o poco que sé de la época de oro del cine mexicano. En esta escena se demuestra el nivel actoral no sólo de Pedro Infante, sino también del señor que tenía a su lado como co-protagonista.






Nosotros Los Pobres y Ustedes Los Ricos - Ismael Rodriguez - 1948
Estas las cuento como una sola, y si hablamos de película completa como tal, estas serían mis favoritas de Pedro Infante. Con la mancuerna por excelencia de actor/director de nuestro cine.

Cuando Los Valientes Lloran - Ismael Rodriguez - 1946
Acá empezaba a lograrse una mancuerna de actores que nos llenaría de suspiros, Pedro Infante y Blanca Estela Pavón.

Los Tres Huastecos - Ismael Rodriguez - 1948
Por si no fuera suficiente un Pedro Infante, acá tenemos a tres.

Vuelven Los García - Ismael Rodriguez - 1947
La prueba fiel de que si hay mejores segundas partes que las primeras. Con la gran Sara Garcia.

El Seminarista - Roberto Rodriguez - 1949
Con Silvia Derbez, Fernando Soto "Mantequilla", Katy Jurado, y La Tucita.

Angelitos Negros - Joselito Rodriguez - 1948

Las Mujeres De Mi General - Ismael Rodriguez - 1951
Con unos musicales formidables, y la encantadora y despampanante amada mia Lilia Prado, una gran película sobre amores y venganzas.

La Vida No Vale Nada - Rogelio A. González - 1955
Volviendo a ser dirigido por otros directores, luego de romper relaciones con la casa productora de los hermanos Rodriguez.

La Tercera Palabra - Julián Soler - 1956
Compartiendo créditos con otra actriz que fue muy importante en su carrera: la hermosa y guapa Marga Lopez.

Menciones Especiales - Cuidado Con El Amor - Dos Tipos de Cuidado - A Toda Maquina - Tizoc

Los Sueños de Akira Kurosawa.

Sueños, es el antepenúltimo proyecto en el que el legendario cineasta Akira Kurosawa trabajó, este tiene cierto conocimiento y reconocimiento en occidente, y en el mercado hollywoodense porque uno de sus productores, y uno de sus más declarados admiradores, es nada más y nada menos que Steven Spielberg (Martin Scorsese también tiene una colaboración bastante interesante).

La película, aunque en su totalidad se filmó y se produjo en Japón, esta fue financiada por el mercado americano, y esta es una compilación de ocho cortometrajes escritos y dirigidos por Kurosawa, en ellos, uno puede apreciar que son verídicamente ocho sueños que el cineasta tuvo en diferente etapas y épocas de su vida, incluso tienen cierto orden cronológico, ya que en los primeros dos el personaje principal de los mismos es un niño, y conforme van siguiendo los "sueños" se ve que el protagónico va creciendo. Incluso los temas, van teniendo cierta madurez, en el tema, no en el trato porque todos constan de una belleza descomunal. En ellos retrata, como seguro fue en cada etapa de su vida retratada, problemas, dudas y cuestionamientos que tenía Kurosawa y que seguramente la edad le fue dando el tiempo para sanar y resolver conjeturas; temas como el pasado, la guerra, el miedo a la muerte, a otra posible guerra, la influencia del arte, todo envuelto con un toque fantástico que es ha bien tratado con una depurada fotografía llena de colores vivos y otras técnicas que suman al lenguaje cinematográfico del que cualquiera quedaría fascinado, donde la linea entre la metáfora y el verdadero significado del sueño son fácilmente borradas. Mis favoritos, los primeros dos y el último.

Si no la conocen los invito a que la busquen y le den la oportunidad, les prometo que su belleza los va a hipnotizar. si no me creen, acá les comparto sólo un fotograma de cada uno de los cortometrajes.

Este es el reporte. Regresamos al estudio.

Imaginen que son un miembro del parlamento británico, y en una reunión conocen a esta bella mujer francesa, la cual busca el contacto desde el primer momento, por la inevitable atracción que hay entre ambos y porque vida sólo hay una. Entonces el apasionado y desenfrenado encuentro se da, para días más tarde enterarse que es la novia de su hijo, y que pretenden casarse en un tiempo, pero lejos de hacer que ese hecho los aleje de ella, ambos se siguen buscando, porque evidentemente a sus vidas les falta algo, y a la vez les sobra otro algo, llámese amor, explosión; ustedes decidan en que orden ponen cada palabra y afronten las consecuencias del daño generado, por los conflictos creados por traumas del pasado, conforme a nuestras relaciones y emociones, incluso probando al destino y buscando autodestrucción porque nos sentimos inmunes, la vida no nos puede dañar mas, o eso creemos todos sin tener aun presente que la vida no infringe dolor a través de uno, sino de los seres amados. La obsesión, la lujuria, y las crisis que nos llevan a buscar cambios drásticos en nuestras vidas, aunque a veces los métodos elegidos sean muy poco ortodoxos, o no bien vistos por la sociedad. Eso y más es Damage de Louis Malle, protagonizada por Juliette Binoche (imagen) y Jeremy Irons.

El discurso que jamás di.

 Siempre he sido muy malo con las palabras, no, corrijo; siempre he sido muy malo con las palabras hablando (las escasas novias que he tenido en mi vida pueden dar fe y legalidad a este hecho) y esto se dificulta en un 70% si hay que hablar por teléfono o si tengo que dar un discurso, hoy por ser un día muy especial (siempre he considerado este un día de mucha suerte) quiero hablarles de uno que jamás se llegó a dar.

Sólo he dado un discurso en mi vida, fue para los quince años de una prima, y aunque me gustó como salió (no sé si los comensales del evento, salvo por la mamá de la festejada y la tía que me propuso hacerlo y una par de personas que lo leyeron previo a darlo me dieron su visto bueno, y que además una de ellas me cuestionó lo que muchos me han cuestionado -bueno, la verdad no tantos- el porque cuento todo a través de un episodio vivido en mi vida, a lo cual la respuesta es que cuento las cosas en primera persona porque al fin de cuentas yo las vivo, y todo lo que también los demás viven, también pasa o afecta directa o indirectamente en mi vida, pero ya no entro en detalles, me desvío del tema central) y si no fuera porque es muy personal e íntimo el texto se los compartiría, así que sólo les compartiré en esta ocasión, ese discurso que jamás dí, y la historia de este y el por qué lo iba a dar.

Fue hace cuatro años, cuando postulé por primera vez mi novela a un concurso literario para poder publicarla, entonces yo estaba tan emocionado con la idea de que mi trabajo resultara ganador, que empecé a redactar de a poco un texto que sería el discurso que diría el día de la premiación en el marco de la feria del libro que se hace en mi ciudad, pero pues mi novela no fue la elegida y el texto se quedó arrumbado por ahí, no es hasta hace unos días buscando otro papel con un dialogo que tenía escrito ahora que estoy trabajando con la idea de poder hacer por fin mi primer cortometraje como debe de ser, me topé con este texto, y pues nada, tengo ganas de compartirlo por acá, Así que se los dejo.


"Hay una frase de F. Scott Fitzgerald con la que me identifico mucho, pues así como él decía que uno es la suma de sus fracasos, yo creo que también así como somos una suma de lo vivido, sea triunfo o fracaso, también somos la suma de lo no vivido, de lo que no vivimos cuando decidimos no salir de casa y decidimos quedarnos leyendo un libro, o viendo una película, o escuchando algo de vieja música mientras bebemos algo o fumamos algo, esas cosas que luego hacen que uno sienta unas terribles ganas de expresar sentimientos en alguna forma de arte, y sé que para muchos "famas" estas palabras no tienen sentido, para esa clase de gente que sólo contabiliza su vida en cuánto dinero gana, o quien ganó la pelea de box del fin de semana, que coche consigues y se la llevan esperando la hora para salir del trabajo. Muchas de las historias que nos inspiran nacieron de no vivir, y esta es una de ellas."

Las diez películas que yo considero cambiaron mi vida.

Este es un ejercicio al cual me invitaron a colaborar en Facebook, el cual consistía en compartir los carteles de las diez películas que han cambiado nuestra vida, esto sin dar explicación alguna del porque las considerábamos así, de modo que yo quise extender un poco más el ejercicio y acá voy a dar la explicación a cada una de las películas del porque yo considero cambiaron mi vida como espectador.

La mayoría considero que la cambiaron más que nada en la visión de como veo el cine, como lo concibo, y que han hecho que busque ver precisamente esta clase de cine, y una que otra supongo a la larga si han hecho que cambie algunas cosas de mi vida ya en un plano más profundo, pero no la gran mayoría.

Sin más preámbulo en esta introducción les comparto las diez películas que cambiaron mi vida.



El Rey León.
La primera película que yo siento que marcó mi vida fue esta. Quizá si me pongo a hacer un recuento de las películas animadas que más me gustan, que honestamente son muy pocas, no por falta de calidad en esta clase de trabajo, sino simplemente porque así es conmigo, creo que esta lideraría dicha lista.
Fue la segunda película que yo vi en el cine, y al ser la primera en dibujos animados, de tanta duración (vamos, con esto quiero decir que las caricaturas que miraba en la tv eran de menos de 30 minutos) fue más especial para mi, sumando a eso el hecho de que el protagonista muere casi al inicio de la cinta, y que años más tarde sabría que es una adaptación más a la magnánima obra Hamlet de Shakespeare, creo que no hay nada más que decir.


Stand By Me.
Cuanta conmigo quizá sea la película que yo más recuerde de mi infancia, por encima de la que me digan como Cementerio de Mascotas, Pesadilla en la Calle del Infierno, o Nuestra Pandilla (sobre esta última sólo por muy poco) Y creo la recuerdo mucho, y con mucho cariño por el hecho que me hace recordar muchas vivencias similares que viví con muchos de mis viejos amigos de aquellos años, en primer lugar; y en un segundo lugar porque fue la primera muerte que yo vi y que me impactó mucho, ya había visto algunas otras en películas, pero eran en películas de terror (hago un recuento mientras hago este ejercicio y me pongo a pensar que de niño si me gustaba ver películas de terror, cosa que hoy día no tolero) y en esta el ver que era un niño, y retratado de una manera muy real, nada estrafalaria o dramática, creo que si dejó algo en mi, como si ese niño podría ser yo.


Naranja Mecánica.
Descubrir esta película en la prepa por el hecho de escuchar a mis amigos hablar tanto de ella, fue sin duda abrir una puerta, cambiar el switch a todo lo que yo concebía que podía hacer el cine, ya no era sólo entretenimiento, o si bien si entretenimiento; ya no sólo para quemar tiempo, desperdiciarlo, ahora podía entretenerme planteándome preguntas durante la película, y después de la película, comprendiendo que las películas eran algo así como los libros.


El Padrino.
Con El Padrino fue más que nada la comprensión que hay personajes en el quehacer del cine que son tan importantes como toda la película. De esta película lo que me cambió fue la perspectiva hacia los actores, y lo grandes artistas que pueden llegar a ser, como el señor Marlon Brando. Me enseñó a buscar películas a través de este método, el de filtrar por actores.


Amelie.
Para muchos quizá no sea la mejor obra de Pierre Jeunet, pero yo amo tanto esta película, y tiene un significado para mi como no tienen idea, que son un sin fin de causas por las cuales a mi me marcó tanto.
Para empezar diré, y esto si ya lo comenté acá en el blog en mi primera lista de películas favoritas y en la entrada que escribí sobre la película hace ya 4 años, que es la película que me hizo querer buscar más cine francés, que a su vez me hizo querer conocer más el cine europeo completamente, también la considero como la película que me hace como tal un cinéfilo, no sólo un fanático del cine comercial.
Ahora, lo que pocos saben sobre mi amor por esta película es que gracias a ella yo conocí a Eric Villa, quien es coordinador editorial de la revista para la que colaboro, Cinéfagos, y fue precisamente el primer número que yo leí sobre la película en el que escriben sobre ella, y de ahí nacieron mis ganas de querer colaborar con ellos. También un dato muy peculiar sobre la película es que cuando yo la vi por primera vez en la vida, fue en el 2012, año en que cumplí 23 años, la edad que tiene Amelie en la cinta (como olvidar la escena donde pasan en la tv su muerte) y por último esa escena en la que imagina que su amado sale a comprarle levadura, esa escena fue la que me hizo comprender que el cine provoca sentimientos reales, no sólo emociones, o risas, o sustos, o diversión, también te hace feliz en plenitud, te hace sufrir, llorar con esos personajes con los que te puedes identificar y ver tu propia vida ahí, personajes reales y no indestructibles. No creo honestamente ver una película en vida que me de la gracia y la plenitud que me da Amelie cada vez que la veo.
(Por cierto, nunca me ha gustado del todo el poster)


Midnight In Paris.
La película de Woody Allen también la vi en el 2012, y si en algo cambió mi vida esta película, y si algo de puedo adjudicar yo, es que gracias a ella yo empecé a escribir, a raíz de haberla visto y a la par de un par de sueños que tuve con unos meses de diferencia y algunas vivencias, nombres, libros y viajes, yo me animé a escribir mi novela, y años después supongo gracias a eso también nació este blog, pero siempre he creído que el detonante principal de todo fue esa película, y acá sigo.


Azul.
Jamás se me va a olvidar la noche en que yo miré esta película, me dejó un sentimiento de vacío, pero a la vez de cierta alegría y anhelo, que pocas veces logro volver a sentir al ver una película, incluso recuerdo que me costó mucho volver a verla, por miedo a no sentir lo mismo, pero cada vez que la veo, me hace sentir lo mismo que aquella primera noche, es como una maquina del tiempo para mi. Me enseñó quizá no a sentir como Amelie, pero si me hizo tener cierta empatía por el sufrir de Juliette Binoche, a la cual si bien yo ya conocía de otras películas, y ya la amaba, creo que a raíz de ver esta actuación la elevé hasta la cima de mis actrices favoritas, incluso al grado de creer fielmente que es la mejor actriz que haya pisado este planeta, por encima de quien ustedes o las personas que saben de esto me digan.


La Dolce Vita.
Sin duda alguna otra película que me ha marcado hondamente es esta joya indeleble del italiano Federico Fellini. Pues en ella vemos al hombre que todos quisiéramos ser nada más y nada menos que por el mejor actor de todos los tiempos: Marcello Mastroianni.
La Dolce Vita es un retrato de la vida misma, vemos pasar el tiempo como pasa en la vida, sin pretensión alguna, haciendo del cine una extensión de dudas y complejos que cualquiera puede tener, lejos clasismos, aunque la película trate a una sociedad clasista y putrefacta en ciertos aspectos. Tarkovski nos dejó la poesía hecha vida e imagen, Bergman dudas e inquietudes provenientes de nuestros sueños y nuestro pasado a través del silencio, Fellini dejó al mundo lo parco de la vida fielmente retratado, y con eso le debemos mucho, todo.


Her.
Con Her simplemente la marca consistió en quitarme el paño de los ojos y ver que muy pocos somos los que aún podemos amar de verdad en esta era. No haré ningún comentario más porque probablemente me ponga a llorar.


La Gran Belleza.
Con La Gran Belleza fue un poco reafirmar mi ideología de vida, esa de ser más meditante y absorbiendo toda la belleza posible en mi interior y tratar de hacer algo con ella escribiendo, aunque nadie, o casi nadie lea jamás todo lo que escribo como el papa de Juan Antonio en Vicky, Cristina Barcelona, y ser tan hipster y banal en el exterior como me sea posible para que nadie descubra mis secretos y sufrimientos.
Me considero desde entonces un Jep Gambardela prematuro, además de que no creí encontrar a la par una obra como la de Fellini, la ya mencionada, pues a pesar de lo que todos digan, yo encuentro más similitudes entre esta y La Dolve Vita, que con 8 1/2


Saló, o los 120 días de sodoma.
No quise dejar de mencionar esta película porque como una mención especial porque es de las pocas películas que me creó un shock, un impacto que no sé si me marcó, o me cambió para bien o para mal.

Películas V.

El Callejón de los Milagros.
Película del cineasta mexicano Jorge Fons del año 1995, la cual si bien a bien por si sola es una gran película, su mayor virtud, o por la que todo mundo puede hacer referencia de ella, es por haber sido el debut cinematográfico de la, en aquel entonces desconocida por el mundo joven actriz llamada Salma Hayek.

La historia cuenta en tres capítulos, la historia de tres personas que viven en un callejón de la Ciudad de México llamado El Callejón de los Milagros, y a la vez de que nos cuenta la historia de estos tres personajes, sirve de pretexto para contarnos el entorno de todas las personas de ese callejón, vemos todos los estereotipos de la sociedad mexicana, y lo retrata de una manera muy fidedigna, el como pasa el tiempo y como este los va cambiando, tanto lo que son como el lugar donde muchos están.

Si yo le tuviera que poner un nombre alternativo a la película sería: "persiguiendo el sueño de la ilusión perdida" ya que es el retrato de lo que se pierde por una falsa ilusión, que si algunos llegan a conquistar dichos deseos, es porque involucraron algo más, que es el olvido de todo lo pasado, pero nuestros las personas que en la película quieren algo más, no comprenden esta premisa.

La trama tiene un desarrollo armónico, y aunque por muchos momentos es predecible, esto no le juega en contra, sino todo lo contrario, ya que aunque predecible se comprende que así tenía que ser, porque tiene veracidad y fundamentos, no buscan sorprender a nadie ni dar giros de tuerca innecesarios, (sólo por mencionar un ejemplo, era imposible que Abel matara a José Luis porque es un buen muchacho) además esto ayudado por las excelentes actuaciones de todo el cast, no sólo de Salma. (que si a mí me lo preguntan, aunque buena la actuación, no hace nada extraordinario en comparación a Ernesto Gómez Cruz o la gran actriz Margarita Sanz).

Quizá poseedora de una de las bandas sonoras mas bellas del cine mexicano, sumado además el gran trabajo del director, la facilidad y la versatilidad con la que hace de este guión adaptado de una novela egipcia, algo tan claramente mexicano.

La Tarea.
Dirigida por el gran director Jaime Humberto Hermosillo, esta película tenía desde un principio, incluso antes de que yo lo supiera, o la viera, o leyera sobre ella al respecto, todos los elementos para que fuera una de mis películas mexicanas favoritas, por ejemplo el hecho del reparto minimalista, de la anécdota por la anécdota, sin querer ejercer presión o moralidad sobre el espectador, su discurso sobre el erotismo, el sexo, el amor, los recuerdos, la pareja. Tiene quizá una de las escenas más eróticas y elegantes de nuestro cine, y que además quizá compita con la escena en secuencia más larga de nuestro cine.

Los dos únicos actores en escena como lo son José Alonso y María Rojo dan verdadera cátedra de actuación, es un verdadero ejercicio y además pieza obligada para quien pretenda llevar esta carrera, y además la premisa que nos da la película al final es muy original.

Sin hablar más de ella les digo que se convirtió desde que la vi mi segunda película mexicana favorita.

El título completo de la película juega mucho con la intención de la película en general. ¿Es una película experimental? Yo sólo diría que es una película, y una muy buena por cierto.

El Espejo de Andrei Tarkovsky

El Espejo (o The Mirror, o Zerkalo) del director soviético Andréi Tarkovski, es una película de 1974 que narra la visión de un niño sobre su madre siendo este un pequeño, y a su vez como fue que lo marcó en su vida adulta, y como esto modificó su comunicación con ella, el como lo influenció en sus relaciones futuras, tratando de encontrarla, ya fuera buscándolo o no, mujeres que le recordaran la figura de su madre, y la visión de su pequeño hijo, y el como esto altera su realidad y su educación.

Hablar de una película de Tarkovski es hablar sin lugar a dudas, hablemos de la película que hablemos; de su gran impacto visual, no sólo en la iluminación, o en lo referente al diseño de producción, o retratada por momentos a color y por momentos en blanco y negro, el uso de espejos y simbolismos en el viento, el fuego y el agua a los que se les puede dar un sin fin de lecturas, sus referencias al arte en general como fuente de inspiración como la pintura, sino de la propuesta visual y la poesía creada entre el argumento y las imágenes.

El silencio predominante, las actuaciones mesuradas, la poca música que se utiliza es sublime y no trata de manipular lo que sentimos, las miradas parcas que a menudo rompen con la cuarta pared; son sólo algunos de los grandes sellos del cineasta que años después serían emulados y fuente de inspiración para grandes cineastas como Carlos Reygadas, P.T. Anderson, Wes Anderson, Wong Kar-Wai o Stanley Kubrick.

La carta en que se convierte la película nos da un retrato histórico muy fiel sobre lo vivido por los niños durante la Segunda Guerra Mundial en la URSS, por lo cual hace a la película en cierta forma una especie de autobiografía del cineasta, y lo vivido por sus padres, además de un capítulo retratado de la Guerra Civil Española por la incorporación de unos personajes peculiares. Sentimientos de pérdida, conciliación, de espera, de muerte, son muy constantes así como el trato a la religión y la patria, cosas que nos inculcan los padres. En la trama no hay cronología, es un constante juego en el tiempo, entre el presente y el pasado, o el pasado y el futuro, en realidad no se sabe, y se disfruta mejor la película de esta manera, si saber con certeza. Y el hecho de que se utilice un solo actor y una sola actriz para interpretar a la madre del actor principal, o del que nos va narrando tanto su historia como la poesía (al cual nunca vemos) ayuda mucho a que los límites en la estructura de tiempo e historia se vuelvan indelebles. (Margarita Terekhova, la actriz que interpreta a la madre de joven y a la esposa del personaje principal es muy destacable, y la mujer mayor que interpreta a la madre ya en su vejez es la propia madre de Tarkovski, y el joven actor tiene un parecido increíble con el cineasta)

Sin lugar a dudas un poema adelantado a su tiempo, y más sin embargo logra retratar con una realidad bárbara la historia tanto personal como del entorno del cineasta, las memorias sobre su madre, la hacen a esta película una carta abierta a su madre, lo cual la hace muy personal, y no intenta complacer a nadie con este trabajo, si la carta es de amor, eso le toca a cada uno resolverlo, además del hecho de lo planteado en torno a los eventos paranormales y surrealistas reflejados en sus sueños, de los cuales nos hace participes en este particular filme que para mi gusto es como ya lo dije, una adelantada a su tiempo.

Las palabras no pueden transmitir todo lo que siente el hombre, son flojas.

El Espejo - Andrei Tarkovsky - 1974

— JAH (@JohnnyAntuHap) 20 de julio de 2018